lunes, 19 de junio de 2017

BOLLYWOOD; esplendor sin estrellas


José María Muscari, el director teatral más relevante de éste tiempo, vuelve con una nueva apuesta sobre las tablas: "Bollywood, una industria sin estrellas" que propone ser su propia estrella, que relaciona a la industria del cine indú. En éste caso se trata de una obra teatral donde el director a su estilo vuelve al under musical performático que contará la especial presencia de Magui Bravi en las coreografías. La puesta será protagonizada por Emiliano Figueredo y Mariela Asensio con 50 artistas en escena (30 actores y 20 bailarines) seleccionados por casting, y muchos de ellos tienen su primer debut.


La trama de Bollywood toma a la industria cinematográfica india como disparador para reflexionar acerca del lugar de los actores en la Argentina respecto a los indios sobre el fenómeno de la fama y la trascendencia, el humor, y el lugar que cada uno ocupa en lo que hace sobre ciertos valores que podrán, o no, resonar en el espectador, todo ello a través de escenas y cuadros musicales y coreográficos.


A ingresar el público para ocupar las butacas, diez chicas recorren la sala con un vestuario sensual y se abanican dando la bienvenida y varios musculosos alumbrando con linternas saludan a quiénes van llegando.
Con una puesta muy coreográfica de buen nivel y música pop se va desenvolviendo la propuesta indú y local que tiene el show, con textos algo irreverentes en determinados momentos en el abordaje de distintos temas sobre los que plantea una reflexión sobre las mujeres.


Muscari dice: “Mis primeros espectáculos nacieron en el under y con el transcurso del tiempo pude cruzar la barrera para llegar a lo más comercial y mediático donde propone sacar fotos y filmar todo lo que quieras para viralizarlo en las redes sociales". 
Puede ocurrir que mucha gente no resista las obcenidades verbales y se retire antes ya que también es parte del show que no se resista al shock de sensibilidad vulgar, que degrada y no eleva por el solo justificativo que si no entendés al under no lo podés valorar. Interesante para reflexionar y sacar su propia conclusión.
La propuesta actual será con acceso libre y gratuito y el público podrá colaborar “a la gorra” donde el director pide que sea alta. Para conseguir las entradas (las funciones serán todos los viernes y sábados a las 22, y domingos a las 20), el espectador deberá presentarse con dos horas de anticipación en la boleteria del nuevo Espacio IFT ubicado en Boulogne Sur Mer 549.

lunes, 12 de junio de 2017

Egmont - Sueño de una noche de verano


BALírica
presenta  el 4 de junio la tragedia musical de Johann Wolfgang von Goethe "Egmont" de Ludwig van Beethoven y la música para la comedia de William Shakespeare, "Sueño de una noche de verano" de Felix Mendelssohn Bartholdy con la dirección de Orquesta de Pedro Pablo Prudencio y diseño de escena e iluminación de Héctor Calmet y la dirección de coro de Juan Casasbellas, en el Teatro Avenida.

Beethoven - Egmont, op 84

Narrador: James Murray
Clarchen:  Daniela Tabernig












De la relación entre Ludwig van Beethoven (Bonn, 17 del 12 de 1770  y Viena, 26 del 3 de 1827, la producción de Wolfgang von Goethe, Frankfurt, el 28 del 8 de 1749, Weimar el 22 de 3 del 1832) es Egmont op.84 música destinada a la escena teatral en 10 partes  que nació por encargo del Teatro de la Corte de Viena para la tragedia homónima programada para la temporada 1809/10.
En el contexto político que se produjo el encargo para abordar el tema patriótico que exigía la libertad en 1809 cuándo Viena estaba ocupada por Napoleón.
Egmont proviene del mismo período que otras músicas como "Las ruinas de Atenas" op. 113  y Rey Esteban op. 117 ambas sobre el drama de August von Kotzebue donde Egmont refleja los ideales del compositor por su fé en el príncipe benefactor con sus añoranzas de libertad tanto políticas como humanas, como en el personaje histórico donde Egmont es la justa sangre derramada del héroe por su pueblo a cambio de la libertad.
En su tragedia "Egmont" (1788) Goethe relata la lucha del héroe contra el despótico Fernando Álvarez de Toledo , Duque de Alba, enviado por Felipe II para poner fin a la subversión contra la corona en los Países Bajos. Egmont bajo amenaza se rehusa escapar y renunciar a sus ideales de libertad es detenido por Alba, y abandonado por cobardía de su propio pueblo, a pesar de los esfuerzos de su amante Clarchen, termina condenado a muerte. Clarchen enfrentada a su desesperación pone fin a su vida, y la obra termina con su último llamado del héroe camino al patíbulo peleando por su independencia y su muerte revindica la victoria contra la tiranía.  


El Conde Lamoral van Egmont nació el 18 de noviembre de 1522 en Hennegau, actual Bélgica que sirvió al emperador Carlos V como al sucesor Felipe II de quién era primo y en tiempo de guerra era de la caballería medieval conquistando algunas victorias y ser héroe del Imperio Español.
Cuándo Flandes manifestó diferencias religiosas con España, Egmont y Felipe de Montmorency , Conde de Hoorn pidieron a Felipe II manifestarse contra la represión y llegada de la Inquisición a los Países Bajos sin respuesta favorable. En 1560 Egmont  y el tercer líder Guillermo de Orange renuncian al Ejército Imperial y pidieron el retiro de los soldados de España, pero en conversaciones con su primo monarca en Madrid no llegaron a nada, y en 1567 el Duque de Alba llega a los Países Bajos para sofocar la rebelión y Orange huye a Alemania, Hoorn y Egmont deciden quedarse.
El Duque de Alba conocido por si impiedad admiraba a Egmont y no impidió cumplir sus órdenes que ejecutó hasta el límite de la traición, donde el 9 de septiembre de 1567 los invita a su banquete para hacerlo apresar a pesar de tenerlo advertido a Egmont, pero éste como patriota formado en los ideales medievales no imaginó que el Imperio Español haría tal cosa, equivocándose y el 5 de junio de 1568 Egmont fue decapitado ante la multitud conmovida en el Mercado de Bruselas. Su auténtico verdugo el Duque de Alba lloró al ver rodar su cabeza como la de Hoorn.
Egmont no fue traidor sino noble patriota con decisión de plantarse ante el soberano, hecho que Felipe II no perdono y su injusta ejecución encendió los ánimos populares contra España. Luego estalló la Guerra de Flandes o "de los Ochenta años" que dió el resultado de la liberación de los Países Bajos, y Egmont con su sacrificio pasó a la historia como liberador de la patria belga.


La Obertura ofrece una visión del drama a representar que comienza con graves y patéticos acentos de muerte de Egmont, prosigue con el idilio entre el héroe y Clarchen y finaliza con el símbolo de la liberación de Flandes del yugo de la España de Felipe II.
Se describe el estado de decepción de Brackenburg porque Clarchen  no es correspondido en su amor y pasa la agitación del pueblo flamenco que tiene que ver con la escena de apertura del 2° acto con el diálogo entre el Conde Egmont y Guillermo de Orange que le advierte a cerca del Duque de Alba , el enviado de Felipe II encargado de poner el orden severo.



Sueño de una noche de Verano Op. 61 - Mendelssohn Batholdy

Narradores: Alexia Moyano y James Murray
Elfo I y II:   Daniela Tabernig y Laura Sangiorgio


Mendelssohn Bartholdy escribió la Obertura Sueño de una noche de Verano a los 17 años demostrando dominar el arte de la composición y su inspiración fue traducir alalemán la comedia de Shakespeare publicada en 1801 por Friedrich Schlegel y Ludwig Tieck. Con su Obertura  se convirtió en el precursor del concierto, una creación que encararía con "Las Hébridas" en 1831 sobre texto de Goethe.


La Obertura "Sueño de una noche de verano" presenta fraseos en los violines y acordes que remiten a la corte del Duque Teseo que transmite una idea imitando a los rebuznos del burro, en clara alusión a Button. Se tocó por primera vez en Leipzig en su hogar paterno y la ejecución pública fue en febrero de 1827 en Stettin bajo la dirección de Carl Loewe que inició el romanticismo musical. Con el tiempo la obra se convirtió en la más prestigiosa y difundida de Mendelssohn Bartholdy pero durante el nacionalsocialismo sus partituras fueron prohibidas. Mendelssohn fue un director importante al exhumar "La Pasión según San Mateo" comenzó a conocer a Bach  y junto a otros compositores difundió la obra de Mozart, Haydn y Beethoven se convirtió en intérprete de los conciertos de Mozart y Beethoven como pianista.
Falleció en Leipzig a los 38 años de ACV y su música avanzó en el siglo XIX frente al canon wagneriano de un Romanticismo en éste siglo que comenzó apreciarse en su justa dimensión.









La acción en una Atenas de cuentos de hadas.
Durante los preparativos de boda del duque Teseo con Hipólita enredados en amores no correspondidos; Hermia ama a Lisandro pero está comprometida con Demetrio, el que a su vez es amado por Helena.
Egea madre de Hermia se presenta ante Teseo para obligar a su hija a cumplir su compromiso. Entonces Lisandro y Hermia deciden huir, tras Hermia, Demetrio y trás él Helena y todos se pierden en el bosque, donde habitan Titania y Oberón los reyes de las Hadas, los cuáles están distanciados por una rencilla.


                  La discordia entre Oberon y Titania por Sir Joseph Noel Paton

Oberón decide castigar a Titania  hechizandola con el juego de la flor del amor, que vestido sobre sus párpados dormidos, basta que una persona ame con locura la primera criatura que vea.
En tanto en el bosque un grupo de actores rústicos encabezado por Bottom están ensayando el drama para festejar al duque en el día de su boda, y Puck un duende ayudante de Oberón transforma a Bottom en burro, que al ver ésto todos huyen pidiendo ayuda. Con sus gritos despiertan a la reina Titania de su encantamiento que se enamora de Bottom transformado en burro.


        Escena de Sueño de una noche de Verano (Titania y Bottom)- Edwin Landseer

Oberón decide ayudar a los amantes con el mismo filtro de amor, pero ante las equivocaciones de Puck termina con los hechizos conservando el de Demetrio que se enamora de Helena.
Ante el nuevo orden establecido los enamorados son disculpados y los rústicos representan su ridícula obra teatral "Príamo y Tisbe" que todos festejan, las parejas se casan junto a Teseo é Hipólita con la bendición de Titania y Oberón que ha recobrado el amor de su reina, y hace que lo recuerden sólo por el sueño de una noche de verano.



                Camino al calvario, por Pieter Brueghel "el viejo"
 La pintura alude a la represión española en Flandes bajo la corona de Felipe II

Los graves sucesos se reflejan en el 3° acto cuándo aparece la Regente Margarita  donde quedan expuestos los sentimientos de Clarchen frente a Egmont, entre ambos. Una marcha crea la idea de la intervención de las milicias del Duque de Alba como tirano y represor que arresta a Egmont.
Evocadas las advertencias de Guillermo de Orange a Egmont que elige quedarse en Bruselas mientras que la Regente y aquél prefieren huir para salvar sus vidas. La desesperación de Clarchen busca envenenarse al comprender que nada puede hacer para salvar a su amado.
La música anticipa el Melodrum de Egmont a la espera de su muerte, describe su sueño con la visión de Clarchen anunciando que su sacrificio traerá la libertad del pueblo oprimido.




En referencia al Melodram, Goethe apreció a Beethoven su genialidad y con una carta celebró al poeta con su Egmont donde meditó con fervor su música, y consiguió que la editorial le enviara al poeta una copia de la partitura a modo de homenaje. Egmont como pieza de teatro fue ejecutada en versión de concierto por Fredrich Mosengeil con textos declamatorios para voz masculina reemplazando el original de Goethe, que más tarde fueron reelaborados por Franz Grillparzer y hoy Buenos Aires Lírica ofrece su propia versión en castellano.


                                                   




   

domingo, 14 de mayo de 2017

"NORMA" de Bellini


La originalidad de  Vincenzo  Bellini en "Norma" fue darle un tratamiento netamente romántico a una tragedia clásica. Parte del suceso de esta partitura operística es que se fue afianzando en el gusto del público después de un debut fracasado en 1831 en el Teatro alla Scala de Milán y hoy está considerada una de las obras maestras del siglo XIX y donde radica también en el libreto de Felice Romani, quién condensó en dos, los cinco actos originales de la tragedia de Alexandre Soumet y L. Belmontet en la cuál se basa, para otorgarle una calidad poética notable.
Vincenzo  Bellini falleció a los 34 años contando con un inmenso prestigio entre la mayoría de los colegas del siglo XIX, en especial Chopin, Liszt, Rossini, Verdi (e incluso Wagner, que compuso un aria para Oroveso con la intención de que fuera cantada por el famoso bajo Luigi Lablache), le profesó admiración. Él concebía la ópera como un vínculo para la expresión y puso al servicio de éste su espíritu refinado en sus melodías que han permanecido inalterables.


Juventus Lyrica estrena el 12 de mayo la ópera de  Vincenzo  Bellini "NORMA" en el Teatro Avenida con el siguiente repertorio:  Mariana Carnovali (Norma), Romina Jofre (Clotilde), Nazareth Aufe (Pollione), Ramiro Pérez (Flavio), Nidia Palacios (Adalgisa), Mario de Salvo (Oroveso), Eliseo Benjamín Bossi (Clodomir), Matías Romig (Agenor), con el coro estable de Juventus y dirección musical de Hernán Sánchez Arteaga, Vestuario de Cecilia Carini, Escenografía de Salvioli, Iluminación de Rubén Conde y Dirección escénica de Florencia Sanguinetti.


La temporada 2017 se abre con " Norma" en una moderna puesta en escena que acompaña a una sutil escenografía irregular que simula hielo y piedra, que tiene diversos planos escalonados por donde se desplaza la acción, con proyecciones, que mezclan los tiempos en el regodeo de voces del "bel canto" italiano de tradición celta y romanticismo alemán. Asumen potente las voces interpretativas de los cantantes, que de forma muy pareja estuvieron a la altura de los requerimientos vocales e interpretación de sus personajes, especialmente la virtuosídad de la soprano Mariana Carnovali en el aria más representativa de la "Casta diva" de vibrante solvencia que acompaña al resto de un elenco muy meritorio de voces equilibradas.



Argumento:
Acto I
En lo profundo del bosque sagrado, Los Druids se reunían en el altar ante su Dios Irminsul, donde el sacerdote, Oroveso los guiaba en la oración para vengarse de la conquista romana. Cuándo ellos se fueron, el procónsul romano, Pollione, le confesa a su asistente que no amaba a Norma la hija del sumo sacerdote Oroveso, pero que si se enamoró de su hija, Adalgisa. Ellos se fueron mientras que los Druids se reunían y Norma le rezaba al Dios de la luna por la paz. Después que los Druids se dispersaron, Adalgisa empezó a rezar por fuerzas para resistir a Pollione, pero cuándo éste aparece persuade a Adalgisa para escaparse con el a Roma al día siguiente.


En su recóndito escondite, Norma le dice a su amiga de confianza, Clotilde, que tenía miedo que Pollione la abandone a ella y sus dos hijos por una mujer cuya identidad ella no conocía. Su hijo sale de escena cuándo entra Adalgisa a confesarle a Norma que ella era su amante. Recordando su debilidad, Norma trata de perdonar a Adalgisa de sus actos, pero su amabilidad se convierte en furia cuándo aparece Pollione y le dice que él es  pretendiente de Adalgisa. Sin embargo Pollione quería huir con ella, pero Adalgisa prefería morir antes que sacarle el marido a su madre.


Acto II
Esa noche, con una daga en la mano, Norma trata de asesinar a sus hijos mientras dormía para alejarla de Pollione. Pero no tiene valor, y quiere entregarlos a Adalgisa para que los lleve a su padre. La chica se negó, rogando con su desesperada madre compadecerse de sus hijos. Norma abraza a Adalgisa, superada por su oferta de irse con Pollione y rogar por Norma. Los Druids se reunen en el altar para escuchar el anuncio de Oroveso que les comunica que Pollione será reemplazado por un comandante cruel. Pollione se enfureció con la esclavitud de Roma que el consejo impuso en ése momento, para hacer frente a una rebelión final más exitosa.


En el templo, Norma se quedó atónita al escuchar a Clotilde que la suplica de Adalgisa a Pollione ha sido en vano, y en una furia Norma impulsa a la gente a comenzar una guerra contra sus conquistadores. Oroveso exige una victima para sacrificar, y entra Pollione cuando el santuario había sido profanado. Solo Norma le promete su libertad si el renuncia a Adalgisa y vuelve con ella. Cuando el se opone, Norma llama a los Druids y confiesa su culpabilidad. Conmovido por su nobleza, Pollione insiste decidir su destino. Después de que Oroveso observa su hija, Norma dirige a su amado a la hoguera donde la multitud reza.



sábado, 13 de mayo de 2017

"Luisa Fernanda"



La Zarzuela venía enmarcada en el entorno de la situación política de la época de la Segunda República, con la de los primeros tiempos en que se desarrolla la acción de la obra, ya sobre el final del reinado de Isabel II como preludio de la Primera República de la Revolución de 1868, también conocida como La Gloriosa o La Septembrina, por acontecer en el mes de septiembre, daría paso al conocido Sexenio Revolucionario el cuál finalizaría en enero de 1874 con el golpe de Estado del general Pavía, que pondría fin a la efímera Primera República Española..


El compositor Federico Moreno Torroba nació en Madrid el 3 de marzo de 1891 y murió también en Madrid el 12 de septiembre de 1982. En su amplia trayectoria de compositor, director de orquesta y empresario, destacan éxitos fuera del ámbito de la zarzuela, y sus composiciones para guitarra clásica. Es en la opereta en que se instala la zarzuela, desde la primera  "La Masonera de Tordesillas" (1925), hasta "Luisa Fernanda" (1932), de Federico Moreno Torroba con libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw entre otras, cierra con "María Manuela" en (1957) el exitoso ciclo que también tiene junto a "Doña Francisquita" de Vives, que venían ofreciendo éste arte de la comedia lírica más popular y alegre que se consideraba menor frente a la ópera, pero que impulsaron la Sociedad General de Autores de España con su denodado cariño por los temas madrileños y manchegos.


Como símbolo madrileño (la mazurca de las sombrillas) es parte emblemática de Extremadura y en Luisa Fernanda ocurre lo que en la mayoría de las zarzuelas donde la música está muy por encima del libreto. Así ocurre también en su primera parte con la "habanera del soldadito", de ése apacible rincón de Madrid tan aprovechado por los tenores del impactante dúo de Vidal y Luisa Fernanda “En mi tierra extremeña”.


Luisa Fernanda, es una humilde joven veinteañera enamorada del apuesto al tiempo que mujeriego, coronel Javier Moreno que no acaba de decidirse por ella, pero no soporta que esté con otro; una muchacha educada en un ambiente conservador (su padre, Don Florito, es un antiguo escribiente de palacio y un ferviente monárquico).


Vidal Hernando hacendado extremeño, pretende a Luisa Fernanda ante el desapego de su novio y de la sinceridad de su amor ella no duda, pero no puede dejar de querer a Javier. Es la omnipresente lucha entre la razón y los sentimientos, tan comunes en los argumentos dramáticos de la nueva sociedad burguesa que se estaba construyendo.


Ballet Hamlet Ruso


El "BNS" Ballet Nacional Sodre de Uruguay, bajo la dirección del Maestro Julio Bocca, vuelve a Buenos Aires con HAMLET RUSO, una obra emblemática del coreógrafo Boris Eifman, del 10 al 13 de mayo en el Teatro Ópera.
Es la primera vez que ésta compañía presenta un ballet completo fuera de Uruguay. Se basa en la vida del Príncipe Pablo, quién se convertiría en el Zar Pablo I de Rusia.


El coreógrafo no sólo propone representar la conocida trama de la verdadera historia de la dinastía Romanov, la lucha por el poder entre la Emperatriz Catalina la Grande y su hijo, sino que brinda una mirada profunda sobre la psiquis, un punto de vista filosófico sobre la forma en la que el poder político corrompe las relaciones humanas y lleva a las personas a colapsar, sumiendo al príncipe de la corona en un estado de locura.


"El verdadero arte comienza más allá de las palabras, cuándo el silencio se instala", afirma Boris Eifman, un bailarín que fundó su propia compañía en 1977 para romper con las férreas reglas del academicismo ruso y revelar así su voluntad de independencia. Desde entonces, Eifman desarrolla su propio estilo frente a los dominantes en la danza clásica y la contemporánea; resiste a las corrientes y a las modas para imponer una forma de expresión muy personal, según la cuál "todo reside en la estética, pero la belleza formal del gesto no es un fin en sí. Eso no significa que la cualidad plástica de la coreografía sea menos importante que el hecho de encontrar una cierta intensidad dramática en las situaciones.


Boris Eifman, como coreógrafo tuvo la genial fantasía de fusionar un fragmento de la historia de su país con el planteo que ofrece la obra shakespeareana. Hay una dramaturgia potente que deriva de un texto dramático en el cuál no se hace necesaria la palabra, porque todo está expresado con el movimiento de los intérpretes y suma con la iluminación marcando una poderosa impronta.
Para disfrutarla no hacen falta las teorías, alcanza con la sensibilidad estética. El atractivo del "Hamlet ruso" radica en la amalgama que se establece entre la disciplina de la danza y la teatral, a tal punto que no son necesarias las palabras para entender la historia.
Un capítulo aparte merece la música, con una perfecta banda de sonido, porque el coreógrafo no recurrió a las composiciones de ballet, sino a las sinfonías de dos grandes alemanes: Beethoven y Mahler.


El segundo movimiento de la Séptima Sinfonía sirve para subrayar la ambición y las luchas por el trono, del mismo modo que "Claro de luna" ilustra el erotismo de la escena de la noche de bodas. En cambio, en la segunda parte Mahler se impone por su peso dramático, allí donde se conjugan las pasiones y la muerte.

lunes, 1 de mayo de 2017

"Cena Gourmet a ciegas buscando sensaciones"



El espectador ingresa en un recinto en una total oscuridad y es ubicado por el guía en su mesa indicada é invitado a comer que inicia el show con un grupo de actores que se desplazan e integran; Graciela Pereyra, Gabriel Griro, Maximiliano GriroPablo UgoliniBelén CabreraBrenda García sobre una idea de Martín Bondone del Centro Argentino de Teatro Ciego con la dirección de Gabriel Griro. 
El show reconoce un antiguo bar porteño guiado por la cadencia de una voz cantante acompañada por el pianista Carlos Cabrera.
El espectador recorrerá con su mente escuchando los principales temas y estilos musicales de una revisión que irá reconociendo paulatinamente. Completamente a oscuras, éste espectáculo propone también un menú diferente, (opción espacial para celíacos ó vegetariano) se tomará al tanteo con la mano izquierda hacia derecha, (con opción a copa de vino, gaseosa ó agua) permitirá a los comensales ir descubriendo por las sensaciones degustativas los sabores y aromas de las raciones al plato, de 6 pasos especialmente elaborados,....rememorando sabores conocidos y otros no tan reconocibles u olvidados, y la sorpresa será al final que sorprenderá cuándo se haga conocer el menú. 
Un espectáculo que combina la música y la alegría, el teatro contando historias variadas del amor de antaño con cierto humor, efectos sonoros, sensación de lluvia y viento y algunos sensaciones olfativos que se perciben como el aroma azahar, agua de mar a pescado, verde del bosque, acompañando la comida.para sentir una experiencia única y diferente, recomendado por su originalidad envuelto en un manto de suave terciopelo en total oscuridad que incentiva el buen gusto y los sentidos del placer.
Teatro Ciego: Zelaya 3006 T.E 6379 8596  de Miércoles a Domingo a las 21hs con reseva.

viernes, 14 de abril de 2017

"La Coronación de Poppea"


Claudio Monteverdi, nacido en Cremona y vivió en la transición del siglo XVI al XVII, y el 9 de mayo cumplirá 450 años de su nacimiento es quién nos ha dejado los primeras obras maestras del género, genialidades que en nuestros días han cobrado una renovada trascendencia y reconocimiento y por tal fue llamado "el padre de la ópera" aunque no haya sido el creador, pero si el de la obra polifónica sacra y profana en los oficios de la Basílica de San Marco.
La historia de la ópera comienza una generación antes, en el palacio del conde Giovanni Bardi en Florencia, donde un grupo de jóvenes amigos (la "Camerata Bardi") se reunía para especular sobre el drama griego y cómo sería su representación realmente. Eran los tiempos en que la forma musical favorita era "el madrigal", una pieza cantada donde el texto era interpretado en forma polifónica por tres voces distintas, una forma que se había llegado gracias a la fuerte influencia de los maestros del norte de Europa.
El madrigal, decían los Bardi, tenía líneas melódicas diferentes y no podía dar lugar a una interpretación dramática convincente, y sabemos ahora que los griegos declamaban el texto de una manera semicantada, y apoyados en ésa teoría compusieron escenas dramáticas con el formato que llamaron stile "rappresentativo" y que hoy conocemos como recitativo.


Descartada la polifonía hubo que inventar un sostén armónico para la única voz cantada - por ejemplo, un bajo con acordes a improvisar. Nace el "bajo continuo"... ése fue el germen de la ópera (palabra que en italiano significa, sencillamente, "obra") y ahí comienza lo que en la actualidad damos en llamar, en música, el estilo Barroco. Bajo éstos principios se fueron componiendo obras teatrales completas, primero con gran éxito en los salones de la nobleza donde los príncipes competían por las puestas en escena más costosas y espectaculares (como sabemos, un vicio del que la ópera nunca se logró deshacer por completo).
El primer compositor que desarrolló las nuevas ideas a fondo fue Jacopo Peri (1561-1633) cuya Dafne de 1594 es la primera ópera de la historia. A lo largo de un cuarto de siglo la declamación se hizo aún más expresiva, el bajo continuo tomó dimensión de orquesta, se incorporaron más elementos melódicos y nace el "aria" hasta que la ópera trascendió los palacios, se difundió en teatros públicos y fue millones.


Venecia lideró la ópera como género popular en Italia durante la mayor parte del siglo XVII y tuvo épocas en las que funcionaron hasta cinco teatros en una misma noche, los libretos -junto con una vela- se vendían en las esquinas y los autores eran celebridades reconocidas. Monteverdi llegó a ser una de ésas celebridades. Ya era un compositor destacado cuándo se interesó por el naciente género: nacido en Cremona en 1557, su carrera culmina como maestro di capella de la Basílica de San Marcos de Venecia y tanto sus libros de "madrigales" como sus composiciones polifónicas para la iglesia eran altamente valoradas.
Atraído por el nuevo principio teatral comprendió que debía componer de otra manera - según una "seconda prattica", como él mismo la llamó.
Esa otra manera era el recitativo que tanbién venía funcionando pero él lo profundizó hasta lograr sus creaciones que han resistido el paso de los siglos. ´Escribió unas "dieciocho" óperas aunque solamente se conservan tres: Orfeo, "Il ritorno d´Ulisse in patria" y la última, L´incoronazione di Poppea. Orfeo, particularmente, es considerada como la primera obra maestra indiscutida de la ópera. Se estrenó en 1607 en el palacio ducal de los Gonzaga en Mantua.
Cuándo se desprendió de los palacios y del mecenazgo de los príncipes, la ópera pudo dejar de ser correcta al abandonar su temática de seres mitológicos e incorporar personas vivientes.
Precisamente Poppea de 1642-43 es una de ésas obras tal vez la primera, que hablan de personas y de sus defectos y es ésa una de las características que la hacen tan moderna. Por la aparente inmoralidad de la historia -el excepcional libreto de Giovanni Francesco Busenello- fue siempre motivo de discusión, pero no debe olvidarse que el contenido de la obra, como el de innumerables otras de siglos pasados, era conocido por un público que sabía que el verdadero Nerón terminó por matar a Poppea pateándola en el vientre cuándo estaba embarazada.


Aquí debemos mencionar que precisamente ése dúo no es obra de Monteverdi, pertenece a Benedetto Ferrari, uno de sus alumnos. No debemos sorprendernos ya que en aquellos tiempos prevalecía el concepto de "taller" del artista del cuál participaban también sus discípulos y asistentes. Por ésta razón en Poppea se incluye a quién fuera el célebre sucesor de Monteverdi en Venecia Francesco Cavalli (1602-1676), hoy es imposible asegurar exactamente a quién pertenece cada pieza; lo que sí sabemos es que el plan general y la supervisión de la obra son inequívocamente de Claudio Monteverdi. Monteverdi murió en Venecia en noviembre de 1643. Por el comentario de un pionero en el redescubrimiento y la interpretación de la música antigua de Nikolaus Harnoncourt: "Es difícil comprender la frescura intelectual con la que un compositor de 74 años de edad fue capaz de sobrepasar a sus propios alumnos en el estilo más moderno de su tiempo y de establecer estándares aplicables al teatro musical de los siglos venideros".




Prólogo: Fortuna, Virtud y Amor discuten sobre quién es la más poderosa. Amor se declara superior y asegura que lo demostrará con la historia que sigue. Roma imperial, alrededor del año 60 de nuestra era. Ottone, héroe militar del Imperio Romano, regresa a su casa y espera encontrarse con su amante Poppea. Pero Poppea se ha entusiasmado con el emperador Nerón, quién quiere casarse con ella y hacerla emperatriz: nada más tentador para la muy ambiciosa. Aunque Nerón, para eso, primero debe divorciarse de su esposa Ottavia.


Séneca, filósofo, maestro y consejero del emperador desaprueba la idea y especialmente recomienda a Poppea no seguir adelante. Nerón entonces se enfrenta con Séneca quién no tiene otra alternativa que suicidarse. Definitivamente rechazado por Poppea, Ottone concluye que debe matarla, para lo cuál es alentado por otro antiguo amor: Drusilla. Ayudado por Drusilla y disfrazado con sus ropas, Ottone intenta asesinar a Poppea pero fracasa debido a la intervención del Amor.
Cuándo todos creen que Drusilla es la culpable, Ottone confiesa. Nerón, aunque les perdona la vida, los manda al exilio, junto con Ottavia que ha admitido su complicidad en la conspiración.


Entre el 22 al 23 de abril BAlirica y Nuova Harmonia pondrá en el Teatro Coliseo la L´Incoronacione di Poppea, ópera en 2 actos de casi 3hs con intervalo sobre libreto de Gian Francesco Busenello con el siguente elenco; Nerón Santiago Burgi (Tenor), Popea Cecilia Pastawski (messosoprano), Octavia Luisa Francesconi (messosoprano), Ottone Martin Oro (contratenor), Séneca Iván García (bajo), Drusila y Fortuna Victoria Gaeta (sopranoy Arnalta Gloria Rojas (contralto) con la dirección musical de Marcelo Birman, puesta en escena de Marcelo Lombardero, escenografía de Daniel Feijóo, vestuario de Luciana Gutman, coreografía de Ignacio González Cano e iluminación de Horacio Efron.


Del musical de recitar cantado que venía de la Camerata Florentina se intercalan canciones que cambian el concepto del espectáculo musical y teatral al inventar un género que no tenía posteridad anterior y se componía para ser interpretadas en ocasiones especiales o por única vez.


La Popea de Lombardero es una versión propia más allá de cuál sea la verdadera o de aquellas dos que se conservan y son distintas entre sí, incluyen al manuscrito de Nápoles que nada tiene y no el de Venecia que tiene dos actos copiados por su esposa con anotaciones y cortes, pero en ambas se encuentra con el "bajo continuo" o algunas melodías del "ritornelli".
Popea es una obra sobre el poder y el deseo irrefrenable que debe satisfacerse a toda costa y nada importa al imperio de Nerón, frente a su deseo por Popea explícitamente sexual, pero a pesar de ello Popea desea el trono caiga quién caiga. El duelo entre la virtud, la fortuna y el amor caerá defendido por éste, entendido como puro deseo de amor carnal, a pesar que el final no fue escrito por Monteverdi sino por Cavalli o supuestos Francesco Sacrati o Benedetto Ferrari aún sin dilucidar pero cierto es que causa un efecto extraordinario.
En lo estético opina Birman se tomaron decisiones de visión actual de la realidad para nuevos públicos de concepción abierta con cortes dramáticos y agregando sinfonía tienen el propósito de cautivar a todos que frecuentan éste género.