sábado, 18 de agosto de 2018

El Bramido de Dusseldorf ... cuándo la certeza es mentira


A Sergio Blanco como dramaturgo franco-uruguayo le gusta trabajar el género teatral de la autoficción contemporánea como cruce entre lo real y lo ficcional y por ello le "gusta decir que tiene una disciplina augusta, por Augusto, su emperador favorito desde niño. 
“Es una disciplina que se mezcla con el rigor jesuita y se combina con la meticulosidad de lo francés”, agrega.
Sergio Blanco 45 años, radicado en París desde hace más de dos décadas, mochila siempre en sus espaldas, campera y zapatillas de colores fuertes son su impronta para desembarcar del otro lado de la orilla en la sala Casacuberta del Teatro San Martín en Buenos Aires para estrenar su obra autoral más reciente y como director, "El bramido de Düsseldorf" con el siguiente elenco; Gustavo Saffores, Walter Rey y Soledad Frugone.



En “La única certeza de la verdad es, que es una mentira" sobre la que el dramaturgo incursiona hace algunos años en donde relata la agonía y muerte del padre de un autor teatral en una clínica de Dusseldorf, ciudad a la cuál el dramaturgo viajó para llevar adelante un proyecto que nunca sabremos cuál es con certeza y que relata como mentira.


La obra plantea su inicio con un CAPTATIO y 5 etapas de bramidos a medida que la pieza avanza y llegar al final con un RECAPTATIO, y durante ése espacio se entrecruzan en un vertiginoso juego teatral tres posibles hipótesis por las cuáles el autor se encuentra allí; la inauguración de una exposición sobre Peter Kurten, célebre asesino serial alemán de principio del siglo XX  para la cuál el autor escribió un catálago, firmar un contrato como guionista de películas pornográficas con una de las productoras de cine más importantes de la industria porno europea y proceder a su conversión al judaísmo por medio de su circuncisión en la famosa sinagoga de Dusseldorf.
Confieso no conocer los antecedentes del autor y ver por primera vez ésta obra, pero si digo que me dejó visiblemente impresionado su tratamiento y estructura teatral conceptualmente buena, que me permite augurar un promisorio futuro en próximos trabajos, que me gustaría ver y que a la vez recomiendo ésta obra.
Entre sus obsesiones el autor recurre al mito épico de Acteón, un cazador convertido en ciervo por haber sido sorprendido espiando a la diosa de caza Artemisa, ésta le lanza agua y lo transforma, pero aquí la leyenda cambia por revolcarse entre las flores del bosque para convertirse en ciervo considerado como un mito moderno, además suma a Peter Kurten un asesino serial alemán conocido como el "vampiro de Dusseldorf" que también inspiró los film de Fritz Lang y a los que llama mitos contemporáneos. En el segundo bramido el padre quiere volver al pasado para contar su historia que la hace atemporal según viene del primer bramido, en que busca concentrar la esencia humana de la amistad, la lealtad, la soledad y guerra nazi, y que se soslaya el amor y la muerte.
Con una escenografía en blanco muy funcional y con efectos de backproyection,de alta tecno que el teatro ofrece, con pocos elemento escenograficos sumados se mueven los tres personajes adaptándose a varios roles cada uno de ellos con especial ajuste y precisión, al compás de una adecuada música de los Beatles. Un provocador juego escénico se desarrolla a lo largo de 2hs que atrapa y que es recomendable ver, y a la vez disfrutar un nuevo género teatral.


elduke1000

martes, 12 de junio de 2018

El banquete tétrico de Tiestes y Atreo


Escrita y dirigida por Emilio García Wehbi según la tragedia de Séneca.
Elenco con: Maricel Álvarez, Florencia Bergallo, Analía Couceyro, Carla Crespo, Érica D’Alessandro, Verónica Gerez, Cintia Hernández, Mercedes Queijeiro, Jazmín Salazar, Mía Savignano, Lola Seglin y Lucía Tomas.
Música y dirección musical: Marcelo Martínez / Coreografía: Celia Argüello Rena / Iluminación: Agnese Lozupone / Vestuario: Belén Parra /Escenografía: Julieta Potenze /
Teatro: Nacional Cervantes, duración 120 minutos.
Calificación: Recomendable


En dos actos, Escila y Caribdis portan una misma reflexión, dos peñascos rocosos cerca de Sicilia emergen como monstruos marinos que se devoraban a los viajeros que se acercaban a sus costas, se relata en "La odisea de Homero" las vicisitudes de Ulises y que Ovidio menciona en "Las Metamorfosis". En ésta tragedia senecana el odio fratricida, la venganza y la antropofagia antecede a Sheakespeare con lo más tremendo en Tito Andrónico.


De los mitos greco romanos nos legó el drama trágico de Tiestes y Atreo hermanos en el estoicismo del horror de sacrificio y antropofagia por la disputa del trono, Séneca plantea las escenas más violentas y lacerantes de las tantas que tuvo en la humanidad con la descripción del asesinato de los hijos de Tiestes, puesta en boca por Hermes el dios mensajero.


El ritual fillicida antropofágico de la ingestión de sus hijos se remonta al mito de Cronos y llega a Tántalo, abuelo de Tiestes y Atreo cuándo es uno de los hijos cocinados por la codicia y la venganza, para llegar y augurar el retorno a la tragedia que se cifra en la ley del padre. Es decir la historia relata la venganza por parte de un hermano, ante la traición del otro que incluye adulterio, robo y engaño para conseguir el trono. Para la venganza el embaucado invita al hermano ladino a un banquete de reconciliación y éste no sabe que la carne que comerá es de sus propios hijos. Por otra parte Atreo encarna algo más que la venganza para llevarla hasta sus últimas consecuencias para eliminar el linaje de su enemigo del modo más atroz, que el padre se coma su descendencia.


La idea platónica de la tiranía es caníbal para Séneca cuándo conoció a Calígula y murió con Nerón en una comunión diabólica de sangre y vino, que se hace contemporánea en la sangre de Cristo, "en el nombre del padre", al hablar del padre como representante de la mayoría del poder, y del hijo representante de la nueva generación en el patriarcado.


En el entreacto junto al hip-hop se canta el nuevo hit revelador y nada tranquilizador que reza en su estribillo que, "No hay mayor muestra de cariño que comerse a sus propios hijos, porqué no hay asunto más prolijo que devorarse a todos los hijos", en un mundo apocalíptico que deviene en tragedia ceremonial.



García Wehbi plantea un elenco femenino que asume los roles masculinos resaltando el carácter falocrático de la tradición donde es incisivo, incomplaciente, inquieta y choca con fuerza erótica la actualidad con un interesante planteo del director, para que la tradición prevalezca a través de los siglos en un mundo apocalíptico. De impecable puesta de escena con actuaciones de roles muy precisas y parejas, con impactante fuerza en el texto de poesía cruel, inmerso en un mundo perdido y sórdido, se hace necesario repensarlo con un momento de reflexión.

viernes, 20 de abril de 2018

Goran Bregovic y la música balcánica



El teatro Opera Orbis presentó la orquesta de "Bodas y Funerales" de Goran Bregovic que reúne una linea de sonidos extremos emocionales que pueden saltar al éxtasis, con música que transita la cristiana, judía y musulmana en una gran fiesta musical de la tolerancia. Esto tiene sentido al repasar su propia vida en un país donde pasó por la guerra de los balcanes entre 1992 y 1995, en Sarajevo convulsionado de Bosnia-Herzegovina para intentar comprender a vivir con diferencias políticas y religiosas armoniosas, al echar un manto trágico como un réquiem para un funeral.
Hoy Sarajevo puede lidiar entre cierta tranquilidad o mañana despertarse a tiros entre unos y otros por la preocupada situación que se vive en Siria y que la historia puede repetirse, por lo cuál Sarajevo es una metáfora de nuestro tiempo, así como el conflicto de su madre, una serbia ortodoxa y su padre un croata católico terminaron divorciados. Bregovic vivió en su casa las diferencias políticas-religiosas a las que tuvo que adaptase y cuándo estalló la guerra se encontraba en París y no volvió durante cuatro años. Fueron años traumáticos al tener una familia complicada en medio de una guerra civil entre ortodoxos y católicos, al ver como unos se disparaban contra todos y se desangraban a la distancia de Goran. Entonces la escusa fue su nuevo disco "Three Letters from Sarajevo" que trae en su concierto, una música que reúne obras de la cultura cristiana, judía y musulmana que hoy suena como una utopía, como la Jugoslavia que desapareció con Tito que unificaba todas las etnias, e imaginaba sin separaciones religiosas.
Esta utopía es imposible con la religión y la política, pero la música puede armonizar en la vida real para que suene más armoniosa, y el compositor imagine que un día el mundo sea como una partitura en que las notas altas se compartan con las bajas y ésa utopía se pueda armonizar.


Sus vivencias llevó a Goran a un aquelarre musical donde conviven fanfarrias militares, ritmos del este europeo, la nostalgia romaní y las voces búlgaras son sensaciones desbordadas de rebeldía y libertad bajo el comunismo de Tito, donde el rock permitió renovar al fenómeno social con su música más vibrante a una nueva generación de jóvenes, que se unieron al grupo como Bijelo Dugme, influenciado por Led Zeppelin. Cuándo Kusturica lo convocó para la banda de sonido de la película "Tiempo de gitanos" todo cambió para Goran y su música balcánica se volvió célebre en el mundo. "Pero hay algo en ése largo camino para que el mundo sea mejor, y son las pequeñas cosas como un disco que puede ayudar a iluminar ése camino", y "Lo bello de la música es ver algo que dejaste a un amigo, vuelve transformado en un tesoro", se expresa Goran.

lunes, 6 de noviembre de 2017

"El Conde Ory"


La versión del Conde Ory de Giácomo Rossini con libreto de Eugene Scribe y Charles Gaspard Delestre-Poirson es una ópera buffa con coproducción de Juventus Lyrica y Opera 2Day, se presenta el 3 de noviembre en el Teatro Avenida con el siguiente elenco, Sebastian Russo (CondeOry), Jaquelina Livieri (Adele), Victoria Gaeta (Isolier), Gabriel Carasso (Raimbaud), Luis Gaeta (Gobernador), Maria Goso (Ragonde), Romina Jofre (Alice), Germán Valente (Corifeo1), Nicolas Tumini (Corifeo2).Vestuario de Maria Jaunarena, Escenografía de Gastón Sanchez, Iluminación de Gonzalo Córdova, Dirección musical de Hernán Schvartzman y dirección escénica de María Jaunarena.
Fue estrenada en la Opera de París el 20 de agosto de 1828.


     Argumento;

Acto I - Los campesinos dedicados a sus tareas habituales mientras que el feudal Foumoutiers y los aristocratas han partido hacia las cruzadas y las mujeres del castillo han quedado solas. La soltera Adele, hija de Foumoutiers ha decidido recluirse hasta que su hermano regrese de la guerra. La ausencia de hombres es la oportunidad para el astuto conde Ory que esta buscando su conquista.


Con la ayuda de su amigo Raimbaud se escapa de la guerra y decide presentarse en el pueblo como un sabio monje para ayudar a las mujeres y ganar su confianza. Adele está sufriendo un mal por lo que su nodriza Ragonde arregla un encuentro con el falso monje.


El conde tiene suerte y acepta recibirla. En ése momento llega al pueblo el gobernador con su paje Isolier buscando al conde desertor, pero Isolier también está enamorado de Adele y sin reconocer al conde que está difrazado de monja para conquistarla. Adele sale del castillo para visitar al monje y éste le recomienda abrirse al amor para sanar su tristeza.


Ella está enamorada de Isolier pero Ory la convence que no es buen candidato. Todo sale bien para el conde pero el tutor aparece con una escolta de cruzados, revela la identidad del conde y frustra sus planes. Un mensajero anuncia que los feudales han vencido al enemigo y regresarán, entonces el conde escapa para planear una nueva estrategia.


Acto II - Las mujeres deciden encerrarse en el castillo hasta el regreso de los hombres, pero un temporal se desata en el pueblo y se escuchan lamentos de las monjas que piden ayuda, pero se trata del conde y su escolta difrazados.


La condesa decide alojarlas en el castillo y cuándo quedan a solas ,Reimbaud descubre la bodega del castillo y aprovechan emboracharse. Isolier llega con la noticia que los cruzados llegan en breve y se dá cuenta que el conde le robó el plan y decide declarar su amor a Adele, pero al aparecer el conde difrazado que estaba en la habitación con la intención de dormir con la condesa.


La oscuridad lo confunde y termina en brazos de Isolier. Se anuncia la llegada de los cruzados y el conde ha sido engañado y pide a la condesa lo deje escapar. La condesa deja escapar a todos los hombres difrazados con una condición: que los hombres que están llegando nunca se entren de lo ocurrido.


Algo olvidada y ahora desempolvada "El conde Ory" es un deleite para ver, escuchar y disfrutar su excelente música alegre y vibrante, un equilibrio vocal de buenos cantantes, muy buena puesta en escena, ajustada dirección musical es otro hallazgo del universo operístico de Rossini.


lunes, 2 de octubre de 2017

"A Ciegas Gourmet" para sentir a oscuras otra realidad



Cada vez que se elige ir al teatro siempre se tiene en cuenta, más allá de la crítica, quiénes son los protagonistas, la escenografía, el vestuario, de lo que uno va expectante asistir por lo que vendrá, pero aquí a todos nos recuerda con nostalgia de chicos cuándo jugábamos al gallito ciego.
.

La nueva sala en Palermo, la oscuridad para los que no ven pueden entrar en el imperio de los sentidos, como una propuesta a una nueva modalidad del Centro Argentino del Teatro Ciego, en imaginar sin límites como potenciar los 4 sentidos.
"A ciegas gourmet" es la experiencia elegida como otra realidad que definitivamente se volvería a elegir por su particular forma en asistir a una sala completamente oscura, donde se propone un show con cena que también puede pedirse vegetariana ó para celíacos, que permite a los espectadores cerrar sus ojos y descansarlos para descubrir aromas y sabores de las porciones que se presentan; despertar los otros sentidos y a su vez disfrutar del espectáculo que cuenta historias de antiguos arrabales, pasión, amor, con el tango que entrelaza las interpretaciones y sensaciones con efectos sensoriales de "brisa, flores, lluvia, café".


Con un menú especial de seis pasos preparado por el chef Gastón Barba, para ser degustado sin cubierto, a modo de "finger food" que se come de izquierda a derecha, se disfrutan los bocados preparados los cuáles se tocan, prueban y muerden de a poco para que la imaginación se sume a descubrir sus aromas que nuestro paladar nos logre definir, y así la comida entrará en el juego de la polémica que tendrá sobre el final una sorpresa de adivinación.
 A la vez el show de los actores con lo auditivo nos irán introduciendo en la obra, pero ésos actores están y no se conocen ni se ven ...y solo su voz nos inducen en la obra con efectos sonoros y cantando temas musicales de un pasado porteño y recorriendo otros lugares tropicales.
Con la dirección y producción de Martín Bondone; los actores Graciela Pereyra, Pablo Ugolini, Maximiliano Griro, Gabriel Griro, Carlos Cabrera, Belén Cabrera, Mateo Blesio Caldo, César Martínez
, integran el elenco en su oscura representación.
Teatro Ciego: Borges 1974 T.E 4774 6603 de Miércoles a Domingo a las 21hs con reseva.

lunes, 19 de junio de 2017

BOLLYWOOD; esplendor sin estrellas


José María Muscari, el director teatral más relevante de éste tiempo, vuelve con una nueva apuesta sobre las tablas: "Bollywood, una industria sin estrellas" que propone ser su propia estrella, que relaciona a la industria del cine indú. En éste caso se trata de una obra teatral donde el director a su estilo vuelve al under musical performático que contará la especial presencia de Magui Bravi en las coreografías. La puesta será protagonizada por Emiliano Figueredo y Mariela Asensio con 50 artistas en escena (30 actores y 20 bailarines) seleccionados por casting, y muchos de ellos tienen su primer debut.


La trama de Bollywood toma a la industria cinematográfica india como disparador para reflexionar acerca del lugar de los actores en la Argentina respecto a los indios sobre el fenómeno de la fama y la trascendencia, el humor, y el lugar que cada uno ocupa en lo que hace sobre ciertos valores que podrán, o no, resonar en el espectador, todo ello a través de escenas y cuadros musicales y coreográficos.


A ingresar el público para ocupar las butacas, diez chicas recorren la sala con un vestuario sensual y se abanican dando la bienvenida y varios musculosos alumbrando con linternas saludan a quiénes van llegando.
Con una puesta muy coreográfica de buen nivel y música pop se va desenvolviendo la propuesta indú y local que tiene el show, con textos algo irreverentes en determinados momentos en el abordaje de distintos temas sobre los que plantea una reflexión sobre las mujeres.


Muscari dice: “Mis primeros espectáculos nacieron en el under y con el transcurso del tiempo pude cruzar la barrera para llegar a lo más comercial y mediático donde propone sacar fotos y filmar todo lo que quieras para viralizarlo en las redes sociales". 
Puede ocurrir que mucha gente no resista las obcenidades verbales y se retire antes ya que también es parte del show que no se resista al shock de sensibilidad vulgar, que degrada y no eleva por el solo justificativo que si no entendés al under no lo podés valorar. Interesante para reflexionar y sacar su propia conclusión.
La propuesta actual será con acceso libre y gratuito y el público podrá colaborar “a la gorra” donde el director pide que sea alta. Para conseguir las entradas (las funciones serán todos los viernes y sábados a las 22, y domingos a las 20), el espectador deberá presentarse con dos horas de anticipación en la boleteria del nuevo Espacio IFT ubicado en Boulogne Sur Mer 549.

lunes, 12 de junio de 2017

Egmont - Sueño de una noche de verano


BALírica
presenta  el 4 de junio la tragedia musical de Johann Wolfgang von Goethe "Egmont" de Ludwig van Beethoven y la música para la comedia de William Shakespeare, "Sueño de una noche de verano" de Felix Mendelssohn Bartholdy con la dirección de Orquesta de Pedro Pablo Prudencio y diseño de escena e iluminación de Héctor Calmet y la dirección de coro de Juan Casasbellas, en el Teatro Avenida.

Beethoven - Egmont, op 84

Narrador: James Murray
Clarchen:  Daniela Tabernig












De la relación entre Ludwig van Beethoven (Bonn, 17 del 12 de 1770  y Viena, 26 del 3 de 1827, la producción de Wolfgang von Goethe, Frankfurt, el 28 del 8 de 1749, Weimar el 22 de 3 del 1832) es Egmont op.84 música destinada a la escena teatral en 10 partes  que nació por encargo del Teatro de la Corte de Viena para la tragedia homónima programada para la temporada 1809/10.
En el contexto político que se produjo el encargo para abordar el tema patriótico que exigía la libertad en 1809 cuándo Viena estaba ocupada por Napoleón.
Egmont proviene del mismo período que otras músicas como "Las ruinas de Atenas" op. 113  y Rey Esteban op. 117 ambas sobre el drama de August von Kotzebue donde Egmont refleja los ideales del compositor por su fé en el príncipe benefactor con sus añoranzas de libertad tanto políticas como humanas, como en el personaje histórico donde Egmont es la justa sangre derramada del héroe por su pueblo a cambio de la libertad.
En su tragedia "Egmont" (1788) Goethe relata la lucha del héroe contra el despótico Fernando Álvarez de Toledo , Duque de Alba, enviado por Felipe II para poner fin a la subversión contra la corona en los Países Bajos. Egmont bajo amenaza se rehusa escapar y renunciar a sus ideales de libertad es detenido por Alba, y abandonado por cobardía de su propio pueblo, a pesar de los esfuerzos de su amante Clarchen, termina condenado a muerte. Clarchen enfrentada a su desesperación pone fin a su vida, y la obra termina con su último llamado del héroe camino al patíbulo peleando por su independencia y su muerte revindica la victoria contra la tiranía.  


El Conde Lamoral van Egmont nació el 18 de noviembre de 1522 en Hennegau, actual Bélgica que sirvió al emperador Carlos V como al sucesor Felipe II de quién era primo y en tiempo de guerra era de la caballería medieval conquistando algunas victorias y ser héroe del Imperio Español.
Cuándo Flandes manifestó diferencias religiosas con España, Egmont y Felipe de Montmorency , Conde de Hoorn pidieron a Felipe II manifestarse contra la represión y llegada de la Inquisición a los Países Bajos sin respuesta favorable. En 1560 Egmont  y el tercer líder Guillermo de Orange renuncian al Ejército Imperial y pidieron el retiro de los soldados de España, pero en conversaciones con su primo monarca en Madrid no llegaron a nada, y en 1567 el Duque de Alba llega a los Países Bajos para sofocar la rebelión y Orange huye a Alemania, Hoorn y Egmont deciden quedarse.
El Duque de Alba conocido por si impiedad admiraba a Egmont y no impidió cumplir sus órdenes que ejecutó hasta el límite de la traición, donde el 9 de septiembre de 1567 los invita a su banquete para hacerlo apresar a pesar de tenerlo advertido a Egmont, pero éste como patriota formado en los ideales medievales no imaginó que el Imperio Español haría tal cosa, equivocándose y el 5 de junio de 1568 Egmont fue decapitado ante la multitud conmovida en el Mercado de Bruselas. Su auténtico verdugo el Duque de Alba lloró al ver rodar su cabeza como la de Hoorn.
Egmont no fue traidor sino noble patriota con decisión de plantarse ante el soberano, hecho que Felipe II no perdono y su injusta ejecución encendió los ánimos populares contra España. Luego estalló la Guerra de Flandes o "de los Ochenta años" que dió el resultado de la liberación de los Países Bajos, y Egmont con su sacrificio pasó a la historia como liberador de la patria belga.


La Obertura ofrece una visión del drama a representar que comienza con graves y patéticos acentos de muerte de Egmont, prosigue con el idilio entre el héroe y Clarchen y finaliza con el símbolo de la liberación de Flandes del yugo de la España de Felipe II.
Se describe el estado de decepción de Brackenburg porque Clarchen  no es correspondido en su amor y pasa la agitación del pueblo flamenco que tiene que ver con la escena de apertura del 2° acto con el diálogo entre el Conde Egmont y Guillermo de Orange que le advierte a cerca del Duque de Alba , el enviado de Felipe II encargado de poner el orden severo.



Sueño de una noche de Verano Op. 61 - Mendelssohn Batholdy

Narradores: Alexia Moyano y James Murray
Elfo I y II:   Daniela Tabernig y Laura Sangiorgio


Mendelssohn Bartholdy escribió la Obertura Sueño de una noche de Verano a los 17 años demostrando dominar el arte de la composición y su inspiración fue traducir alalemán la comedia de Shakespeare publicada en 1801 por Friedrich Schlegel y Ludwig Tieck. Con su Obertura  se convirtió en el precursor del concierto, una creación que encararía con "Las Hébridas" en 1831 sobre texto de Goethe.


La Obertura "Sueño de una noche de verano" presenta fraseos en los violines y acordes que remiten a la corte del Duque Teseo que transmite una idea imitando a los rebuznos del burro, en clara alusión a Button. Se tocó por primera vez en Leipzig en su hogar paterno y la ejecución pública fue en febrero de 1827 en Stettin bajo la dirección de Carl Loewe que inició el romanticismo musical. Con el tiempo la obra se convirtió en la más prestigiosa y difundida de Mendelssohn Bartholdy pero durante el nacionalsocialismo sus partituras fueron prohibidas. Mendelssohn fue un director importante al exhumar "La Pasión según San Mateo" comenzó a conocer a Bach  y junto a otros compositores difundió la obra de Mozart, Haydn y Beethoven se convirtió en intérprete de los conciertos de Mozart y Beethoven como pianista.
Falleció en Leipzig a los 38 años de ACV y su música avanzó en el siglo XIX frente al canon wagneriano de un Romanticismo en éste siglo que comenzó apreciarse en su justa dimensión.









La acción en una Atenas de cuentos de hadas.
Durante los preparativos de boda del duque Teseo con Hipólita enredados en amores no correspondidos; Hermia ama a Lisandro pero está comprometida con Demetrio, el que a su vez es amado por Helena.
Egea madre de Hermia se presenta ante Teseo para obligar a su hija a cumplir su compromiso. Entonces Lisandro y Hermia deciden huir, tras Hermia, Demetrio y trás él Helena y todos se pierden en el bosque, donde habitan Titania y Oberón los reyes de las Hadas, los cuáles están distanciados por una rencilla.


                  La discordia entre Oberon y Titania por Sir Joseph Noel Paton

Oberón decide castigar a Titania  hechizandola con el juego de la flor del amor, que vestido sobre sus párpados dormidos, basta que una persona ame con locura la primera criatura que vea.
En tanto en el bosque un grupo de actores rústicos encabezado por Bottom están ensayando el drama para festejar al duque en el día de su boda, y Puck un duende ayudante de Oberón transforma a Bottom en burro, que al ver ésto todos huyen pidiendo ayuda. Con sus gritos despiertan a la reina Titania de su encantamiento que se enamora de Bottom transformado en burro.


        Escena de Sueño de una noche de Verano (Titania y Bottom)- Edwin Landseer

Oberón decide ayudar a los amantes con el mismo filtro de amor, pero ante las equivocaciones de Puck termina con los hechizos conservando el de Demetrio que se enamora de Helena.
Ante el nuevo orden establecido los enamorados son disculpados y los rústicos representan su ridícula obra teatral "Príamo y Tisbe" que todos festejan, las parejas se casan junto a Teseo é Hipólita con la bendición de Titania y Oberón que ha recobrado el amor de su reina, y hace que lo recuerden sólo por el sueño de una noche de verano.



                Camino al calvario, por Pieter Brueghel "el viejo"
 La pintura alude a la represión española en Flandes bajo la corona de Felipe II

Los graves sucesos se reflejan en el 3° acto cuándo aparece la Regente Margarita  donde quedan expuestos los sentimientos de Clarchen frente a Egmont, entre ambos. Una marcha crea la idea de la intervención de las milicias del Duque de Alba como tirano y represor que arresta a Egmont.
Evocadas las advertencias de Guillermo de Orange a Egmont que elige quedarse en Bruselas mientras que la Regente y aquél prefieren huir para salvar sus vidas. La desesperación de Clarchen busca envenenarse al comprender que nada puede hacer para salvar a su amado.
La música anticipa el Melodrum de Egmont a la espera de su muerte, describe su sueño con la visión de Clarchen anunciando que su sacrificio traerá la libertad del pueblo oprimido.




En referencia al Melodram, Goethe apreció a Beethoven su genialidad y con una carta celebró al poeta con su Egmont donde meditó con fervor su música, y consiguió que la editorial le enviara al poeta una copia de la partitura a modo de homenaje. Egmont como pieza de teatro fue ejecutada en versión de concierto por Fredrich Mosengeil con textos declamatorios para voz masculina reemplazando el original de Goethe, que más tarde fueron reelaborados por Franz Grillparzer y hoy Buenos Aires Lírica ofrece su propia versión en castellano.