domingo, 4 de noviembre de 2018

Locura de "HAMLET"


Con "Hamlet" la ópera en 5 actos de Ambroise Thomas, "Juventus Lyrica" cierra la temporada 2018 en el teatro Avenida con el acontecimiento participativo de la Opéra 2Day holandesa en conmemoración a los 150 años de su estreno en París. El material orquestal fue cedido por el archivo del Theatre Francais de La Haye donde se representó 153 veces de su estreno hasta el año 1919.
Ésta obra también se presentó en el T. Colón en 1937 y también formó parte de la inauguración del Teatro Colón en 1908 con el título de "Amleto" que anunciaba en su concierto al cantante Tita Ruffo en su debut en Baires.
En la versión de Ambroise Thomas después de 80 años responde a la exigencia francesa con la adaptación de Alejandro Dumas que cambia el original de Shakespeare, por tener un final afortunado de la supervivencia del héroe, donde no muere sino es coronado rey, tras 400 años en que intentó iluminar la injusticia de su época con reflexiones sobre el destino del hombre y su existencia, religión y política.


Para el público inglés era inadmisible el cambio final a la manera que Thomas escribió precipitado, al eliminar 3 carillas de la música al hacer morir el protagonista perdiendo mucho del talento de Thomas. No obstante con dos finales la ópera continuó su furor durante mucho tiempo, pero después de 1920 cayó en desuso atribuído a los ballets al extender la duración del final victorioso de la obra. 

                                               
     






Tal vez el Hamlet es el personaje más importante de la cultura después del propio Cristo. El príncipe de Dinamarca es un manantial inagotable del pensamiento sobre el destino del hombre y su poder junto a la existencia de Dios, sus leyes y también el amor y la muerte. La versión del Hamlet, príncipe de Dinamarca de 1600/1 su dramaturgia aborda la conocida historia de Amleth, un príncipe haciéndose pasar por idiota logra destronar al tío que había asesinado a su padre. Para ésa época Amleth o Hamnet eran nombres populares y sinónimos de sagacidad y astucia y al dramaturgo le gustó tanto, que en 1585 le puso a su hijo el nombre de Hamnet, y en ésa primera versión concluye la obra bien con Hamlet vivo y vengador de su padre. Hamnet, el hijo de Shakespeare muere a los 11 años de edad y poco tiempo después muere John, su padre y entonces Shakespeare reescribe su Hamlet que lucha y ensaña con su fuerza creativa y pensamiento político, filosófico y religioso. Su riqueza conceptual es comparada con la adaptación posterior del libreto con monólogos que desplazan la existencia humana con matices contundentes al drama.



Con el soliloquio de Hamlet en su locura con Ofelia con todo su vuelo poético que Thomas resuelve con el suicidio del personaje sobre el final con un impacto musical que pone nervioso a cualquiera cuándo Claudio, culpable es mejor rey que el padre de Hamlet y mejor marido para su madre, y la reina, Laertes, Polonio y Ofelia morirán sin ser culpables porque la violencia desencadena el primer crimen que no podrá terminar hasta cobrarse la última víctima, hasta el príncipe ése hombre con lucidez y cualidades de estadista que otro haya ocupado su trono.















Hamlet perdió el velo de la ilusión y de la esencia de las cosas cuándo se da cuenta que no puede cambiar nada; "Let it be" sentencia antes del duelo con Laertes. Tampoco puede amar a Ofelia porque donde reina el crimen no tiene lugar el amor, y Shakespeare sabe que proclamar el poder divino es un poder maldito y para ponerse la corona es someterse a su maldición.


El final de la obra es el triunfo del caos y la injusticia y que podría tener para Shakespeare un final victorioso consciente de la futilidad humana contra la providencia divina de la muerte en tensión con el amor del poder necesario para el orden social se cobraría sus víctimas una y otra vez. Con música de Ambroise Thomas y libreto de Michel Carré y Jules Barber en adaptación y dirección escénica de María Jaunarena, con la dirección musical de Hernán Schvartzman, integra el elenco con Hamlet (Armando Noguera), Ofelia (Laura Pisani), Claudio (Mario de Salvo), Gertrude (Sabrina Cirera), Laerte (Santiago Burgi), Fantasma (Felipe Cudina Begovic), Polonio (Gabriel Carasso), Horacio (Gabriel Vacas), Marcelus (Maico Hsiao) Sepulturero (Gabriel Carasso).


viernes, 26 de octubre de 2018

ENOBARBO y el banquete de cerdo



La dramaturgia de Alejandro Acobino en ENOBARBO (seudónimo que utilizó Nerón y también pertenecía a los banquetes de carne de cerdo que ofrecía a sus invitados), es uno de los hechos artísticos que presenta el TNC - Cervantes en la temporada 2018, donde el autor ambienta su obra en la antigua Roma durante el imperio de Nerón sobre su final de vida y de sus veleidades artísticas, y Séneca como filósofo inspirador mueve todo el entramado de la corrupción gestado por Agripina y su sirviente Atticus que lo induce en la teatralidad, que usará para imponer su neurótico dominio hasta ver incendiada a Roma. 














La obra de Acobino es recuperada por su hermana María Gabriela a través de quién fuera su maestro Mauricio Kartun, después de su suicidio en Pensada para ser interpretada por Osqui Guzmán quién también asume la dirección en los entre telones, en su contexto como grotesco-farsa está bien estructurada la actuación de los personajes con un Nerón en el comienzo algo sobre actuado como gay pero que luego va ajustando su interpretación en el decorrer de la obra con buena solvencia, controlando una alta dosis de neurosis del personaje. Agripina moderada pero solvente y Séneca destaca su sobriedad en la composición actoral, el resto se desenvuelve sobriamente. 


Una obra para el disfrute y la perdurabilidad en el tiempo el espectador se siente identificado con la perdurable trama que llega hoy con toda vigencia para identificarnos que la vida misma es una obra teatral siempre.













Como Atticus Osqui Guzmán, Nerón Pablo Fusco, Agripina/Popea los roles serán de Leticia González de Lellis, Séneca Pablo Seijo, Petronio Javier Lorenzo, Burrus Fernando Migueles y el guardia Sphorus-Otón, Manuel Fanego integra el elenco dirigido por Osqui Guzmán.


sábado, 20 de octubre de 2018

Sagrado Bosque de Monstruos


Elenco; Marilú Marini, Diego Benedetto, Rodolfo de Souza, Ernesto Donegana, Cristian Jensen,  Juan Gabriel Miño, Iván Moschner, Matías Pisera Fuster, Camilo Polotto, Eugenio Schcolnicov. Música; Nicolás Varchausky.  Escenografía y Vestuario; Oria Puppo. Dirección; Alejandro Tantanian.


Trás un coloquio filosófico previo con Hugo Mujica a la representación, Marilú Marini recuerda tener estudiado la vida de la santa Teresa Sánchez de Cepeda y Ahumada ó Santa Teresa de Ávila cuándo ella merodeaba en la década de los 60 al Instituto Di Tella, centro de arte de la vanguardia en la "era hippie" de aquél momento. Allí Roberto Villanueva en el año 67 comentándole de su proyecto que estaba recopilando sobre la vida de Teresa de Ávila, la indujo elaborar una obra que revindicara el feminismo, y que ahora llegó la hora.
Como protagonista de su vida Marilú Marini es una sacerdotisa que reencarna con un sello de magia al poner el personaje a su servicio ingresando en él, recordando ésto; "envuelta entre las sombra de diversos divinos y profanos de una vida milagrosa, pero sintiéndose libre".
Esta obra como experiencia supera lo teatral para llegar a lo personal como mensaje religioso que puso fuerza en la oración buscando el convento para su creatividad de escritora terrenal, cuándo en el siglo XVI las decisiones las determinaban los hombres.


El espacio sagrado era para Teresa los silencios que buscaba en el convento para leer y la ayudaba a reflexionar, (como para María Guerrero fue el teatro), es decir que lo sagrado y profano es lo que cada uno construye como su lugar propio para vivir.
Su contradicción polémica fue la búsqueda en toda la humanidad con el sentido de la razón y sus emociones y visiones en la vida desaforada llegó atesorarlos.
Es una representación teatral onírica y mutante que desafía a la Iglesia Católica con la pasión religiosa al diferenciar al espectador encontrarse en las gradas del escenario y los actores representan sobre una tarima (en la platea de la sala María Guerrero del teatro Cervantes), con música de la cantante mexicana Julieta Villegas generando un espacio dentro del mismo para recrear una abstracción casi diabólica en que Teresa se transmuta para encontrarse con Dios y sentirse terrenal.


Teresa trabajó por la libertad de las mujeres y se manifestó en esa convicción durante varios siglos hasta encontrar el contexto de la lucha de hoy.
Funda la Orden de las Carmelitas Descalsos y construye 17 conventos en el siglo XVI.
Marilú resume; "fue para mí el contacto con lo mítico y lo espiritual así como un trabajo de experiencia porque no fue alguien que estuvo recluída sobre sí misma, sino que se conectó con la realidad al hacer obras. Fue una mujer de acción más allá de su camino espiritual".  
Escrita por Inés Garland y Santiago Losa y dirigida por Alejandro Tantanian, tiene la visión del personaje de Teresa como una luchadora contra los molinos de viento en un espacio para recrearlo con el sentido de la vida misma de su protagonista y la evocación que se produce fusionando la dramaturgia con la vida mística, que se inundan de mágicos conceptos de la condición humana destacando la libertad por sobre todo.
La obra busca la reconstrucción de la vida del ser humano como así su mano izquierda que trás un largo peregrinar siempre era buscada hasta que en 1976, la mano fue entregada de nuevo al Convento de las Carmelitas de Ronda.
El relicario que es de plata, con joyas incrustadas y que data del siglo XVII, tuvo una transformación en la época franquista, ya que el dictador mandó colocar en la base de la misma (en la muñeca), la Cruz laureada de San Fernando, que le había sido concedida el 19 de mayo de 1939, para terminar la Guerra Civil, con el denominado desfile de la Victoria por la Castellana de Madrid.
  

La reliquia de la mano de Teresa de Ávila llega a ésta traficada en un barco escondida entre las medias y maquillaje de María Guerrero, ésa mano dorada llevaba anillos como un tesoro personal.
Durante la construcción del teatro Cervantes enterró la mano por la madrugada en secreto en un lugar que ella conocía y consiguió recordar. Algo mareada caminó como perdida, como si la mano enterrada le hubiera arrebatado la conciencia.
El entierro en el Cervantes fue para que Santa Teresa protegiese el destino del teatro y el edificio con la izquierda, ya que Franco poseía la derecha con la que férreamente gobernó.
Cuando ésta mano salió a la luz, fue con señal de fuerza para terminar con un tiempo de oscuridad y dar paso a lo nuevo, y progresar con ésa mano hecha en oro y fuego que trae la poesía, y luz de esperanza.







sábado, 18 de agosto de 2018

El Bramido de Dusseldorf ... cuándo la certeza es mentira


A Sergio Blanco como dramaturgo franco-uruguayo le gusta trabajar el género teatral de la autoficción contemporánea como cruce entre lo real y lo ficcional y por ello le "gusta decir que tiene una disciplina augusta, por Augusto, su emperador favorito desde niño. 
“Es una disciplina que se mezcla con el rigor jesuita y se combina con la meticulosidad de lo francés”, agrega.
Sergio Blanco 45 años, radicado en París desde hace más de dos décadas, mochila siempre en sus espaldas, campera y zapatillas de colores fuertes son su impronta para desembarcar del otro lado de la orilla en la sala Casacuberta del Teatro San Martín en Buenos Aires para estrenar su obra autoral más reciente y como director, "El bramido de Düsseldorf" con el siguiente elenco; Gustavo Saffores, Walter Rey y Soledad Frugone.



En “La única certeza de la verdad es, que es una mentira" sobre la que el dramaturgo incursiona hace algunos años en donde relata la agonía y muerte del padre de un autor teatral en una clínica de Dusseldorf, ciudad a la cuál el dramaturgo viajó para llevar adelante un proyecto que nunca sabremos cuál es con certeza y que relata como mentira.


La obra plantea su inicio con un CAPTATIO y 5 etapas de bramidos a medida que la pieza avanza y llegar al final con un RECAPTATIO, y durante ése espacio se entrecruzan en un vertiginoso juego teatral tres posibles hipótesis por las cuáles el autor se encuentra allí; la inauguración de una exposición sobre Peter Kurten, célebre asesino serial alemán de principio del siglo XX  para la cuál el autor escribió un catálago, firmar un contrato como guionista de películas pornográficas con una de las productoras de cine más importantes de la industria porno europea y proceder a su conversión al judaísmo por medio de su circuncisión en la famosa sinagoga de Dusseldorf.
Confieso no conocer los antecedentes del autor y ver por primera vez ésta obra, pero si digo que me dejó visiblemente impresionado su tratamiento y estructura teatral conceptualmente buena, que me permite augurar un promisorio futuro en próximos trabajos, que me gustaría ver y que a la vez recomiendo ésta obra.
Entre sus obsesiones el autor recurre al mito épico de Acteón, un cazador convertido en ciervo por haber sido sorprendido espiando a la diosa de caza Artemisa, ésta le lanza agua y lo transforma, pero aquí la leyenda cambia por revolcarse entre las flores del bosque para convertirse en ciervo considerado como un mito moderno, además suma a Peter Kurten un asesino serial alemán conocido como el "vampiro de Dusseldorf" que también inspiró los film de Fritz Lang y a los que llama mitos contemporáneos. En el segundo bramido el padre quiere volver al pasado para contar su historia que la hace atemporal según viene del primer bramido, en que busca concentrar la esencia humana de la amistad, la lealtad, la soledad y guerra nazi, y que se soslaya el amor y la muerte.
Con una escenografía en blanco muy funcional y con efectos de backproyection,de alta tecno que el teatro ofrece, con pocos elemento escenograficos sumados se mueven los tres personajes adaptándose a varios roles cada uno de ellos con especial ajuste y precisión, al compás de una adecuada música de los Beatles. Un provocador juego escénico se desarrolla a lo largo de 2hs que atrapa y que es recomendable ver, y a la vez disfrutar un nuevo género teatral.


elduke1000

martes, 12 de junio de 2018

El banquete tétrico de Tiestes y Atreo


Escrita y dirigida por Emilio García Wehbi según la tragedia de Séneca.
Elenco con: Maricel Álvarez, Florencia Bergallo, Analía Couceyro, Carla Crespo, Érica D’Alessandro, Verónica Gerez, Cintia Hernández, Mercedes Queijeiro, Jazmín Salazar, Mía Savignano, Lola Seglin y Lucía Tomas.
Música y dirección musical: Marcelo Martínez / Coreografía: Celia Argüello Rena / Iluminación: Agnese Lozupone / Vestuario: Belén Parra /Escenografía: Julieta Potenze /
Teatro: Nacional Cervantes, duración 120 minutos.
Calificación: Recomendable


En dos actos, Escila y Caribdis portan una misma reflexión, dos peñascos rocosos cerca de Sicilia emergen como monstruos marinos que se devoraban a los viajeros que se acercaban a sus costas, se relata en "La odisea de Homero" las vicisitudes de Ulises y que Ovidio menciona en "Las Metamorfosis". En ésta tragedia senecana el odio fratricida, la venganza y la antropofagia antecede a Sheakespeare con lo más tremendo en Tito Andrónico.


De los mitos greco romanos nos legó el drama trágico de Tiestes y Atreo hermanos en el estoicismo del horror de sacrificio y antropofagia por la disputa del trono, Séneca plantea las escenas más violentas y lacerantes de las tantas que tuvo en la humanidad con la descripción del asesinato de los hijos de Tiestes, puesta en boca por Hermes el dios mensajero.


El ritual fillicida antropofágico de la ingestión de sus hijos se remonta al mito de Cronos y llega a Tántalo, abuelo de Tiestes y Atreo cuándo es uno de los hijos cocinados por la codicia y la venganza, para llegar y augurar el retorno a la tragedia que se cifra en la ley del padre. Es decir la historia relata la venganza por parte de un hermano, ante la traición del otro que incluye adulterio, robo y engaño para conseguir el trono. Para la venganza el embaucado invita al hermano ladino a un banquete de reconciliación y éste no sabe que la carne que comerá es de sus propios hijos. Por otra parte Atreo encarna algo más que la venganza para llevarla hasta sus últimas consecuencias para eliminar el linaje de su enemigo del modo más atroz, que el padre se coma su descendencia.


La idea platónica de la tiranía es caníbal para Séneca cuándo conoció a Calígula y murió con Nerón en una comunión diabólica de sangre y vino, que se hace contemporánea en la sangre de Cristo, "en el nombre del padre", al hablar del padre como representante de la mayoría del poder, y del hijo representante de la nueva generación en el patriarcado.


En el entreacto junto al hip-hop se canta el nuevo hit revelador y nada tranquilizador que reza en su estribillo que, "No hay mayor muestra de cariño que comerse a sus propios hijos, porqué no hay asunto más prolijo que devorarse a todos los hijos", en un mundo apocalíptico que deviene en tragedia ceremonial.



García Wehbi plantea un elenco femenino que asume los roles masculinos resaltando el carácter falocrático de la tradición donde es incisivo, incomplaciente, inquieta y choca con fuerza erótica la actualidad con un interesante planteo del director, para que la tradición prevalezca a través de los siglos en un mundo apocalíptico. De impecable puesta de escena con actuaciones de roles muy precisas y parejas, con impactante fuerza en el texto de poesía cruel, inmerso en un mundo perdido y sórdido, se hace necesario repensarlo con un momento de reflexión.

viernes, 20 de abril de 2018

Goran Bregovic y la música balcánica



El teatro Opera Orbis presentó la orquesta de "Bodas y Funerales" de Goran Bregovic que reúne una linea de sonidos extremos emocionales que pueden saltar al éxtasis, con música que transita la cristiana, judía y musulmana en una gran fiesta musical de la tolerancia. Esto tiene sentido al repasar su propia vida en un país donde pasó por la guerra de los balcanes entre 1992 y 1995, en Sarajevo convulsionado de Bosnia-Herzegovina para intentar comprender a vivir con diferencias políticas y religiosas armoniosas, al echar un manto trágico como un réquiem para un funeral.
Hoy Sarajevo puede lidiar entre cierta tranquilidad o mañana despertarse a tiros entre unos y otros por la preocupada situación que se vive en Siria y que la historia puede repetirse, por lo cuál Sarajevo es una metáfora de nuestro tiempo, así como el conflicto de su madre, una serbia ortodoxa y su padre un croata católico terminaron divorciados. Bregovic vivió en su casa las diferencias políticas-religiosas a las que tuvo que adaptase y cuándo estalló la guerra se encontraba en París y no volvió durante cuatro años. Fueron años traumáticos al tener una familia complicada en medio de una guerra civil entre ortodoxos y católicos, al ver como unos se disparaban contra todos y se desangraban a la distancia de Goran. Entonces la escusa fue su nuevo disco "Three Letters from Sarajevo" que trae en su concierto, una música que reúne obras de la cultura cristiana, judía y musulmana que hoy suena como una utopía, como la Jugoslavia que desapareció con Tito que unificaba todas las etnias, e imaginaba sin separaciones religiosas.
Esta utopía es imposible con la religión y la política, pero la música puede armonizar en la vida real para que suene más armoniosa, y el compositor imagine que un día el mundo sea como una partitura en que las notas altas se compartan con las bajas y ésa utopía se pueda armonizar.


Sus vivencias llevó a Goran a un aquelarre musical donde conviven fanfarrias militares, ritmos del este europeo, la nostalgia romaní y las voces búlgaras son sensaciones desbordadas de rebeldía y libertad bajo el comunismo de Tito, donde el rock permitió renovar al fenómeno social con su música más vibrante a una nueva generación de jóvenes, que se unieron al grupo como Bijelo Dugme, influenciado por Led Zeppelin. Cuándo Kusturica lo convocó para la banda de sonido de la película "Tiempo de gitanos" todo cambió para Goran y su música balcánica se volvió célebre en el mundo. "Pero hay algo en ése largo camino para que el mundo sea mejor, y son las pequeñas cosas como un disco que puede ayudar a iluminar ése camino", y "Lo bello de la música es ver algo que dejaste a un amigo, vuelve transformado en un tesoro", se expresa Goran.

lunes, 6 de noviembre de 2017

"El Conde Ory"


La versión del Conde Ory de Giácomo Rossini con libreto de Eugene Scribe y Charles Gaspard Delestre-Poirson es una ópera buffa con coproducción de Juventus Lyrica y Opera 2Day, se presenta el 3 de noviembre en el Teatro Avenida con el siguiente elenco, Sebastian Russo (CondeOry), Jaquelina Livieri (Adele), Victoria Gaeta (Isolier), Gabriel Carasso (Raimbaud), Luis Gaeta (Gobernador), Maria Goso (Ragonde), Romina Jofre (Alice), Germán Valente (Corifeo1), Nicolas Tumini (Corifeo2).Vestuario de Maria Jaunarena, Escenografía de Gastón Sanchez, Iluminación de Gonzalo Córdova, Dirección musical de Hernán Schvartzman y dirección escénica de María Jaunarena.
Fue estrenada en la Opera de París el 20 de agosto de 1828.


     Argumento;

Acto I - Los campesinos dedicados a sus tareas habituales mientras que el feudal Foumoutiers y los aristocratas han partido hacia las cruzadas y las mujeres del castillo han quedado solas. La soltera Adele, hija de Foumoutiers ha decidido recluirse hasta que su hermano regrese de la guerra. La ausencia de hombres es la oportunidad para el astuto conde Ory que esta buscando su conquista.


Con la ayuda de su amigo Raimbaud se escapa de la guerra y decide presentarse en el pueblo como un sabio monje para ayudar a las mujeres y ganar su confianza. Adele está sufriendo un mal por lo que su nodriza Ragonde arregla un encuentro con el falso monje.


El conde tiene suerte y acepta recibirla. En ése momento llega al pueblo el gobernador con su paje Isolier buscando al conde desertor, pero Isolier también está enamorado de Adele y sin reconocer al conde que está difrazado de monja para conquistarla. Adele sale del castillo para visitar al monje y éste le recomienda abrirse al amor para sanar su tristeza.


Ella está enamorada de Isolier pero Ory la convence que no es buen candidato. Todo sale bien para el conde pero el tutor aparece con una escolta de cruzados, revela la identidad del conde y frustra sus planes. Un mensajero anuncia que los feudales han vencido al enemigo y regresarán, entonces el conde escapa para planear una nueva estrategia.


Acto II - Las mujeres deciden encerrarse en el castillo hasta el regreso de los hombres, pero un temporal se desata en el pueblo y se escuchan lamentos de las monjas que piden ayuda, pero se trata del conde y su escolta difrazados.


La condesa decide alojarlas en el castillo y cuándo quedan a solas ,Reimbaud descubre la bodega del castillo y aprovechan emboracharse. Isolier llega con la noticia que los cruzados llegan en breve y se dá cuenta que el conde le robó el plan y decide declarar su amor a Adele, pero al aparecer el conde difrazado que estaba en la habitación con la intención de dormir con la condesa.


La oscuridad lo confunde y termina en brazos de Isolier. Se anuncia la llegada de los cruzados y el conde ha sido engañado y pide a la condesa lo deje escapar. La condesa deja escapar a todos los hombres difrazados con una condición: que los hombres que están llegando nunca se entren de lo ocurrido.


Algo olvidada y ahora desempolvada "El conde Ory" es un deleite para ver, escuchar y disfrutar su excelente música alegre y vibrante, un equilibrio vocal de buenos cantantes, muy buena puesta en escena, ajustada dirección musical es otro hallazgo del universo operístico de Rossini.