tag:blogger.com,1999:blog-11937912469549602942023-11-16T03:07:02.806-08:00Espacio ADN culturalEspacio dedicado al acontecer cultural. "No hay cultura sin cultivarse, ni arte sin creación. La cultura en el arte es la obra de sus creadores. Los creadores toman lo que quieren del arte y lo expresan de diferentes maneras lo qué permite vivir de modo más completo, experimentando la vida más intensa en la manifestación artística que hace la cultura." - Emil T.Domec -emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.comBlogger124125tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-16103905610085294812021-08-25T19:51:00.003-07:002021-09-03T09:16:47.538-07:00"DIDO y ENEAS" Ópera barroca <br /><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMoFvrZOmLYUp0vl6C_pOiF6gN7QLKot-9qCa-TrXf5VnQHzXq6rm8kKoEASPK6nB2wpWBO2ofDGZnGpr4ZPUw-7I7fauwbOsivu6yZhBdwYAXrboRt_fju7Iz6WWBWxGhVMSREtIrNS_b/s4000/IMG_20210806_205324963.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img alt="" border="0" data-original-height="3000" data-original-width="4000" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMoFvrZOmLYUp0vl6C_pOiF6gN7QLKot-9qCa-TrXf5VnQHzXq6rm8kKoEASPK6nB2wpWBO2ofDGZnGpr4ZPUw-7I7fauwbOsivu6yZhBdwYAXrboRt_fju7Iz6WWBWxGhVMSREtIrNS_b/w373-h240/IMG_20210806_205324963.jpg" width="373" /></a></div>
<b>Dido y Eneas</b> (del original en inglés, <i>Dido and Aeneas</i>) es una ópera en tres actos con música de Henry Purcell y libreto en inglés del dramaturgo y poeta Nahum Tate (1652-1715), basado en su tragedia Brutus of Alba or The Enchanted Lovers y en el canto IV de la Eneida de Virgilio. Fue compuesta aproximadamente en 1688. <div>Relata la historia de amor entre Dido, reina de Cartago y el héroe troyano Eneas, y su desesperación cuándo la abandona. Obra monumental en la ópera barroca, de Henry Purcell que está entre la primera ópera inglesa que debe mucho a Venus y Adonis, tanto en estructura como en el afecto personal.
<div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4QjhhMPxPcrsNhHF_xCj4XvlMCuQQzjrZ5KdIVIUdDtagEZtBo04kwDibAVKZ-c2PsSh8H6b4kkQgmDQPvUEch32Mq7K9wU8ZtzKfnpGCll89sUgGg6a-xPJVIKzmjimxMQ13DtL5zbLJ/s4000/IMG_20210806_205337180.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img alt="" border="0" data-original-height="2641" data-original-width="4000" height="211" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4QjhhMPxPcrsNhHF_xCj4XvlMCuQQzjrZ5KdIVIUdDtagEZtBo04kwDibAVKZ-c2PsSh8H6b4kkQgmDQPvUEch32Mq7K9wU8ZtzKfnpGCll89sUgGg6a-xPJVIKzmjimxMQ13DtL5zbLJ/w391-h211/IMG_20210806_205337180.jpg" width="391" /></a></div>
<b>Dido y Eneas</b> es uno de los dramas trágicos más conocidos de Purcell y quizás de toda la producción inglesa y se estrenó en Londres a principios de 1700.</div><div>Una historia de amor extraída del libro IV de la Eneida de Virgilio, sobre la legendaria reina de Cartago, Dido y el caudillo troyano Eneas. Cuándo Eneas y su tropa naufragan en Cartago, él y la reina se enamoran. Pero por envidia a Dido, los dioses se confabulan y le hacen creer al héroe que debe partir y que su destino es refundar Troya. Dido se lamenta amargamente ya que no puede vivir sin su amor, cuándo Eneas decide quedarse, ella lo rechaza y se deja morir. <br /><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVGLCUPW8N0-WA-yBpI5_618uevuHCdTytke86noaMf2IGeZFhUM7AgP15HcBQuMSb0HlrL6RoW_xYQGO2WpNKao5Ap35CUqJrKjT3d2_1iYFh1RtAnUxD97O_4ra_rrKpOTp7ghmTd44U/s4000/IMG_20210806_204705504.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img alt="" border="0" data-original-height="2425" data-original-width="4000" height="194" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVGLCUPW8N0-WA-yBpI5_618uevuHCdTytke86noaMf2IGeZFhUM7AgP15HcBQuMSb0HlrL6RoW_xYQGO2WpNKao5Ap35CUqJrKjT3d2_1iYFh1RtAnUxD97O_4ra_rrKpOTp7ghmTd44U/w399-h194/IMG_20210806_204705504.jpg" width="399" /></a></div>
El teatro Empire en Buenos Aires estrena el 6 de agosto de 2021, "DIDO y ENEAS" bajo la dirección general de Silvana D'onofrio.
Las interpretaciones de Elisa Calvo, Susana Palomeque Flores, Germán Polón, Claudio Rotella, Luchi De Gyldenfeldt y gran elenco, con la Orquesta de la Fundación Musizap y el Coro de Música en Escena. </div><div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDHR2k-r3VSAI1mfePHJxTyE34dzV7zS-wvLiwLpk55mVK_ciWk6DEiGJKoC3tx7v7bb22vIBp1rLr-fErsQBpZH_09WrxZMo8epgo1EjLbZV1WFT9fNRXa3BtivWrqZCLyZb_7E4Sw8X1/s3820/IMG_20210806_204438093.jpg" style="display: block; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img alt="" border="0" data-original-height="2458" data-original-width="3820" height="206" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDHR2k-r3VSAI1mfePHJxTyE34dzV7zS-wvLiwLpk55mVK_ciWk6DEiGJKoC3tx7v7bb22vIBp1rLr-fErsQBpZH_09WrxZMo8epgo1EjLbZV1WFT9fNRXa3BtivWrqZCLyZb_7E4Sw8X1/w411-h206/IMG_20210806_204438093.jpg" width="411" /></a></div><div>Videofilm realizado por Emilio Domec de la obra teatral y musical de Henry Purcell de dominio público.</div><div><br /></div><div>
<iframe 420="" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/mFlMxa3-KgE" title="YouTube video player" width="420"></iframe></div>
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=mFlMxa3-KgE&t=306s&ab_channel=EmilioDomec"></a></div>emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-60526975896552457022021-08-08T00:40:00.002-07:002021-08-17T08:09:30.838-07:00EVA y VICTORIA <div class="separator"><div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Con dirección de Manuel González Gil (foto: Gabriel Machado)." height="368" src="https://andigital.com.ar/media/k2/items/cache/b8db8bd0488bba1f0657b38aad53e2da_L.jpg" style="border: 0px; display: block; height: auto; max-width: 100%; padding: 0px; width: 600px;" width="658" /></div><div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face="open_sansregular, sans-serif" style="background-color: white; color: #333333; font-size: 14px; text-align: center;"><b><br /></b></span></div><div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="background-color: white; color: #333333; font-size: 14px; font-weight: bold; text-align: center;">Por su homenaje del 26 de julio de 2021 en los 69 años de su inmortalidad.</span></div><div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face="open_sansregular, sans-serif" style="background-color: white; color: #333333; font-size: 14px; font-weight: bold; text-align: center;"> </span></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div -15px="" 0px="" 14px="" baseline="" class="row" font-size:="" margin:="" padding:="" pro="" sans-serif="" sans="" source="" start="" style="background-color: white; border: 0px; box-sizing: border-box; color: #333333;" text-align:="" vertical-align:=""><div class="col-xs-12" style="border: 0px; box-sizing: border-box; float: left; margin: 0px; min-height: 1px; padding: 0px 15px; position: relative; vertical-align: baseline; width: 420px;"><div class="banner-nativo" style="border: 0px; box-sizing: border-box; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;"><div>La obra de Mónica Ottino, Eva y Victoria recibió el Premio Escenario en 2019, es protagonizada por María Valenzuela,
Sabrina Carballo y Belén Romano, bajo la dirección de Manuel González Gil. </div><div><b><br /></b></div><div><b>Eva y Victoria</b> en un encuentro imaginario entre Eva Perón y Victoria Ocampo, donde Eva acude a ver a Victoria en su casa con la excusa de obtener apoyo para tratar en el Congreso de la Nación el proyecto de ley que permita votar a las mujeres. </div><div> </div><img alt="Eva y Victoria" height="226" longdesc="https://media.lacapital.com.ar/p/bf30bc983acea2e401acd1cdb983c37c/adjuntos/205/imagenes/027/619/0027619281/13f1-gent-cristian-gaunajpg.jpg" src="https://media.lacapital.com.ar/p/bf30bc983acea2e401acd1cdb983c37c/adjuntos/205/imagenes/027/619/0027619281/13f1-gent-cristian-gaunajpg.jpg" style="background-color: white; border: 0px; box-sizing: border-box; color: #333333; display: block; height: auto; margin: 0px 0px 10px; max-width: 100%; padding: 0px; text-align: center; vertical-align: baseline; width: 300px;" title="Eva y Victoria en el marco de los Premios Escenario 2019" width="400" /><br /></div><div class="banner-nativo" style="border: 0px; box-sizing: border-box; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">Un encuentro de dos clases sociales distintas con dos </div><div class="banner-nativo" style="border: 0px; box-sizing: border-box; margin: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">formas antagónicas de pensamiento de la vida y clase social con ideas irreconciliables que durante décadas nos dividió al país como nación, por el estigma de la idiosincrasia verbal de dos formidables adversarias. <div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTVdnjKJZXqhkojMNJOCyQfCchPiVauPtYpGRVu13yGGEL7Rnp6X7v8LtIzHUxXwE7Zk7GcjtLe4QNi_71_lgxQQyNdD2l0bNkxUhMmdsa6P_WNphqTjihvu52EEmmgb4AQIswis0OUPjb/s1847/kmc_20210727_225949.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="980" data-original-width="1647" height="228" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTVdnjKJZXqhkojMNJOCyQfCchPiVauPtYpGRVu13yGGEL7Rnp6X7v8LtIzHUxXwE7Zk7GcjtLe4QNi_71_lgxQQyNdD2l0bNkxUhMmdsa6P_WNphqTjihvu52EEmmgb4AQIswis0OUPjb/w371-h228/kmc_20210727_225949.jpg" width="360" /></a></div><br /><div>Pero a la vez, Evita y Victoria encontrarán una mirada esperanzadora hacia el futuro que no llegará por un inesperado final trágico, pero servirá para descubrir en sus relatos íntimos, sus vidas frente a la adversidad de la lucha por los humildes ante la burguesía al defender sus ideales, de nada sirve aislarse para no resolver los problemas, que finalmente solo quedará una esperanza inmortal.</div><div> </div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR73nU-YLHXTSCBOUg5dV4iEtTYktJZhYxgL1xEPexxPLXdbnpaQz93rrnVBaPUskQrVjNMoEPoqowwp24gKlkf2RA9YLj3PiJthm4mtyFKcG-hpVV1mRBlgOtIYur7QqBidSAWt2UU9q_/s1794/kmc_20210727_215644.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1794" height="193" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR73nU-YLHXTSCBOUg5dV4iEtTYktJZhYxgL1xEPexxPLXdbnpaQz93rrnVBaPUskQrVjNMoEPoqowwp24gKlkf2RA9YLj3PiJthm4mtyFKcG-hpVV1mRBlgOtIYur7QqBidSAWt2UU9q_/w370-h193/kmc_20210727_215644.jpg" width="370" /></a></div><br /></div><div> </div><div><div style="text-align: left;"> </div></div>
</div></div></div></div>emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-17118972282810411072019-10-15T07:44:00.002-07:002019-10-15T07:57:40.637-07:00"La Decisión"<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="http://img.alternativateatral.com/scripts/es/fotos/obras/resumen/07/000215307.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://img.alternativateatral.com/scripts/es/fotos/obras/resumen/07/000215307.jpg" /></a></div>
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La obra ficciona un encuentro entre LEANDRO N ALEM y LISANDRO DE LA</div>
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TORRE. Ambos murieron por mano propia, ambos representan la génesis del primer partido popular argentino, ambos son considerados víctimas de las malas prácticas de la política en el país. </div>
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La acción transcurre en el departamento de Lisandro donde transita los últimos minutos antes de dispararse un tiro, es allí donde se hace presente el fantasma de Leandro, su padre en la política, con la intención de evitar el hecho.</div>
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Dos hombres abrumados por no entender que los poderosos que intentan derrotar son los autores de las reglas que ellos deciden cumplir en la contienda política, éso hace que sus existencias queden a merced de sus propios enemigos.</div>
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El conflicto se sostiene a partir de la acción mutua de responsabilizarse uno al otro de sus derrotas. </div>
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El debate se ancla en la idea pura de sus principios morales y éticos cuestionados en la política.</div>
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Las contradicciones propias y los intereses ajenos los conducen al destino trágico de los suicidas al no encuadrar sus ideas en el medio y por su desolación. </div>
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A nosotros como actores en la interpretación de <b>Daniel Dibiasi y Aldo Pastur</b> <span style="font-family: "tahoma" , "geneva" , sans-serif; font-size: 13px;">encontrarnos en éste texto de Pacho O´Donnell, la responsabilidad que implica hoy hablar de ésta temática sobre todo en un momento tan difícil de nuestra patria.</span><span style="font-family: "tahoma" , "geneva" , sans-serif; font-size: 13px;"> </span></div>
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La obra humaniza a los personajes y va más allá de la mística que los encierra, no solamente por el lugar que ocupan en el imaginario social, sino también por el modo en que ellos decidieron terminar sus vidas. En El Tinglado Mario Bravo 948.</div>
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-18201683810100538132019-06-03T19:25:00.000-07:002019-06-03T19:43:31.516-07:00La Traviata<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikfc0RH71EFcPGpGyqK-V-aMUbWUAC_CVKchJf0QfZ9WGB78BJPO5nuGBHU8O0p8JZz0JZhjtiFTpMto13izWEYM5I-21P8OSDEFcGSnG201st1j0OaGpo5ui1OcSjMIQO6Ae-62v29RW9/s1600/descarga-travia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="183" data-original-width="276" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikfc0RH71EFcPGpGyqK-V-aMUbWUAC_CVKchJf0QfZ9WGB78BJPO5nuGBHU8O0p8JZz0JZhjtiFTpMto13izWEYM5I-21P8OSDEFcGSnG201st1j0OaGpo5ui1OcSjMIQO6Ae-62v29RW9/s400/descarga-travia.jpg" width="400" /></a></div>
La Traviata, de Giuseppe Verdi con Dirección escénica: Ana D'Anna. Dirección musical: Antonio Maria Russo. Elenco: Carolina Gómez, Ivana Ledesma (Violetta Valéry), Sebastián Russo, Pablo Urban (Alfredo Germont), Ernesto Bauer, Juan Font (Giorgio Germont), Josué Miranda, Pablo Urban (Gastone), Rocío Arbizu (Flora Bervoix), María Almeida (Annina). Juventus Lyrica. En el Teatro Avenida de la última función: 1 de junio 2019.</div>
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La Traviata con música de Giuseppe Vedi, libreto de Francesco Maria Piave está inspirado en la Dama de las Camelias de Alexandre Dumas, estrenada en 1853 en el teatro La Fenice de Venecia.<br />
En el siglo XIX se consagran las mujeres domésticas y las de vida fatal entre la diferencia de la sociedad burguesa y capitalista que determina el tránsito de un nueva sociedad.
Se imponían la inferioridad de condiciones en la mujer prohibiendo reuniones públicas, se abolió el divorcio y se buscó la pureza individual y perfección, existiendo el "angelismo" para los hombres como estado superior descarnado para jóvenes virtuosas, convertido en doctrina por la Iglesia en 1854.<br />
La literatura contestó con la misoginia en historias femeninas contrarias a Diderot y Shopenhauer que formaron ése paradigma, pero hubo otros como Voltaire y Saint Simon que se opusieron y la creación literaria contestó a la misogenia con ideas renovadoras del feminismo en 1850 con Georg Sand.<br />
En ése contexto Marie Duplessis con 13 años llega a París huyendo del maltrato familiar y diez años después muere de tuberculosis, entre tanto conoce a Alejandro Dumas (h) que fue su amante y la inmortaliza en "La dama de las Camelias" como Margarita Gautier.
La novela emocionó a Verdi que la renombró como Violeta Valery donde ofrecía fiestas suntuosas en su mansión Grand Palace y en la obra Violeta es aceptada como objeto de placer refinado para la sociedad burguesa.<br />
Allí reside su tragedia con sus propios amantes de pseuda honradez que la condenan cuándo ella aspira a un amor verdadero que ésa sociedad venera, donde los prejuicios y apariencias la humillan y obliga a sacrificar su felicidad.
Se cuenta que Marie Duplessis fue amante de Franz Liszt que sentía atracción y sus personajes subyacen como fuerza antagónica, cuándo Violeta claudica ante su padre ante el amor por Alfredo, y no contara con la fuerza que mantiene la vida, en la vida.<br />
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A modo de preludio a telón abierto los que ingresan a la sala perciben el movimiento de personas paseando observando muebles, sillas, algún alhajero y un piano central con copas como presumiendo una subasta terminada, después de una exhibición el telón cierra y cuándo abre con los mismos elementos que tenía la subasta, está Violeta con la fiesta a pleno con una gran cúpula que supone el Grand Palace de gran sobriedad ante sus invitados. La puesta gira sobre el eje de Violeta, una mujer de endeble salud que brilla en la adversidad, y más aún en el centro de una fiesta hostentosa.<br />
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La soprano Carolina Gómez desempeña un rol sobrio y se sobrepone su actuación con su potente voz con excepcionales variaciones agudas, que va delineando su personaje con excelencia. Su amado Sebastián Russo, encarnó a un Alfredo con pulcritud vocal y con una actitud dramática apocada sin deslucir. Ernesto Bauer interpretó a un gran Giorgio Germont, y junto a Gómez lograron emotivos dúos muy atractivos.<br />
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El resto de los intérpretes cumplieron sus roles y su desempeño con suficiencia adecuada. De puesta muy escueta y simple con back proyecciones casi sin escenografía ampulosa, pero sobria. D'Anna logra montar distintos ambientes: al comienzo la bella cúpula para la fiesta, luego un bosque de árboles en otoño que nos indica el advenimiento de la tragedia, y al final una ventana con la tímida luz que se filtra, nos predispone a que Violeta está próxima a un triste final y que la poca luz hace sentir la intimidad de los solos y dúos, nos predisponen al desenlace trágico.<br />
La orquesta ejecutó con corrección y brindó contrastes musicales de escuetos tempi, de los temas con lirismo y sofisticación bajo una correcta dirección.<br />
Juventus Lyrica inicia la temporada con una obra clásica de buen nivel en conmemoración de su 20º aniversario, con una fiesta sobre el escenario para coronar una magnífica velada operística para recordar.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipVkmefSiqLoXlDkc1gx4-kynYMIUh_JeG3mJ8Rle5zmI6Qv125uR3yk7yQbXJDrf5RxabsZQ4RkQt7VSMYZJpO4ItzTMXQsEijj8hPXTHJEeCO_TnkXK_Os53buuYSU5kkIbFnTBfwsOD/s1600/CAM00191+%25284%2529.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="1126" data-original-width="732" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipVkmefSiqLoXlDkc1gx4-kynYMIUh_JeG3mJ8Rle5zmI6Qv125uR3yk7yQbXJDrf5RxabsZQ4RkQt7VSMYZJpO4ItzTMXQsEijj8hPXTHJEeCO_TnkXK_Os53buuYSU5kkIbFnTBfwsOD/s320/CAM00191+%25284%2529.jpg" width="257" /></a></div>
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Con "Hamlet" la ópera en 5 actos de Ambroise Thomas, "Juventus Lyrica" cierra la temporada 2018 en el teatro Avenida con el acontecimiento participativo de la Opéra 2Day holandesa en conmemoración a los 150 años de su estreno en París. El material orquestal fue cedido por el archivo del Theatre Francais de La Haye donde se representó 153 veces de su estreno hasta el año 1919.<br />
Ésta obra también se presentó en el T. Colón en 1937 y también formó parte de la inauguración del Teatro Colón en 1908 con el título de "Amleto" que anunciaba en su concierto al cantante Tita Ruffo en su debut en Baires.<br />
En la versión de Ambroise Thomas después de 80 años responde a la exigencia francesa con la adaptación de Alejandro Dumas que cambia el original de Shakespeare, por tener un final afortunado de la supervivencia del héroe, donde no muere sino es coronado rey, tras 400 años en que intentó iluminar la injusticia de su época con reflexiones sobre el destino del hombre y su existencia, religión y política.<br />
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Para el público inglés era inadmisible el cambio final a la manera que Thomas escribió precipitado, al eliminar 3 carillas de la música al hacer morir el protagonista perdiendo mucho del talento de Thomas. No obstante con dos finales la ópera continuó su furor durante mucho tiempo, pero después de 1920 cayó en desuso atribuído a los ballets al extender la duración del final victorioso de la obra.
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Tal vez el Hamlet es el personaje más importante de la cultura después del propio Cristo. El príncipe de Dinamarca es un manantial inagotable del pensamiento sobre el destino del hombre y su poder junto a la existencia de Dios, sus leyes y también el amor y la muerte. La versión del Hamlet, príncipe de Dinamarca de 1600/1 su dramaturgia aborda la conocida historia de Amleth, un príncipe haciéndose pasar por idiota logra destronar al tío que había asesinado a su padre. Para ésa época Amleth o Hamnet eran nombres populares y sinónimos de sagacidad y astucia y al dramaturgo le gustó tanto, que en 1585 le puso a su hijo el nombre de Hamnet, y en ésa primera versión concluye la obra bien con Hamlet vivo y vengador de su padre. Hamnet, el hijo de Shakespeare muere a los 11 años de edad y poco tiempo después muere John, su padre y entonces Shakespeare reescribe su Hamlet que lucha y ensaña con su fuerza creativa y pensamiento político, filosófico y religioso. Su riqueza conceptual es comparada con la adaptación posterior del libreto con monólogos que desplazan la existencia humana con matices contundentes al drama.<br />
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Con el soliloquio de Hamlet en su locura con Ofelia con todo su vuelo poético que Thomas resuelve con el suicidio del personaje sobre el final con un impacto musical que pone nervioso a cualquiera cuándo Claudio, culpable es mejor rey que el padre de Hamlet y mejor marido para su madre, y la reina, Laertes, Polonio y Ofelia morirán sin ser culpables porque la violencia desencadena el primer crimen que no podrá terminar hasta cobrarse la última víctima, hasta el príncipe ése hombre con lucidez y cualidades de estadista que otro haya ocupado su trono.<br />
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Hamlet perdió el velo de la ilusión y de la esencia de las cosas cuándo se da cuenta que no puede cambiar nada; <i>"Let it be" </i>sentencia antes del duelo con Laertes. Tampoco puede amar a Ofelia porque donde reina el crimen no tiene lugar el amor, y Shakespeare sabe que proclamar el poder divino es un poder maldito y para ponerse la corona es someterse a su maldición.<br />
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El final de la obra es el triunfo del caos y la injusticia y que podría tener para Shakespeare un final victorioso consciente de la futilidad humana contra la providencia divina de la muerte en tensión con el amor del poder necesario para el orden social se cobraría sus víctimas una y otra vez. Con música de Ambroise Thomas y libreto de Michel Carré y Jules Barber en adaptación y dirección escénica de María Jaunarena, con la dirección musical de <b>Hernán Schvartzman</b>, integra el elenco con <b>Hamlet</b> (Armando Noguera), <b>Ofelia</b> (Laura Pisani), <b>Claudio</b> (Mario de Salvo), <b>Gertrude</b> (Sabrina Cirera), <b>Laerte </b>(Santiago Burgi), <b>Fantasma</b> (Felipe Cudina Begovic), <b>Polonio</b> (Gabriel Carasso), <b>Horacio </b>(Gabriel Vacas), <b>Marcelus</b> (Maico Hsiao) <b>Sepulturero</b> (Gabriel Carasso).
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La dramaturgia de Alejandro Acobino en ENOBARBO (<i>seudónimo que utilizó Nerón y también pertenecía a los banquetes de carne de cerdo que ofrecía a sus invitados</i>), es uno de los hechos artísticos que presenta el TNC - Cervantes en la temporada 2018, donde el autor ambienta su obra en la antigua Roma durante el imperio de Nerón sobre su final de vida y de sus veleidades artísticas, y Séneca como filósofo inspirador mueve todo el entramado de la corrupción gestado por Agripina y su sirviente Atticus que lo induce en la teatralidad, que usará para imponer su neurótico dominio hasta ver incendiada a Roma. </div>
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La obra de Acobino es recuperada por su hermana María Gabriela a través de quién fuera su maestro Mauricio Kartun, después de su suicidio en
Pensada para ser interpretada por Osqui Guzmán quién también asume la dirección en los entre telones, en su contexto como grotesco-farsa está bien estructurada la actuación de los personajes con un Nerón en el comienzo algo sobre actuado como gay pero que luego va ajustando su interpretación en el decorrer de la obra con buena solvencia, controlando una alta dosis de neurosis del personaje. Agripina moderada pero solvente y Séneca destaca su sobriedad en la composición actoral, el resto se desenvuelve sobriamente.
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Una obra para el disfrute y la perdurabilidad en el tiempo el espectador se siente identificado con la perdurable trama que llega hoy con toda vigencia para identificarnos que la vida misma es una obra teatral siempre.<br />
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Como <b>Atticus</b> Osqui Guzmán,<b> Nerón</b> Pablo Fusco, <b>Agripina/Popea</b> los roles serán de Leticia González de Lellis, <b>Séneca</b> Pablo Seijo, <b>Petronio</b> Javier Lorenzo, <b>Burrus</b> Fernando Migueles y el guardia <b>Sphorus-Otón</b>, Manuel Fanego integra el elenco dirigido por Osqui Guzmán.<br />
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-10288972553138812412018-10-20T09:39:00.000-07:002018-10-20T09:39:19.422-07:00Sagrado Bosque de Monstruos<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO8glEzfu1OmIYTIgmYAx4YqAOZ5yiQdVPgTcMa52_od5jclBW1eH11WCDcXp6rDMMmG_uBfDc-AVTBKm3YF4EzpG5bwiv7AxCmUk6mvJYRsOs0hSwHtgTqMCopbLeVeNyNKCMo_cnf7mi/s1600/CAM00584.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="960" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO8glEzfu1OmIYTIgmYAx4YqAOZ5yiQdVPgTcMa52_od5jclBW1eH11WCDcXp6rDMMmG_uBfDc-AVTBKm3YF4EzpG5bwiv7AxCmUk6mvJYRsOs0hSwHtgTqMCopbLeVeNyNKCMo_cnf7mi/s320/CAM00584.jpg" width="240" /></a></div>
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Elenco; Marilú Marini, Diego Benedetto, Rodolfo de Souza, Ernesto Donegana, Cristian Jensen, Juan Gabriel Miño, Iván Moschner, Matías Pisera Fuster, Camilo Polotto, Eugenio Schcolnicov. Música; Nicolás Varchausky. Escenografía y Vestuario; Oria Puppo. Dirección; Alejandro Tantanian.<br />
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Trás un coloquio filosófico previo con Hugo Mujica a la representación, Marilú Marini recuerda tener estudiado la vida de la santa Teresa Sánchez de Cepeda y Ahumada ó Santa Teresa de Ávila cuándo ella merodeaba en la década de los 60 al Instituto Di Tella, centro de arte de la vanguardia en la "era hippie" de aquél momento. Allí Roberto Villanueva en el año 67 comentándole de su proyecto que estaba recopilando sobre la vida de Teresa de Ávila, la indujo elaborar una obra que revindicara el feminismo, y que ahora llegó la hora.<br />
Como protagonista de su vida Marilú Marini es una sacerdotisa que reencarna con un sello de magia al poner el personaje a su servicio ingresando en él, recordando ésto;<i> "envuelta entre las sombra de diversos divinos y profanos de una vida milagrosa, pero sintiéndose libre"</i>.<br />
Esta obra como experiencia supera lo teatral para llegar a lo personal como mensaje religioso que puso fuerza en la oración buscando el convento para su creatividad de escritora terrenal, cuándo en el siglo XVI las decisiones las determinaban los hombres.<br />
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El espacio sagrado era para Teresa los silencios que buscaba en el convento para leer y la ayudaba a reflexionar, (como para María Guerrero fue el teatro), es decir que lo sagrado y profano es lo que cada uno construye como su lugar propio para vivir.<br />
Su contradicción polémica fue la búsqueda en toda la humanidad con el sentido de la razón y sus emociones y visiones en la vida desaforada llegó atesorarlos.<br />
Es una representación teatral onírica y mutante que desafía a la Iglesia Católica con la pasión religiosa al diferenciar al espectador encontrarse en las gradas del escenario y los actores representan sobre una tarima (en la platea de la sala María Guerrero del teatro Cervantes), con música de la cantante mexicana Julieta Villegas generando un espacio dentro del mismo para recrear una abstracción casi diabólica en que Teresa se transmuta para encontrarse con Dios y sentirse terrenal.<br />
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Teresa trabajó por la libertad de las mujeres y se manifestó en esa convicción durante varios siglos hasta encontrar el contexto de la lucha de hoy.<br />
Funda la Orden de las Carmelitas Descalsos y construye 17 conventos en el siglo XVI.<br />
Marilú resume; <i>"fue para mí el contacto con lo mítico y lo espiritual así como un trabajo de experiencia porque no fue alguien que estuvo recluída sobre sí misma, sino que se conectó con la realidad al hacer obras. Fue una mujer de acción más allá de su camino espiritual". </i><br />
Escrita por Inés Garland y Santiago Losa y dirigida por Alejandro Tantanian, tiene la visión del personaje de Teresa como una luchadora contra los molinos de viento en un espacio para recrearlo con el sentido de la vida misma de su protagonista y la evocación que se produce fusionando la dramaturgia con la vida mística, que se inundan de mágicos conceptos de la condición humana destacando la libertad por sobre todo.<br />
La obra busca la reconstrucción de la vida del ser humano como así su mano izquierda que trás un largo peregrinar siempre era buscada hasta que en <span style="color: black; font-family: "times new roman"; font-size: small;">1976, la mano fue entregada de nuevo al Convento de las Carmelitas de Ronda.</span><br />
El relicario que es de plata, con joyas incrustadas y que data del siglo XVII, tuvo una transformación en la época franquista, ya que el dictador mandó colocar en la base de la misma (en la muñeca), la Cruz laureada de San Fernando, que le había sido concedida el 19 de mayo de 1939, para terminar la Guerra Civil, con el denominado desfile de la Victoria por la Castellana de Madrid.</div>
<span style="color: black; font-family: "times new roman"; font-size: small;"> </span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRu1ZiMJ0KkkMh2IILqpG7WsU2JTXPcwWoC7X8mvDHcvv8qtFq6k1TMaTuWdwLnrNMUOImA4j7_rl27JAI2X4q5K_34jy_OvkCcXNLHN_Mgv9QW7jZ2fti8p7BzkPIcTguZQ5ZQbah5FFA/s1600/CAM00581.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="960" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRu1ZiMJ0KkkMh2IILqpG7WsU2JTXPcwWoC7X8mvDHcvv8qtFq6k1TMaTuWdwLnrNMUOImA4j7_rl27JAI2X4q5K_34jy_OvkCcXNLHN_Mgv9QW7jZ2fti8p7BzkPIcTguZQ5ZQbah5FFA/s320/CAM00581.jpg" width="240" /></a></div>
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La reliquia de la mano de Teresa de Ávila llega a ésta traficada en un barco escondida entre las medias y maquillaje de María Guerrero, ésa mano dorada llevaba anillos como un tesoro personal.<br />
Durante la construcción del teatro Cervantes enterró la mano por la madrugada en secreto en un lugar que ella conocía y consiguió recordar. Algo mareada caminó como perdida, como si la mano enterrada le hubiera arrebatado la conciencia.<br />
El entierro en el Cervantes fue para que Santa Teresa protegiese el destino del teatro y el edificio con la izquierda, ya que Franco poseía la derecha con la que férreamente gobernó.<br />
Cuando ésta mano salió a la luz, fue con señal de fuerza para terminar con un tiempo de oscuridad y dar paso a lo nuevo, y progresar con ésa mano hecha en oro y fuego que trae la poesía, y luz de esperanza.<br />
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-54374815909534217482018-08-18T13:34:00.001-07:002018-08-18T13:34:44.423-07:00El Bramido de Dusseldorf ... cuándo la certeza es mentira<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwUQpvbVq-oJ4iQWT4o2v0B7j_ELFWwNNoh9eFvADw35Z5fgutSWBcXSzi1Jq7X0BHjG-NPsWIJ5hHPkjB6Wwn8rY5Xr9cm9pyaQzzDYy2UdQCSE5blU-xgJSKfBYXW3q04AiAce8CBmWM/s1600/sergioblanco2-bramidodusse1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="770" data-original-width="640" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwUQpvbVq-oJ4iQWT4o2v0B7j_ELFWwNNoh9eFvADw35Z5fgutSWBcXSzi1Jq7X0BHjG-NPsWIJ5hHPkjB6Wwn8rY5Xr9cm9pyaQzzDYy2UdQCSE5blU-xgJSKfBYXW3q04AiAce8CBmWM/s400/sergioblanco2-bramidodusse1.jpg" width="331" /></a></div>
<span style="letter-spacing: 0.2px;"><br /></span>
<span style="letter-spacing: 0.2px;">A Sergio Blanco como dramaturgo franco-uruguayo le gusta trabajar el género teatral de la autoficción contemporánea como cruce entre lo real y lo ficcional y por ello le</span><i style="letter-spacing: 0.2px;"> "gusta decir que tiene una disciplina augusta, por Augusto, su emperador favorito desde niño. </i><br />
<i style="letter-spacing: 0.2px;">“Es una disciplina que se mezcla con el rigor jesuita y se combina con la meticulosidad de lo francés”</i><span style="letter-spacing: 0.2px;">, agrega.</span><br />
<span style="letter-spacing: 0.2px;">Sergio Blanco 45 años, radicado en París desde hace más de dos décadas, mochila siempre en sus espaldas, campera y zapatillas de colores fuertes son su impronta para desembarcar del otro lado de la orilla en la sala Casacuberta del Teatro San Martín en Buenos Aires para estrenar su obra autoral más reciente y como director, </span><b style="letter-spacing: 0.2px;">"El bramido de Düsseldorf"</b><span style="letter-spacing: 0.2px;"> con el siguiente elenco; Gustavo Saffores, Walter Rey y </span><span 0.2px="" itemprop="name" spacing:="">Soledad Frugone.</span><br />
<span 0.2px="" itemprop="name" spacing:=""><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVh0lJTPPA-kPdK39_fYmnoBbTe8UPA56Kyf8y8oFmwgBJ_wXnwr7_Fa23MOC1jiuawjjhDquebb-o8NHHkTOM_68YooXJR-Pld2vJhGeTVfaNgx3FkeLChlG8aot4SKf3rQEcww9e5O1V/s1600/sergioblanco1-bramidodusse3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="868" data-original-width="1300" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVh0lJTPPA-kPdK39_fYmnoBbTe8UPA56Kyf8y8oFmwgBJ_wXnwr7_Fa23MOC1jiuawjjhDquebb-o8NHHkTOM_68YooXJR-Pld2vJhGeTVfaNgx3FkeLChlG8aot4SKf3rQEcww9e5O1V/s400/sergioblanco1-bramidodusse3.jpg" width="400" /></a></div>
<i><br /></i><i>En “La única certeza de la verdad es, que es una mentira" </i>sobre la que el dramaturgo incursiona hace algunos años en donde relata la agonía y muerte del padre de un autor teatral en una clínica de Dusseldorf, ciudad a la cuál el dramaturgo viajó para llevar adelante un proyecto que nunca sabremos cuál es con certeza y que relata como mentira.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiySSThwEfe4Y-rWtOjoOfHvhqt4znkA1wHurmvDU41iOIvOMSQiaF6BOPp_9OQ2T87nB37yB0Hhhxz-7D3axPxADGl68OTAA886zhxcLCHVR8zwi4rhMsZb2LdK8jIS_Z6NUqFiA_-KQXM/s1600/59b3094b92759-bramidodusse2.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="387" data-original-width="580" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiySSThwEfe4Y-rWtOjoOfHvhqt4znkA1wHurmvDU41iOIvOMSQiaF6BOPp_9OQ2T87nB37yB0Hhhxz-7D3axPxADGl68OTAA886zhxcLCHVR8zwi4rhMsZb2LdK8jIS_Z6NUqFiA_-KQXM/s400/59b3094b92759-bramidodusse2.jpeg" width="400" /></a></div>
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La obra plantea su inicio con un CAPTATIO y 5 etapas de bramidos a medida que la pieza avanza y llegar al final con un RECAPTATIO, y durante ése espacio se entrecruzan en un vertiginoso juego teatral tres posibles hipótesis por las cuáles el autor se encuentra allí; <b>la inauguración de una exposición sobre Peter Kurten, </b>célebre asesino serial alemán de principio del siglo XX para la cuál el autor escribió un catálago,<span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0.2px;"> </span><span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; letter-spacing: 0.2px;"><b>firmar un contrato como guionista de películas pornográficas con una de las productoras de cine más importantes de la industria porno europea y proceder a su conversión al judaísmo por medio de su circuncisión en la famosa sinagoga de Dusseldorf.</b></span><span abordan="" al="" arte="" b="" central="" de="" del="" dios.="" forma="" junto="" l="" la="" los="" mites="" muerte="" n="" padre="" paralelamente="" que="" representaci="" resulta="" se="" sexualidad="" span="" squeda="" sta="" sty="" tema="" texto="" y=""><br />
<span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; letter-spacing: 0.2px;">Confieso no conocer los antecedentes del autor y ver por primera vez ésta obra, pero si digo que me dejó visiblemente impresionado su tratamiento y estructura teatral conceptualmente buena, que me permite augurar un promisorio futuro en próximos trabajos, que me gustaría ver y que a la vez recomiendo ésta obra.</span><br />
<span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; letter-spacing: 0.2px;">Entre sus obsesiones el autor recurre al mito épico de Acteón, un cazador convertido en ciervo por haber sido sorprendido espiando a la diosa de caza Artemisa, ésta le lanza agua y lo transforma, pero aquí la leyenda cambia por revolcarse entre las flores del bosque para convertirse en ciervo considerado como un mito moderno, además suma a Peter Kurten un asesino serial alemán conocido como el "vampiro de Dusseldorf" que también inspiró los film de Fritz Lang y a los que llama mitos contemporáneos. En el segundo bramido el padre quiere volver al pasado para contar su historia que la hace atemporal según viene del primer bramido, en que busca concentrar la esencia humana de la amistad, la lealtad, la soledad y guerra nazi, y que se soslaya el amor y la muerte.</span><br />
<span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; letter-spacing: 0.2px;">Con una escenografía en blanco muy funcional y con efectos de backproyection,de alta tecno que el teatro ofrece, con pocos elemento escenograficos sumados se mueven los tres personajes adaptándose a varios roles cada uno de ellos con especial ajuste y precisión, al compás de una adecuada música de los Beatles. Un provocador juego escénico se desarrolla a lo largo de 2hs que atrapa y que es recomendable ver, y a la vez disfrutar un nuevo género teatral.</span></span><br />
<div style="background-color: white; border: 0px; font-family: sans-serif; font-stretch: inherit; letter-spacing: 0.2px; line-height: 1.5; margin: 0px auto 1.125em; max-width: 700px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">
<span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; letter-spacing: 0.2px;"></span><br />
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<span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; letter-spacing: 0.2px;">elduke1000</span></div>
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-37005275895131106072018-06-12T14:29:00.000-07:002018-06-12T15:24:06.432-07:00El banquete tétrico de Tiestes y Atreo <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd8ya5Wg3X28BbaanQ2puQhDv7nSJOlLpBd9MB8ZPZ3cwjjpgrCsWRWMBsCvYCvJmQmcOypcNJkZgzeks_3Wymqc4AGMA_zuD4eK25qHiQHt62r6sT0vjlpAZD1ClA0qyFrY5kNchyphenhyphena0p1/s1600/descarga-tiestes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="145" data-original-width="348" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd8ya5Wg3X28BbaanQ2puQhDv7nSJOlLpBd9MB8ZPZ3cwjjpgrCsWRWMBsCvYCvJmQmcOypcNJkZgzeks_3Wymqc4AGMA_zuD4eK25qHiQHt62r6sT0vjlpAZD1ClA0qyFrY5kNchyphenhyphena0p1/s400/descarga-tiestes.jpg" width="400" /></a></div>
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Escrita y dirigida por Emilio García Wehbi según la tragedia de Séneca.<br />
Elenco con: Maricel Álvarez, Florencia Bergallo, Analía Couceyro, Carla Crespo, Érica D’Alessandro, Verónica Gerez, Cintia Hernández, Mercedes Queijeiro, Jazmín Salazar, Mía Savignano, Lola Seglin y Lucía Tomas.<br />
Música y dirección musical: Marcelo Martínez / Coreografía: Celia Argüello Rena / Iluminación: Agnese Lozupone / Vestuario: Belén Parra /Escenografía: Julieta Potenze /<br />
Teatro: Nacional Cervantes, duración 120 minutos.<br />
Calificación: Recomendable<br />
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En dos actos,<b> Escila</b> y <b>Caribdis</b> portan una misma reflexión, dos peñascos rocosos cerca de Sicilia emergen como monstruos marinos que se devoraban a los viajeros que se acercaban a sus costas, se relata en "La odisea de Homero" las vicisitudes de Ulises y que Ovidio menciona en "Las Metamorfosis".
En ésta tragedia senecana el odio fratricida, la venganza y la antropofagia antecede a Sheakespeare con lo más tremendo en Tito Andrónico.<br />
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De los mitos greco romanos nos legó el drama trágico de Tiestes y Atreo hermanos en el estoicismo del horror de sacrificio y antropofagia por la disputa del trono, Séneca plantea las escenas más violentas y lacerantes de las tantas que tuvo en la humanidad con la descripción del asesinato de los hijos de Tiestes, puesta en boca por Hermes el dios mensajero.<br />
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El ritual fillicida antropofágico de la ingestión de sus hijos se remonta al mito de Cronos y llega a Tántalo, abuelo de Tiestes y Atreo cuándo es uno de los hijos cocinados por la codicia y la venganza, para llegar y augurar el retorno a la tragedia que se cifra en la ley del padre. Es decir la historia relata la venganza por parte de un hermano, ante la traición del otro que incluye adulterio, robo y engaño para conseguir el trono. Para la venganza el embaucado invita al hermano ladino a un banquete de reconciliación y éste no sabe que la carne que comerá es de sus propios hijos.
Por otra parte Atreo encarna algo más que la venganza para llevarla hasta sus últimas consecuencias para eliminar el linaje de su enemigo del modo más atroz, que el padre se coma su descendencia.<br />
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La idea platónica de la tiranía es caníbal para Séneca cuándo conoció a Calígula y murió con Nerón en una comunión diabólica de sangre y vino, que se hace contemporánea en la sangre de Cristo, <i>"en el nombre del padre"</i>, al hablar del padre como representante de la mayoría del poder, y del hijo representante de la nueva generación en el patriarcado.<br />
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En el entreacto junto al hip-hop se canta el nuevo hit revelador y nada tranquilizador que reza en su estribillo que, <i>"No hay mayor muestra de cariño que comerse a sus propios hijos, porqué no hay asunto más prolijo que devorarse a todos los hijos"</i>, en un mundo apocalíptico que deviene en tragedia ceremonial.<br />
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García Wehbi plantea un elenco femenino que asume los roles masculinos resaltando el carácter falocrático de la tradición donde es incisivo, incomplaciente, inquieta y choca con fuerza erótica la actualidad con un interesante planteo del director, para que la tradición prevalezca a través de los siglos en un mundo apocalíptico. De impecable puesta de escena con actuaciones de roles muy precisas y parejas, con impactante fuerza en el texto de poesía cruel, inmerso en un mundo perdido y sórdido, se hace necesario repensarlo con un momento de reflexión.<br />
<br />emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-45957436363755192572018-04-20T05:51:00.001-07:002018-04-20T06:00:49.238-07:00Goran Bregovic y la música balcánica <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXZZkz1h-wz-7hmk0KuJABUQVP_epqZGKSF7vHtjT0F4_M_iuGzyD1uZroWaBZCTZUFnimEF_hvm4uovcBxvrNCz82KsIySAQjxCR2s-SZFnIQNJr-lk8dAUIdbD_dfPIy5dVrV74KR2Om/s1600/1167933%25C2%25A9PACO-MANZANO-goran1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="448" data-original-width="1063" height="169" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXZZkz1h-wz-7hmk0KuJABUQVP_epqZGKSF7vHtjT0F4_M_iuGzyD1uZroWaBZCTZUFnimEF_hvm4uovcBxvrNCz82KsIySAQjxCR2s-SZFnIQNJr-lk8dAUIdbD_dfPIy5dVrV74KR2Om/s400/1167933%25C2%25A9PACO-MANZANO-goran1.jpg" width="400" /></a></div>
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El teatro Opera Orbis presentó la orquesta de "Bodas y Funerales" de Goran Bregovic que reúne una linea de sonidos extremos emocionales que pueden saltar al éxtasis, con música que transita la cristiana, judía y musulmana en una gran fiesta musical de la tolerancia. Esto tiene sentido al repasar su propia vida en un país donde pasó por la guerra de los balcanes entre 1992 y 1995, en Sarajevo convulsionado de Bosnia-Herzegovina para intentar comprender a vivir con diferencias políticas y religiosas armoniosas, al echar un manto trágico como un réquiem para un funeral.<br />
Hoy Sarajevo puede lidiar entre cierta tranquilidad o mañana despertarse a tiros entre unos y otros por la preocupada situación que se vive en Siria y que la historia puede repetirse, por lo cuál Sarajevo es una metáfora de nuestro tiempo, así como el conflicto de su madre, una serbia ortodoxa y su padre un croata católico terminaron divorciados.
Bregovic vivió en su casa las diferencias políticas-religiosas a las que tuvo que adaptase y cuándo estalló la guerra se encontraba en París y no volvió durante cuatro años.
Fueron años traumáticos al tener una familia complicada en medio de una guerra civil entre ortodoxos y católicos, al ver como unos se disparaban contra todos y se desangraban a la distancia de Goran.
Entonces la escusa fue su nuevo disco "Three Letters from Sarajevo" que trae en su concierto, una música que reúne obras de la cultura cristiana, judía y musulmana que hoy suena como una utopía, como la Jugoslavia que desapareció con Tito que unificaba todas las etnias, e imaginaba sin separaciones religiosas.<br />
Esta utopía es imposible con la religión y la política, pero la música puede armonizar en la vida real para que suene más armoniosa, y el compositor imagine que un día el mundo sea como una partitura en que las notas altas se compartan con las bajas y ésa utopía se pueda armonizar.
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Sus vivencias llevó a Goran a un aquelarre musical donde conviven fanfarrias militares, ritmos del este europeo, la nostalgia romaní y las voces búlgaras son sensaciones desbordadas de rebeldía y libertad bajo el comunismo de Tito, donde el rock permitió renovar al fenómeno social con su música más vibrante a una nueva generación de jóvenes, que se unieron al grupo como Bijelo Dugme, influenciado por Led Zeppelin.
Cuándo Kusturica lo convocó para la banda de sonido de la película "Tiempo de gitanos" todo cambió para Goran y su música balcánica se volvió célebre en el mundo.
<i>"Pero hay algo en ése largo camino para que el mundo sea mejor, y son las pequeñas cosas como un disco que puede ayudar a iluminar ése camino", y "Lo bello de la música es ver algo que dejaste a un amigo, vuelve transformado en un tesoro"</i>, se expresa Goran.</div>
emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-52930617635141626322017-11-06T09:10:00.000-08:002017-11-06T09:10:24.810-08:00"El Conde Ory"<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilu3_SjGckvLw7-4iw4EFcHTKAnRzRvOEG7phsVAPavGGHgpMPF5hyphenhyphenSuO3H-4nhKqm1n-gKWZUMngETfWg48JEPAWIlXF2nYvVAmkfuZUXtDEW20ucnjaZWPJPVKwrT1oqMjGXM0UXXmrE/s1600/images-ory.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="225" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilu3_SjGckvLw7-4iw4EFcHTKAnRzRvOEG7phsVAPavGGHgpMPF5hyphenhyphenSuO3H-4nhKqm1n-gKWZUMngETfWg48JEPAWIlXF2nYvVAmkfuZUXtDEW20ucnjaZWPJPVKwrT1oqMjGXM0UXXmrE/s320/images-ory.jpg" width="320" /></a></div>
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La versión del <b>Conde Ory</b> de Giácomo Rossini con libreto de Eugene Scribe y Charles Gaspard Delestre-Poirson es una ópera buffa con coproducción de Juventus Lyrica y Opera 2Day, se presenta el 3 de noviembre en el Teatro Avenida con el siguiente elenco, Sebastian Russo (CondeOry), Jaquelina Livieri (Adele), Victoria Gaeta (Isolier), Gabriel Carasso (Raimbaud), Luis Gaeta (Gobernador), Maria Goso (Ragonde), Romina Jofre (Alice), Germán Valente (Corifeo1), Nicolas Tumini (Corifeo2).Vestuario de Maria Jaunarena, Escenografía de Gastón Sanchez, Iluminación de Gonzalo Córdova, Dirección musical de Hernán Schvartzman y dirección escénica de María Jaunarena.<br />
Fue estrenada en la Opera de París el 20 de agosto de 1828.<br />
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<b> Argumento</b>;<br />
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<b>Acto I -</b> Los campesinos dedicados a sus tareas habituales mientras que el feudal Foumoutiers y los aristocratas han partido hacia las cruzadas y las mujeres del castillo han quedado solas. La soltera Adele, hija de Foumoutiers ha decidido recluirse hasta que su hermano regrese de la guerra.
La ausencia de hombres es la oportunidad para el astuto conde Ory que esta buscando su conquista.<br />
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Con la ayuda de su amigo Raimbaud se escapa de la guerra y decide presentarse en el pueblo como un sabio monje para ayudar a las mujeres y ganar su confianza.
Adele está sufriendo un mal por lo que su nodriza Ragonde arregla un encuentro con el falso monje.<br />
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El conde tiene suerte y acepta recibirla. En ése momento llega al pueblo el gobernador con su paje Isolier buscando al conde desertor, pero Isolier también está enamorado de Adele y sin reconocer al conde que está difrazado de monja para conquistarla. Adele sale del castillo para visitar al monje y éste le recomienda abrirse al amor para sanar su tristeza.<br />
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Ella está enamorada de Isolier pero Ory la convence que no es buen candidato. Todo sale bien para el conde pero el tutor aparece con una escolta de cruzados, revela la identidad del conde y frustra sus planes. Un mensajero anuncia que los feudales han vencido al enemigo y regresarán, entonces el conde escapa para planear una nueva estrategia.<br />
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<b>Acto II </b>- Las mujeres deciden encerrarse en el castillo hasta el regreso de los hombres, pero un temporal se desata en el pueblo y se escuchan lamentos de las monjas que piden ayuda, pero se trata del conde y su escolta difrazados.<br />
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La condesa decide alojarlas en el castillo y cuándo quedan a solas ,Reimbaud descubre la bodega del castillo y aprovechan emboracharse. Isolier llega con la noticia que los cruzados llegan en breve y se dá cuenta que el conde le robó el plan y decide declarar su amor a Adele, pero al aparecer el conde difrazado que estaba en la habitación con la intención de dormir con la condesa.<br />
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La oscuridad lo confunde y termina en brazos de Isolier. Se anuncia la llegada de los cruzados y el conde ha sido engañado y pide a la condesa lo deje escapar. La condesa deja escapar a todos los hombres difrazados con una condición: que los hombres que están llegando nunca se entren de lo ocurrido.<br />
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Algo olvidada y ahora desempolvada "El conde Ory" es un deleite para ver, escuchar y disfrutar su excelente música alegre y vibrante, un equilibrio vocal de buenos cantantes, muy buena puesta en escena, ajustada dirección musical es otro hallazgo del universo operístico de Rossini.<br />
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-23289899354662771762017-10-02T14:28:00.000-07:002017-10-14T22:09:18.950-07:00"A Ciegas Gourmet" para sentir a oscuras otra realidad<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Cada vez que se elige ir al teatro siempre se tiene en cuenta, más allá de la crítica, quiénes son los protagonistas, la escenografía, el vestuario, de lo que uno va expectante asistir por lo que vendrá, pero aquí a todos nos recuerda con nostalgia de chicos cuándo jugábamos al gallito ciego.</div>
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La nueva sala en Palermo, la oscuridad para los que no ven pueden entrar en el imperio de los sentidos, como una propuesta a una nueva modalidad del Centro Argentino del Teatro Ciego, en imaginar sin límites como potenciar los 4 sentidos.<br />
<b>"A ciegas gourmet"</b> es la experiencia elegida como otra realidad que definitivamente se volvería a elegir por su particular forma en asistir a una sala completamente oscura, donde se propone un show con cena que también puede pedirse vegetariana ó para celíacos, que permite a los espectadores cerrar sus ojos y descansarlos para descubrir aromas y sabores de las porciones que se presentan; despertar los otros sentidos y a su vez disfrutar del espectáculo que cuenta historias de antiguos arrabales, pasión, amor, con el tango que entrelaza las interpretaciones y sensaciones con efectos sensoriales de "brisa, flores, lluvia, café".<br />
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Con un menú especial de seis pasos preparado por el chef Gastón Barba, para ser degustado sin cubierto, a modo de "finger food" que se come de izquierda a derecha, se disfrutan los bocados preparados los cuáles se tocan, prueban y muerden de a poco para que la imaginación se sume a descubrir sus aromas que nuestro paladar nos logre definir, y así la comida entrará en el juego de la polémica que tendrá sobre el final una sorpresa de adivinación.<br />
A la vez el show de los actores con lo auditivo nos irán introduciendo en la obra, pero ésos actores están y no se conocen ni se ven ...y solo su voz nos inducen en la obra con efectos sonoros y cantando temas musicales de un pasado porteño y recorriendo otros lugares tropicales.<br />
Con la dirección y producción de Martín Bondone; los actores Graciela Pereyra, Pablo Ugolini, Maximiliano Griro, Gabriel Griro, Carlos Cabrera, Belén Cabrera, Mateo Blesio Caldo, César Martínez</div>
, integran el elenco en su oscura representación.<br />
<b>Teatro Ciego: Borges 1974 T.E 4774 6603 </b>de<b> Miércoles </b>a<b> Domingo </b>a las<b> 21hs con reseva.</b>
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-48512472516130060482017-06-19T22:09:00.000-07:002017-06-19T22:09:19.899-07:00BOLLYWOOD; esplendor sin estrellas <div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7TzoszkL4yGgzw0cRg2xJ4Yw8MQXHR6tSBsW9CGwilznzCbw48i4JNHr9p6-fLsHtZ9C_zm1BJi3Jtos7e6-RMw031oDu-Da5UKUIMh6UVr_-BRDkSsvCRnixALwXT30Twgj61LNuXNA4/s1600/DCj1Q2mXoAEqXaK-bollywood.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7TzoszkL4yGgzw0cRg2xJ4Yw8MQXHR6tSBsW9CGwilznzCbw48i4JNHr9p6-fLsHtZ9C_zm1BJi3Jtos7e6-RMw031oDu-Da5UKUIMh6UVr_-BRDkSsvCRnixALwXT30Twgj61LNuXNA4/s400/DCj1Q2mXoAEqXaK-bollywood.jpg" width="400" /></a></div>
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<b>José María Muscari</b>, el director teatral más relevante de éste tiempo, vuelve con una nueva apuesta sobre las tablas:<b> "Bollywood, una industria sin estrellas"</b> que propone ser su propia estrella, que relaciona a la industria del cine indú. En éste caso se trata de una obra teatral donde el director a su estilo vuelve al under musical performático que contará la especial presencia de Magui Bravi en las coreografías.
La puesta será protagonizada por Emiliano Figueredo y Mariela Asensio con 50 artistas en escena (30 actores y 20 bailarines) seleccionados por casting, y muchos de ellos tienen su primer debut.<br />
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La trama de Bollywood toma a la industria cinematográfica india como disparador para reflexionar acerca del lugar de los actores en la Argentina respecto a los indios sobre el fenómeno de la fama y la trascendencia, el humor, y el lugar que cada uno ocupa en lo que hace sobre ciertos valores que podrán, o no, resonar en el espectador, todo ello a través de escenas y cuadros musicales y coreográficos.<br />
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A ingresar el público para ocupar las butacas, diez chicas recorren la sala con un vestuario sensual y se abanican dando la bienvenida y varios musculosos alumbrando con linternas saludan a quiénes van llegando.<br />
Con una puesta muy coreográfica de buen nivel y música pop se va desenvolviendo la propuesta indú y local que tiene el show, con textos algo irreverentes en determinados momentos en el abordaje de distintos temas sobre los que plantea una reflexión sobre las mujeres.<br />
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Muscari dice: <i>“Mis primeros espectáculos nacieron en el under y con el transcurso del tiempo pude cruzar la barrera para llegar a lo más comercial y mediático donde propone sacar fotos y filmar todo lo que quieras para viralizarlo en las redes sociales". </i><br />
Puede ocurrir que mucha gente no resista las obcenidades verbales y se retire antes ya que también es parte del show que no se resista al shock de sensibilidad vulgar, que degrada y no eleva por el solo justificativo que si no entendés al under no lo podés valorar. Interesante para reflexionar y sacar su propia conclusión.<br />
La propuesta actual será con acceso libre y gratuito y el público podrá colaborar “a la gorra” donde el director pide que sea alta. Para conseguir las entradas (las funciones serán todos los viernes y sábados a las 22, y domingos a las 20), el espectador deberá presentarse con dos horas de anticipación en la boleteria del nuevo Espacio IFT ubicado en Boulogne Sur Mer 549.</div>
emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-40180131482194423602017-06-12T06:22:00.000-07:002017-06-12T10:58:11.319-07:00Egmont - Sueño de una noche de verano<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJReBQpQvfDJ0AlzXnWrjGPkhAoVc3xDIV7CmwFsyc_d0Zd_Ux1HkYnYfBG1jvcfdtk834zsGoRK_7y-0VBgz59rsz1P_eudA0NbdHxb1zzdtAesIYxlsfJ9FcQDl_8PaaMzCMfA6lj6De/s1600/images-beethoven.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><b><img border="0" data-original-height="183" data-original-width="275" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJReBQpQvfDJ0AlzXnWrjGPkhAoVc3xDIV7CmwFsyc_d0Zd_Ux1HkYnYfBG1jvcfdtk834zsGoRK_7y-0VBgz59rsz1P_eudA0NbdHxb1zzdtAesIYxlsfJ9FcQDl_8PaaMzCMfA6lj6De/s400/images-beethoven.jpg" width="400" /></b></a></div>
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BALírica</b> presenta el 4 de junio la tragedia musical de Johann Wolfgang von Goethe <b>"Egmont"</b> de Ludwig van Beethoven y la música para la comedia de William Shakespeare, <b>"Sueño de una noche de verano" </b>de Felix Mendelssohn Bartholdy con la dirección de Orquesta de <b>Pedro Pablo Prudencio</b> y diseño de escena e iluminación de Héctor Calmet y la dirección de coro de Juan Casasbellas, en el Teatro Avenida.<br />
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<b>Beethoven - Egmont, op 84</b><br />
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Narrador:<b> James Murray</b><br />
Clarchen:<b> Daniela Tabernig</b><br />
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De la relación entre Ludwig van Beethoven (Bonn, 17 del 12 de 1770 y Viena, 26 del 3 de 1827, la producción de Wolfgang von Goethe, Frankfurt, el 28 del 8 de 1749, Weimar el 22 de 3 del 1832) es Egmont op.84 música destinada a la escena teatral en 10 partes que nació por encargo del Teatro de la Corte de Viena para la tragedia homónima programada para la temporada 1809/10.<br />
En el contexto político que se produjo el encargo para abordar el tema patriótico que exigía la libertad en 1809 cuándo Viena estaba ocupada por Napoleón.<br />
Egmont proviene del mismo período que otras músicas como "Las ruinas de Atenas" op. 113 y Rey Esteban op. 117 ambas sobre el drama de August von Kotzebue donde Egmont refleja los ideales del compositor por su fé en el príncipe benefactor con sus añoranzas de libertad tanto políticas como humanas, como en el personaje histórico donde Egmont es la justa sangre derramada del héroe por su pueblo a cambio de la libertad.<br />
En su tragedia "Egmont" (1788) Goethe relata la lucha del héroe contra el despótico Fernando Álvarez de Toledo , Duque de Alba, enviado por Felipe II para poner fin a la subversión contra la corona en los Países Bajos. Egmont bajo amenaza se rehusa escapar y renunciar a sus ideales de libertad es detenido por Alba, y abandonado por cobardía de su propio pueblo, a pesar de los esfuerzos de su amante Clarchen, termina condenado a muerte. Clarchen enfrentada a su desesperación pone fin a su vida, y la obra termina con su último llamado del héroe camino al patíbulo peleando por su independencia y su muerte revindica la victoria contra la tiranía. <br />
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El <b>Conde Lamoral van Egmont</b> nació el 18 de noviembre de 1522 en Hennegau, actual Bélgica que sirvió al emperador Carlos V como al sucesor Felipe II de quién era primo y en tiempo de guerra era de la caballería medieval conquistando algunas victorias y ser héroe del Imperio Español.<br />
Cuándo Flandes manifestó diferencias religiosas con España, Egmont y Felipe de Montmorency , Conde de Hoorn pidieron a Felipe II manifestarse contra la represión y llegada de la Inquisición a los Países Bajos sin respuesta favorable. En 1560 Egmont y el tercer líder Guillermo de Orange renuncian al Ejército Imperial y pidieron el retiro de los soldados de España, pero en conversaciones con su primo monarca en Madrid no llegaron a nada, y en 1567 el Duque de Alba llega a los Países Bajos para sofocar la rebelión y Orange huye a Alemania, Hoorn y Egmont deciden quedarse.<br />
El Duque de Alba conocido por si impiedad admiraba a Egmont y no impidió cumplir sus órdenes que ejecutó hasta el límite de la traición, donde el 9 de septiembre de 1567 los invita a su banquete para hacerlo apresar a pesar de tenerlo advertido a Egmont, pero éste como patriota formado en los ideales medievales no imaginó que el Imperio Español haría tal cosa, equivocándose y el 5 de junio de 1568 Egmont fue decapitado ante la multitud conmovida en el Mercado de Bruselas. Su auténtico verdugo el Duque de Alba lloró al ver rodar su cabeza como la de Hoorn.<br />
Egmont no fue traidor sino noble patriota con decisión de plantarse ante el soberano, hecho que Felipe II no perdono y su injusta ejecución encendió los ánimos populares contra España. Luego estalló la Guerra de Flandes o "de los Ochenta años" que dió el resultado de la liberación de los Países Bajos, y Egmont con su sacrificio pasó a la historia como liberador de la patria belga.<br />
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La Obertura ofrece una visión del drama a representar que comienza con graves y patéticos acentos de muerte de Egmont, prosigue con el idilio entre el héroe y Clarchen y finaliza con el símbolo de la liberación de Flandes del yugo de la España de Felipe II.<br />
Se describe el estado de decepción de Brackenburg porque Clarchen no es correspondido en su amor y pasa la agitación del pueblo flamenco que tiene que ver con la escena de apertura del 2° acto con el diálogo entre el Conde Egmont y Guillermo de Orange que le advierte a cerca del Duque de Alba , el enviado de Felipe II encargado de poner el orden severo.<br />
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<b>Sueño de una noche de Verano Op. 61 - Mendelssohn Batholdy</b><br />
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Narradores:<b> Alexia Moyano y James Murray</b><br />
Elfo I y II: <b>Daniela Tabernig y Laura Sangiorgio</b><br />
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<b>Mendelssohn Bartholdy </b>escribió la Obertura Sueño de una noche de Verano a los 17 años demostrando dominar el arte de la composición y su inspiración fue traducir alalemán la comedia de Shakespeare publicada en 1801 por Friedrich Schlegel y Ludwig Tieck. Con su Obertura se convirtió en el precursor del concierto, una creación que encararía con "Las Hébridas" en 1831 sobre texto de Goethe.<br />
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La Obertura "Sueño de una noche de verano" presenta fraseos en los violines y acordes que remiten a la corte del Duque Teseo que transmite una idea imitando a los rebuznos del burro, en clara alusión a Button. Se tocó por primera vez en Leipzig en su hogar paterno y la ejecución pública fue en febrero de 1827 en Stettin bajo la dirección de Carl Loewe que inició el romanticismo musical. Con el tiempo la obra se convirtió en la más prestigiosa y difundida de Mendelssohn Bartholdy pero durante el nacionalsocialismo sus partituras fueron prohibidas. Mendelssohn fue un director importante al exhumar "La Pasión según San Mateo" comenzó a conocer a Bach y junto a otros compositores difundió la obra de Mozart, Haydn y Beethoven se convirtió en intérprete de los conciertos de Mozart y Beethoven como pianista.<br />
Falleció en Leipzig a los 38 años de ACV y su música avanzó en el siglo XIX frente al canon wagneriano de un Romanticismo en éste siglo que comenzó apreciarse en su justa dimensión.<br />
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<b>La acción en una Atenas de cuentos de hadas.</b><br />
Durante los preparativos de boda del duque Teseo con Hipólita enredados en amores no correspondidos; Hermia ama a Lisandro pero está comprometida con Demetrio, el que a su vez es amado por Helena.<br />
Egea madre de Hermia se presenta ante Teseo para obligar a su hija a cumplir su compromiso. Entonces Lisandro y Hermia deciden huir, tras Hermia, Demetrio y trás él Helena y todos se pierden en el bosque, donde habitan Titania y Oberón los reyes de las Hadas, los cuáles están distanciados por una rencilla.<br />
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La discordia entre Oberon y Titania por Sir Joseph Noel Paton<br />
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Oberón decide castigar a Titania hechizandola con el juego de la flor del amor, que vestido sobre sus párpados dormidos, basta que una persona ame con locura la primera criatura que vea.<br />
En tanto en el bosque un grupo de actores rústicos encabezado por Bottom están ensayando el drama para festejar al duque en el día de su boda, y Puck un duende ayudante de Oberón transforma a Bottom en burro, que al ver ésto todos huyen pidiendo ayuda. Con sus gritos despiertan a la reina Titania de su encantamiento que se enamora de Bottom transformado en burro.<br />
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Escena de Sueño de una noche de Verano (Titania y Bottom)- Edwin Landseer<br />
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Oberón decide ayudar a los amantes con el mismo filtro de amor, pero ante las equivocaciones de Puck termina con los hechizos conservando el de Demetrio que se enamora de Helena.<br />
Ante el nuevo orden establecido los enamorados son disculpados y los rústicos representan su ridícula obra teatral "Príamo y Tisbe" que todos festejan, las parejas se casan junto a Teseo é Hipólita con la bendición de Titania y Oberón que ha recobrado el amor de su reina, y hace que lo recuerden sólo por el sueño de una noche de verano.<br />
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<b><br /></b> Camino al calvario, por Pieter Brueghel "el viejo"<br />
La pintura alude a la represión española en Flandes bajo la corona de Felipe II<br />
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Los graves sucesos se reflejan en el 3° acto cuándo aparece la Regente Margarita donde quedan expuestos los sentimientos de Clarchen frente a Egmont, entre ambos. Una marcha crea la idea de la intervención de las milicias del Duque de Alba como tirano y represor que arresta a Egmont.<br />
Evocadas las advertencias de Guillermo de Orange a Egmont que elige quedarse en Bruselas mientras que la Regente y aquél prefieren huir para salvar sus vidas. La desesperación de Clarchen busca envenenarse al comprender que nada puede hacer para salvar a su amado.<br />
La música anticipa el Melodrum de Egmont a la espera de su muerte, describe su sueño con la visión de Clarchen anunciando que su sacrificio traerá la libertad del pueblo oprimido.<br />
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En referencia al Melodram, Goethe apreció a Beethoven su genialidad y con una carta celebró al poeta con su Egmont donde meditó con fervor su música, y consiguió que la editorial le enviara al poeta una copia de la partitura a modo de homenaje. Egmont como pieza de teatro fue ejecutada en versión de concierto por Fredrich Mosengeil con textos declamatorios para voz masculina reemplazando el original de Goethe, que más tarde fueron reelaborados por Franz Grillparzer y hoy Buenos Aires Lírica ofrece su propia versión en castellano.<br />
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-35630256386120258072017-05-14T22:19:00.002-07:002017-05-14T22:32:51.681-07:00"NORMA" de Bellini<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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La originalidad de Vincenzo Bellini en <b>"Norma"</b> fue darle un tratamiento netamente romántico a una tragedia clásica. Parte del suceso de esta partitura operística es que se fue afianzando en el gusto del público después de un debut fracasado en 1831 en el Teatro alla Scala de Milán y hoy está considerada una de las obras maestras del siglo XIX y donde radica también en el libreto de Felice Romani, quién condensó en dos, los cinco actos originales de la tragedia de Alexandre Soumet y L. Belmontet en la cuál se basa, para otorgarle una calidad poética notable.<br />
Vincenzo Bellini falleció a los 34 años contando con un inmenso prestigio entre la mayoría de los colegas del siglo XIX, en especial Chopin, Liszt, Rossini, Verdi (<i>e incluso Wagner, que compuso un aria para Oroveso con la intención de que fuera cantada por el famoso bajo Luigi Lablache)</i>, le profesó admiración. Él concebía la ópera como un vínculo para la expresión y puso al servicio de éste su espíritu refinado en sus melodías que han permanecido inalterables.<br />
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<b>Juventus Lyrica</b> estrena el 12 de mayo la ópera de Vincenzo Bellini <b>"NORMA"</b> en el Teatro Avenida con el siguiente repertorio: Mariana Carnovali <b>(Norma</b>), Romina Jofre (<b>Clotilde)</b>, Nazareth Aufe (<b>Pollione</b>), Ramiro Pérez (<b>Flavio</b>), Nidia Palacios (<b>Adalgisa</b>), Mario de Salvo (<b>Oroveso</b>), Eliseo Benjamín Bossi (<b>Clodomir)</b>, Matías Romig (<b>Agenor),</b> con el coro estable de Juventus y dirección musical de <b>Hernán Sánchez Arteaga,</b> Vestuario de Cecilia Carini, Escenografía de Salvioli, Iluminación de Rubén Conde y Dirección escénica de Florencia Sanguinetti.<br />
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La temporada 2017 se abre con " Norma" en una moderna puesta en escena que acompaña a una sutil escenografía irregular que simula hielo y piedra, que tiene diversos planos escalonados por donde se desplaza la acción, con proyecciones, que mezclan los tiempos en el regodeo de voces del "bel canto" italiano de tradición celta y romanticismo alemán. Asumen potente las voces interpretativas de los cantantes, que de forma muy pareja estuvieron a la altura de los requerimientos vocales e interpretación de sus personajes, especialmente la virtuosídad de la soprano Mariana Carnovali en el aria más representativa de la "Casta diva" de vibrante solvencia que acompaña al resto de un elenco muy meritorio de voces equilibradas.</div>
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Argumento:<br />
Acto I<br />
En lo profundo del bosque sagrado, Los Druids se reunían en el altar ante su Dios Irminsul, donde el sacerdote, Oroveso los guiaba en la oración para vengarse de la conquista romana. Cuándo ellos se fueron, el procónsul romano, Pollione, le confesa a su asistente que no amaba a Norma la hija del sumo sacerdote Oroveso, pero que si se enamoró de su hija, Adalgisa. Ellos se fueron mientras que los Druids se reunían y Norma le rezaba al Dios de la luna por la paz. Después que los Druids se dispersaron, Adalgisa empezó a rezar por fuerzas para resistir a Pollione, pero cuándo éste aparece persuade a Adalgisa para escaparse con el a Roma al día siguiente.<br />
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En su recóndito escondite, Norma le dice a su amiga de confianza, Clotilde, que tenía miedo que Pollione la abandone a ella y sus dos hijos por una mujer cuya identidad ella no conocía. Su hijo sale de escena cuándo entra Adalgisa a confesarle a Norma que ella era su amante. Recordando su debilidad, Norma trata de perdonar a Adalgisa de sus actos, pero su amabilidad se convierte en furia cuándo aparece Pollione y le dice que él es pretendiente de Adalgisa. Sin embargo Pollione quería huir con ella, pero Adalgisa prefería morir antes que sacarle el marido a su madre.<br />
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Acto II<br />
Esa noche, con una daga en la mano, Norma trata de asesinar a sus hijos mientras dormía para alejarla de Pollione. Pero no tiene valor, y quiere entregarlos a Adalgisa para que los lleve a su padre. La chica se negó, rogando con su desesperada madre compadecerse de sus hijos. Norma abraza a Adalgisa, superada por su oferta de irse con Pollione y rogar por Norma. Los Druids se reunen en el altar para escuchar el anuncio de Oroveso que les comunica que Pollione será reemplazado por un comandante cruel. Pollione se enfureció con la esclavitud de Roma que el consejo impuso en ése momento, para hacer frente a una rebelión final más exitosa.<br />
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En el templo, Norma se quedó atónita al escuchar a Clotilde que la suplica de Adalgisa a Pollione ha sido en vano, y en una furia Norma impulsa a la gente a comenzar una guerra contra sus conquistadores. Oroveso exige una victima para sacrificar, y entra Pollione cuando el santuario había sido profanado. Solo Norma le promete su libertad si el renuncia a Adalgisa y vuelve con ella. Cuando el se opone, Norma llama a los Druids y confiesa su culpabilidad. Conmovido por su nobleza, Pollione insiste decidir su destino. Después de que Oroveso observa su hija, Norma dirige a su amado a la hoguera donde la multitud reza.<br />
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-16599869126642830922017-05-13T10:15:00.000-07:002017-05-13T10:37:32.368-07:00"Luisa Fernanda"<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<img height="337" src="https://galalirica.ip-zone.com/mailing-manager/domains/galalirica_ip-zone_com/files/img//18342517-258183114588496-8823506826241885372-n.jpg" width="400" /></div>
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La Zarzuela venía enmarcada en el entorno de la situación política de la época de la Segunda República, con la de los primeros tiempos en que se desarrolla la acción de la obra, ya sobre el final del reinado de Isabel II como preludio de la Primera República de la Revolución de 1868, también conocida como La Gloriosa o La Septembrina, por acontecer en el mes de septiembre, daría paso al conocido Sexenio Revolucionario el cuál finalizaría en enero de 1874 con el golpe de Estado del general Pavía, que pondría fin a la efímera Primera República Española..<br />
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El compositor Federico Moreno Torroba nació en Madrid el 3 de marzo de 1891 y murió también en Madrid el 12 de septiembre de 1982. En su amplia trayectoria de compositor, director de orquesta y empresario, destacan éxitos fuera del ámbito de la zarzuela, y sus composiciones para guitarra clásica.
Es en la opereta en que se instala la zarzuela, desde la primera "La Masonera de Tordesillas" (1925), hasta "Luisa Fernanda" (1932), de Federico Moreno Torroba con libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw entre otras, cierra con "María Manuela" en (1957) el exitoso ciclo que también tiene junto a "Doña Francisquita" de Vives, que venían ofreciendo éste arte de la comedia lírica más popular y alegre que se consideraba menor frente a la ópera, pero que impulsaron la Sociedad General de Autores de España con su denodado cariño por los temas madrileños y manchegos.<br />
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Como símbolo madrileño (la mazurca de las sombrillas) es parte emblemática de Extremadura y en Luisa Fernanda ocurre lo que en la mayoría de las zarzuelas donde la música está muy por encima del libreto.
Así ocurre también en su primera parte con la "habanera del soldadito", de ése apacible rincón de Madrid tan aprovechado por los tenores del impactante dúo de Vidal y Luisa Fernanda “En mi tierra extremeña”.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsHq9aTk9xGbCoEFSgfiWfe5a6kTKJt-mS7dLb5SslFsJR7l4xtCOn_1qHrnVAYIYmPsFHfAU1UqW8wxAPxAR9pziKyw5ky3UakwRDn0i3v8JlR59u71hO2i7gcIk_uMGj4BC0Ju-nxTzx/s1600/Archiv+28+---Luisa+Fernanda-fot+y+vid--Cassara+Lepage+Hotel+----+166.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="204" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsHq9aTk9xGbCoEFSgfiWfe5a6kTKJt-mS7dLb5SslFsJR7l4xtCOn_1qHrnVAYIYmPsFHfAU1UqW8wxAPxAR9pziKyw5ky3UakwRDn0i3v8JlR59u71hO2i7gcIk_uMGj4BC0Ju-nxTzx/s320/Archiv+28+---Luisa+Fernanda-fot+y+vid--Cassara+Lepage+Hotel+----+166.jpg" width="320" /></a></div>
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Luisa Fernanda, es una humilde joven veinteañera enamorada del apuesto al tiempo que mujeriego, coronel Javier Moreno que no acaba de decidirse por ella, pero no soporta que esté con otro; una muchacha educada en un ambiente conservador (su padre, Don Florito, es un antiguo escribiente de palacio y un ferviente monárquico).<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl7-h-qDX0bOh3Wzeu7iLbIMMht2LILmJPk4e3hDCAUx4Y50xOhV_dwgjFUAENeU40XQQksdjSDNMbCTzwz_GIlejtIVGjyRRCamsCynvq3msA6JgPr0d-DrBn57fGzAX2Sm7ygwCkJcz7/s1600/Archiv+28+---Luisa+Fernanda-fot+y+vid--Cassara+Lepage+Hotel+----+175.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl7-h-qDX0bOh3Wzeu7iLbIMMht2LILmJPk4e3hDCAUx4Y50xOhV_dwgjFUAENeU40XQQksdjSDNMbCTzwz_GIlejtIVGjyRRCamsCynvq3msA6JgPr0d-DrBn57fGzAX2Sm7ygwCkJcz7/s320/Archiv+28+---Luisa+Fernanda-fot+y+vid--Cassara+Lepage+Hotel+----+175.jpg" width="320" /></a></div>
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Vidal Hernando hacendado extremeño, pretende a Luisa Fernanda ante el desapego de su novio y de la sinceridad de su amor ella no duda, pero no puede dejar de querer a Javier. Es la omnipresente lucha entre la razón y los sentimientos, tan comunes en los argumentos dramáticos de la nueva sociedad burguesa que se estaba construyendo.<br />
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-45231798006109324702017-05-13T06:04:00.002-07:002017-05-13T06:04:54.584-07:00Ballet Hamlet Ruso<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVHUk79_GPAsO6SRO8vREt7BjMKCOCG3V2LXQwo_ifmk5KaEnYTFK9Z4Dl5tSznFJio3NvoT1lON7g184ZMWCXieNsbZHT6GL7tjJx8s6P3NSX1uYw1ATg5zxXXYyJX2La1QMylRI7-dtz/s1600/ARCHIV+27+operas+257.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="185" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVHUk79_GPAsO6SRO8vREt7BjMKCOCG3V2LXQwo_ifmk5KaEnYTFK9Z4Dl5tSznFJio3NvoT1lON7g184ZMWCXieNsbZHT6GL7tjJx8s6P3NSX1uYw1ATg5zxXXYyJX2La1QMylRI7-dtz/s320/ARCHIV+27+operas+257.jpg" width="320" /></a></div>
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El "BNS" Ballet Nacional Sodre de Uruguay, bajo la dirección del Maestro Julio Bocca, vuelve a Buenos Aires con <i id="yui_3_16_0_ym19_1_1494560515162_4441" style="-webkit-padding-start: 0px;"><b>HAMLET RUSO</b></i>, una obra emblemática del coreógrafo Boris Eifman, del 10 al 13 de mayo en el Teatro Ópera.<br />
Es la primera vez que ésta compañía presenta un ballet completo fuera de Uruguay. Se basa en la vida del Príncipe Pablo, quién se convertiría en el Zar Pablo I de Rusia.<br />
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El coreógrafo no sólo propone representar la conocida trama de la verdadera historia de la dinastía Romanov, la lucha por el poder entre la Emperatriz Catalina la Grande y su hijo, sino que brinda una mirada profunda sobre la psiquis, un punto de vista filosófico sobre la forma en la que el poder político corrompe las relaciones humanas y lleva a las personas a colapsar, sumiendo al príncipe de la corona en un estado de locura.<br />
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<i>"El verdadero arte comienza más allá de las palabras, cuándo el silencio se instala"</i>, afirma Boris Eifman, un bailarín que fundó su propia compañía en 1977 para romper con las férreas reglas del academicismo ruso y revelar así su voluntad de independencia. Desde entonces, Eifman desarrolla su propio estilo frente a los dominantes en la danza clásica y la contemporánea; resiste a las corrientes y a las modas para imponer una forma de expresión muy personal, según la cuál "todo reside en la estética, pero la belleza formal del gesto no es un fin en sí. Eso no significa que la cualidad plástica de la coreografía sea menos importante que el hecho de encontrar una cierta intensidad dramática en las situaciones.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK41y37kyBBzntNjgxJQUQR_GVywXlBq8xiJ3ru8h54Obvcp1_RCr4j4V-ODiBmBZKnzxA-FruTOK_q0mFqSvUbx_WVLKkPT0irKYMgZADkuSix8zFIt6tyMwP8BIeIQxqOUOp9JD6u5xB/s1600/ARCHIV+27+operas+263.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK41y37kyBBzntNjgxJQUQR_GVywXlBq8xiJ3ru8h54Obvcp1_RCr4j4V-ODiBmBZKnzxA-FruTOK_q0mFqSvUbx_WVLKkPT0irKYMgZADkuSix8zFIt6tyMwP8BIeIQxqOUOp9JD6u5xB/s320/ARCHIV+27+operas+263.jpg" width="320" /></a></div>
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Boris Eifman, como coreógrafo tuvo la genial fantasía de fusionar un fragmento de la historia de su país con el planteo que ofrece la obra shakespeareana. Hay una dramaturgia potente que deriva de un texto dramático en el cuál no se hace necesaria la palabra, porque todo está expresado con el movimiento de los intérpretes y suma con la iluminación marcando una poderosa impronta.<br />
Para disfrutarla no hacen falta las teorías, alcanza con la sensibilidad estética.
El atractivo del<b> "Hamlet ruso"</b> radica en la amalgama que se establece entre la disciplina de la danza y la teatral, a tal punto que no son necesarias las palabras para entender la historia.<br />
Un capítulo aparte merece la música, con una perfecta banda de sonido, porque el coreógrafo no recurrió a las composiciones de ballet, sino a las sinfonías de dos grandes alemanes: Beethoven y Mahler.
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0x3gUuPfl2S72gJs-OhWPqi6-1OlqE_3fUX_9uO-oYXkfSWERFe2_jqYp-H5zr9WjBgRgYUnWVR0o6SIt7ybx6yh2fB8H13fwu_e5pNdHubvRUowp1FDVsek1QHjzf-tlv9m969Oxk-5k/s1600/ARCHIV+27+operas+256.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0x3gUuPfl2S72gJs-OhWPqi6-1OlqE_3fUX_9uO-oYXkfSWERFe2_jqYp-H5zr9WjBgRgYUnWVR0o6SIt7ybx6yh2fB8H13fwu_e5pNdHubvRUowp1FDVsek1QHjzf-tlv9m969Oxk-5k/s320/ARCHIV+27+operas+256.jpg" width="320" /></a></div>
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El segundo movimiento de la Séptima Sinfonía sirve para subrayar la ambición y las luchas por el trono, del mismo modo que "Claro de luna" ilustra el erotismo de la escena de la noche de bodas.
En cambio, en la segunda parte Mahler se impone por su peso dramático, allí donde se conjugan las pasiones y la muerte.
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw-trzEnK7-PZJemwNjy2TuNugpoyN-FKc1EMTkaHZR_2J1em4-35YprtBU1FAzvqe1p_DsS77fL8zT0xh5WrJlCS7Wp-844EGRZ2ZwEbEYE8vULw01yltjomhJhnl8SoS6HS1Vb_Q_j_4/s1600/ARCHIV+27+operas+254.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw-trzEnK7-PZJemwNjy2TuNugpoyN-FKc1EMTkaHZR_2J1em4-35YprtBU1FAzvqe1p_DsS77fL8zT0xh5WrJlCS7Wp-844EGRZ2ZwEbEYE8vULw01yltjomhJhnl8SoS6HS1Vb_Q_j_4/s320/ARCHIV+27+operas+254.jpg" width="320" /></a></div>
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-52345436496428881232017-05-01T06:19:00.000-07:002017-05-01T08:21:43.635-07:00"Cena Gourmet a ciegas buscando sensaciones"<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij0ThbzTPDkmgZmX9pY5_l8GAfEzpVxEwfyCy_o5iqodbBST9-bPfAQV45Z-KH5YNvwV8h45D-pKRqZIyyeIcFgFnsJVocZ7GpDG_gEDHygzE5jRSraMSmoaDRZebtYwqv1c5PN1YDX5Oy/s1600/Banner_Web_800x315px-aciegas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="156" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij0ThbzTPDkmgZmX9pY5_l8GAfEzpVxEwfyCy_o5iqodbBST9-bPfAQV45Z-KH5YNvwV8h45D-pKRqZIyyeIcFgFnsJVocZ7GpDG_gEDHygzE5jRSraMSmoaDRZebtYwqv1c5PN1YDX5Oy/s400/Banner_Web_800x315px-aciegas.jpg" width="400" /></a></div>
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<div dir="ltr" id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_116627" style="-webkit-padding-start: 0px; border: 0px; font-family: Arial; font-size: 14px; outline: 0px; vertical-align: baseline;">
<span id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_116950" style="-webkit-padding-start: 0px; color: #333333;">El espectador ingresa en un recinto en una total oscuridad y es ubicado por el guía en su mesa indicada é invitado a comer que inicia el show con un grupo de actores que se desplazan e integran;</span><span id="yui_3_16_0_ym19_1_1492519347936_27557" style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit;"> </span><span id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_116957" itemprop="name" style="border: 0px; color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit; margin: 0px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">Graciela Pereyra</span><span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit;">, Gabriel Griro, </span><span gabriel="" griro="" span=""><span id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_116961" itemprop="name" style="border: 0px; color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit; margin: 0px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">Maximiliano Griro</span><span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit;">, </span><span id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_116963" itemprop="name" style="border: 0px; color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit; margin: 0px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">Pablo Ugolini</span><span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit;">, </span><span id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_116965" itemprop="name" style="border: 0px; color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit; margin: 0px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">Belén Cabrera</span><span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit;">, </span><span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit;">Brenda García sobre una idea de Martín Bondone del </span><span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit;">Centro Argentino de Teatro Ciego </span><span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit;">con la dirección de </span><span style="color: #333333; font-family: inherit; font-style: inherit; font-weight: inherit;">Gabriel Griro. </span></span><br />
<span style="color: #333333; font-style: inherit; font-weight: inherit;">El show reconoce un antiguo bar porteño guiado por la cadencia de una voz cantante acompañada por el pianista </span><span style="color: #333333; font-style: inherit; font-weight: inherit;">Carlos Cabrera.</span></div>
<div id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_117324" style="-webkit-padding-start: 0px; font-family: "Helvetica Neue", Helvetica, Arial, "Lucida Grande", sans-serif; font-size: 24px;">
<div id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_117323" style="border: 0px; color: #333333; display: inline; font-family: inherit; font-size: 14px; font-weight: inherit; margin: 0px; outline: 0px; padding: 0px; vertical-align: baseline;">
<span id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_117322" style="font-family: "arial"; font-style: inherit;">El espectador recorrerá con su mente escuchando los principales temas y estilos musicales de una revisión que irá reconociendo paulatinamente. Completamente a oscuras, éste espectáculo propone también un menú diferente, (</span><span style="font-family: "arial"; font-style: inherit;"><i>opción</i></span><span style="font-family: "arial"; font-style: inherit;"> </span><span style="font-family: "arial"; font-style: inherit;"><i>espacial para celíacos ó vegetariano</i></span><span style="font-family: "arial"; font-style: inherit;">) se tomará al ta</span><span id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_117379" style="color: #333333; font-family: "arial"; font-style: inherit; font-weight: inherit;">nteo con la mano izquierda hacia derecha, </span><span style="color: #333333; font-family: "arial"; font-weight: inherit;"><i>(con opción a copa de vino, gaseosa ó agua</i></span><span style="color: #333333; font-family: "arial"; font-style: inherit; font-weight: inherit;">) permitirá a los comensales ir descubriendo por las sensaciones degustativas los sabores y aromas de las raciones al plato, de 6 pasos especialmente elaborados,..</span><span id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_117141" style="color: #333333; font-family: "arial"; font-style: inherit; font-weight: inherit;">..rememorando sabores conocidos y otros no tan reconocibles u olvidados, y la sorpresa será al final que sorprenderá cuándo se haga conocer el menú. </span></div>
</div>
<div id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_117324" style="-webkit-padding-start: 0px; font-family: "Helvetica Neue", Helvetica, Arial, "Lucida Grande", sans-serif; font-size: 24px;">
<span id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_118325" style="color: #333333; font-family: "arial"; font-size: 14px; font-style: inherit; font-weight: inherit;">Un espectáculo que combina la música y la alegría, el teatro contando historias variadas del amor de antaño con cierto humor, efectos sonoros, sensación de lluvia y viento y algunos sensaciones olfativos que se perciben como el aroma azahar, agua de mar a pescado, verde del bosque, acompañando la comida.para sentir una experiencia única y diferente, recomendado por su originalidad envuelto en un manto de suave terciopelo en total oscuridad que incentiva el buen gusto y los sentidos del placer.</span></div>
<div id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_117324" style="-webkit-padding-start: 0px; font-family: "Helvetica Neue", Helvetica, Arial, "Lucida Grande", sans-serif; font-size: 24px;">
<span style="color: #333333; font-family: "arial"; font-size: 14px; font-style: inherit;"><b>Teatro Ciego:</b></span><span style="color: #333333; font-family: "arial"; font-size: 14px; font-style: inherit; font-weight: inherit;"> Zelaya 3006 T.E 6379 8596 de Miércoles a Domingo a las 21hs con reseva.</span></div>
<div id="yiv2001450052yui_3_16_0_ym19_1_1492442901843_117324" style="-webkit-padding-start: 0px; font-family: "Helvetica Neue", Helvetica, Arial, "Lucida Grande", sans-serif; font-size: 24px;">
<span style="color: #333333; font-family: "arial"; font-size: 14px; font-style: inherit; font-weight: inherit;"><br /></span></div>
</div>
emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-60153427234197261582017-04-14T12:51:00.002-07:002017-04-24T22:37:05.574-07:00 "La Coronación de Poppea"<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaOTOMMQlD6rCIpyJEcfk2iN5KAkMJxICYUCtOYOow6gR_eSSgy_7hGTnOrSwiLa1A8ICMFJu2CLh66q-JuAsOAzBY4Qx19ixr7ojGdqVr8WD-hq8m5A-J7zyPKoHUumZBqUDfT5dimdqY/s1600/images-poppea.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="390" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaOTOMMQlD6rCIpyJEcfk2iN5KAkMJxICYUCtOYOow6gR_eSSgy_7hGTnOrSwiLa1A8ICMFJu2CLh66q-JuAsOAzBY4Qx19ixr7ojGdqVr8WD-hq8m5A-J7zyPKoHUumZBqUDfT5dimdqY/s400/images-poppea.jpg" width="400" /></a></div>
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<b>Claudio Monteverdi</b>, nacido en Cremona y vivió en la transición del siglo XVI al XVII, y el 9 de mayo cumplirá 450 años de su nacimiento es quién nos ha dejado los primeras obras maestras del género, genialidades que en nuestros días han cobrado una renovada trascendencia y reconocimiento y por tal fue llamado "el padre de la ópera" aunque no haya sido el creador, pero si el de la obra polifónica sacra y profana en los oficios de la Basílica de San Marco.<br />
La historia de la ópera comienza una generación antes, en el palacio del conde Giovanni Bardi en Florencia, donde un grupo de jóvenes amigos (la "Camerata Bardi") se reunía para especular sobre el drama griego y cómo sería su representación realmente. Eran los tiempos en que la forma musical favorita era "el madrigal", una pieza cantada donde el texto era interpretado en forma polifónica por tres voces distintas, una forma que se había llegado gracias a la fuerte influencia de los maestros del norte de Europa.<br />
El madrigal, decían los Bardi, tenía líneas melódicas diferentes y no podía dar lugar a una interpretación dramática convincente, y sabemos ahora que los griegos declamaban el texto de una manera semicantada, y apoyados en ésa teoría compusieron escenas dramáticas con el formato que llamaron stile "rappresentativo" y que hoy conocemos como recitativo.<br />
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Descartada la polifonía hubo que inventar un sostén armónico para la única voz cantada - por ejemplo, un bajo con acordes a improvisar. Nace el "bajo continuo"... ése fue el germen de la ópera <i>(palabra que en italiano significa, sencillamente, "obra")</i> y ahí comienza lo que en la actualidad damos en llamar, en música, el estilo Barroco.
Bajo éstos principios se fueron componiendo obras teatrales completas, primero con gran éxito en los salones de la nobleza donde los príncipes competían por las puestas en escena más costosas y espectaculares <i>(como sabemos, un vicio del que la ópera nunca se logró deshacer por completo)</i>.<br />
El primer compositor que desarrolló las nuevas ideas a fondo fue Jacopo Peri (1561-1633) cuya Dafne de 1594 es la primera ópera de la historia. A lo largo de un cuarto de siglo la declamación se hizo aún más expresiva, el bajo continuo tomó dimensión de orquesta, se incorporaron más elementos melódicos y nace el "aria" hasta que la ópera trascendió los palacios, se difundió en teatros públicos y fue millones.<br />
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Venecia lideró la ópera como género popular en Italia durante la mayor parte del siglo XVII y tuvo épocas en las que funcionaron hasta cinco teatros en una misma noche, los libretos -junto con una vela- se vendían en las esquinas y los autores eran celebridades reconocidas. Monteverdi llegó a ser una de ésas celebridades. Ya era un compositor destacado cuándo se interesó por el naciente género: nacido en Cremona en 1557, su carrera culmina como maestro di capella de la Basílica de San Marcos de Venecia y tanto sus libros de "madrigales" como sus composiciones polifónicas para la iglesia eran altamente valoradas.<br />
Atraído por el nuevo principio teatral comprendió que debía componer de otra manera - según una "seconda prattica", como él mismo la llamó.<br />
Esa otra manera era el recitativo que tanbién venía funcionando pero él lo profundizó hasta lograr sus creaciones que han resistido el paso de los siglos. ´Escribió unas "dieciocho" óperas aunque solamente se conservan tres: Orfeo, "Il ritorno d´Ulisse in patria" y la última,<b> L´incoronazione di Poppea</b>. Orfeo, particularmente, es considerada como la primera obra maestra indiscutida de la ópera. Se estrenó en 1607 en el palacio ducal de los Gonzaga en Mantua.<br />
Cuándo se desprendió de los palacios y del mecenazgo de los príncipes, la ópera pudo dejar de ser correcta al abandonar su temática de seres mitológicos e incorporar personas vivientes.<br />
Precisamente Poppea de 1642-43 es una de ésas obras tal vez la primera, que hablan de personas y de sus defectos y es ésa una de las características que la hacen tan moderna. Por la aparente inmoralidad de la historia -el excepcional libreto de Giovanni Francesco Busenello- fue siempre motivo de discusión, pero no debe olvidarse que el contenido de la obra, como el de innumerables otras de siglos pasados, era conocido por un público que sabía que el verdadero Nerón terminó por matar a Poppea pateándola en el vientre cuándo estaba embarazada. <br />
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Aquí debemos mencionar que precisamente ése dúo no es obra de Monteverdi, pertenece a Benedetto Ferrari, uno de sus alumnos. No debemos sorprendernos ya que en aquellos tiempos prevalecía el concepto de "taller" del artista del cuál participaban también sus discípulos y asistentes. Por ésta razón en Poppea se incluye a quién fuera el célebre sucesor de Monteverdi en Venecia Francesco Cavalli (1602-1676), hoy es imposible asegurar exactamente a quién pertenece cada pieza; lo que sí sabemos es que el plan general y la supervisión de la obra son inequívocamente de Claudio Monteverdi.
Monteverdi murió en Venecia en noviembre de 1643. Por el comentario de un pionero en el redescubrimiento y la interpretación de la música antigua de Nikolaus Harnoncourt:<i> "Es difícil comprender la frescura intelectual con la que un compositor de 74 años de edad fue capaz de sobrepasar a sus propios alumnos en el estilo más moderno de su tiempo y de establecer estándares aplicables al teatro musical de los siglos venideros".</i><br />
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<b>Prólogo:</b> Fortuna, Virtud y Amor discuten sobre quién es la más poderosa. Amor se declara superior y asegura que lo demostrará con la historia que sigue.
Roma imperial, alrededor del año 60 de nuestra era. Ottone, héroe militar del Imperio Romano, regresa a su casa y espera encontrarse con su amante Poppea. Pero Poppea se ha entusiasmado con el emperador Nerón, quién quiere casarse con ella y hacerla emperatriz: nada más tentador para la muy ambiciosa. Aunque Nerón, para eso, primero debe divorciarse de su esposa Ottavia.<br />
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Séneca, filósofo, maestro y consejero del emperador desaprueba la idea y especialmente recomienda a Poppea no seguir adelante. Nerón entonces se enfrenta con Séneca quién no tiene otra alternativa que suicidarse.
Definitivamente rechazado por Poppea, Ottone concluye que debe matarla, para lo cuál es alentado por otro antiguo amor: Drusilla. Ayudado por Drusilla y disfrazado con sus ropas, Ottone intenta asesinar a Poppea pero fracasa debido a la intervención del Amor.<br />
Cuándo todos creen que Drusilla es la culpable, Ottone confiesa. Nerón, aunque les perdona la vida, los manda al exilio, junto con Ottavia que ha admitido su complicidad en la conspiración.<br />
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Entre el 22 al 23 de abril BAlirica y Nuova Harmonia pondrá en el <b>Teatro Coliseo</b> la L´Incoronacione di Poppea, ópera en 2 actos de casi 3hs con intervalo sobre libreto de Gian Francesco Busenello con el siguente elenco; Nerón<b> Santiago Burgi (</b>Tenor<b>),</b> Popea<b> Cecilia Pastawski (</b>messosoprano<b>), </b>Octavia<b> Luisa Francesconi (</b>messosoprano<b>), </b>Ottone<b> Martin Oro (</b>contratenor<b>), </b>Séneca<b> Iván García (</b>bajo<b>),</b> Drusila y Fortuna<b> Victoria Gaeta (</b>soprano<b>) </b>y<b> </b>Arnalta<b> Gloria Rojas (</b>contralto<b>)</b> con la dirección musical de <b>Marcelo Birman</b>, puesta en escena de<b> Marcelo Lombardero</b>, escenografía de <b>Daniel Feijóo</b>, vestuario de <b>Luciana Gutman</b>, coreografía de<b> Ignacio González Cano</b> e iluminación de<b> Horacio Efron</b>.<br />
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Del musical de recitar cantado que venía de la Camerata Florentina se intercalan canciones que cambian el concepto del espectáculo musical y teatral al inventar un género que no tenía posteridad anterior y se componía para ser interpretadas en ocasiones especiales o por única vez.<br />
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La Popea de Lombardero es una versión propia más allá de cuál sea la verdadera o de aquellas dos que se conservan y son distintas entre sí, incluyen al manuscrito de Nápoles que nada tiene y no el de Venecia que tiene dos actos copiados por su esposa con anotaciones y cortes, pero en ambas se encuentra con el "bajo continuo" o algunas melodías del "ritornelli".<br />
Popea es una obra sobre el poder y el deseo irrefrenable que debe satisfacerse a toda costa y nada importa al imperio de Nerón, frente a su deseo por Popea explícitamente sexual, pero a pesar de ello Popea desea el trono caiga quién caiga. El duelo entre la virtud, la fortuna y el amor caerá defendido por éste, entendido como puro deseo de amor carnal, a pesar que el final no fue escrito por Monteverdi sino por Cavalli o supuestos Francesco Sacrati o Benedetto Ferrari aún sin dilucidar pero cierto es que causa un efecto extraordinario.<br />
En lo estético opina Birman se tomaron decisiones de visión actual de la realidad para nuevos públicos de concepción abierta con cortes dramáticos y agregando sinfonía tienen el propósito de cautivar a todos que frecuentan éste género.</div>
emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-81332640656241917312017-01-22T18:54:00.003-08:002017-01-22T18:54:55.992-08:00"Cabaret TROPICANA tour 2017"<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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"Tropicana" fue creado en La Habana en 1939 y conocido como el "paraíso bajo las estrellas" por realizarse al aire libre en los bosques para aprovechar el fresco del verano para sus bailes tradicionales con ritmos de Guaracha,Cumbia y Bolero.
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Se conformó del ballet, el carnaval y el circo incorporando su vestuario colorido ritmo y sensualidad como espectáculo artístico con sus representaciones en en el Royal Albert Hall de Londres, Casino de Montecarlo, Beacon Theatre de Broadway con reconocidas figuras como Carmen Miranda, Celia Cruz, Nat King Cole, Pedro Vargas, Liberace entre otros. Actuó además junto a Buena Vista Social Club y la Nueva Trova Cubana como lo más significativo de la cultura cubana para el mundo y que éste show hace referencia a su tributo.
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikcyICgb9yh-5XF5HWy6-pkOvJeBUDri5137yIp-p3bNSldLfGP5rUbNbjbjb9f3sacK-iN71uUsiaBxF2a-9bnhc6nTLojqJDP83JT8qIdxq5dDv0icuHo4cvDbbpm7RcuL9oFlxtcmSv/s1600/CAM02410-+TROPICANA+cabaret+45.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikcyICgb9yh-5XF5HWy6-pkOvJeBUDri5137yIp-p3bNSldLfGP5rUbNbjbjb9f3sacK-iN71uUsiaBxF2a-9bnhc6nTLojqJDP83JT8qIdxq5dDv0icuHo4cvDbbpm7RcuL9oFlxtcmSv/s400/CAM02410-+TROPICANA+cabaret+45.jpg" width="400" /></a></div>
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-21805460930705246342017-01-07T10:48:00.002-08:002017-01-09T04:43:44.541-08:00"STRAVAGANZA sin REGLAS para el AMOR "<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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El 12 de enero estrena en el Teatro Broadway, "<b>STRAVAGANZA </b>sin reglas para el amor" con Nacha Guevara, Eleonora Cassano, Felipe Colombo, Gisela Bernal, Mariela “La Chipi” Anchipi y más de 30 artistas en escena con la dirección de Flavio Mendoza,</div>
Con Con 30 artistas en escena, acróbatas y bailarines cuentan la historia de Virgilio (Felipe Colombo), un joven bohemio que llega al mítico Salón Roma en busca de inspiración para escribir su primer tango y así convertirse en poeta.<br />
Para esto se nutrirá de los consejos de La Musa (Nacha Guevara), quién será su guía e inspiración, y El Mudo, un amigable clown que le enseñará el valor de la amistad. Para escribir sobre el amor ideal Virgilio creará tres personajes: Malena (Eleonora Cassano) quien representa la lealtad, Floreal, la ternura y Astor, la pasión.
Juntos formarán un triángulo en el que aparecerán nuevas formas de amar, y en éste espectáculo cada uno escribe su propia historia de AMOR. Un show único en la Argentina, con nivel internacional: pantalla móvil LED de 50 cuadrados, sistema de rieles para traslados de vuelos, sistema de vuelos adentro del escenario, plataformas hidráulicas, experiencia de sonido envolvente y más de 60 cabezales móviles con el siguente elenco y personajes: <span style="text-align: left;">MUSA: Nacha Guevara,VIRGILIO: Felipe Colombo,MALENA: Eleonora Cassano,FLOREAL: Sebastian Acosta,ASTOR: Leonardo Luizaga,
MUDO: Roman Rodriguez, Espíritu del Sur: Mariela Anchipi, Bailarina destacada: Gisela Bernal.</span>
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-25256320983523280252016-12-05T21:46:00.000-08:002016-12-09T19:25:17.895-08:00Club Tinetense de Residencia Asturiana<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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El Club Tinetense Residencia Asturiana de Buenos Aires reúne a gran cantidad de comensales en el festejo de Fin de Año 2016 con un almuerzo en honor a los fundadores y música del conjunto de gaitas "Raíces Asturianas" en un encuentro cordial y nostálgico.<br />
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Con el dinero que se recaudaba en banquetes, rifas, donaciones comenzaron las obras y transcurrieron los años desde 1984 a 1987. En el ínterin, el 12 de abril de 1986, mediante una Acta de Fusión quedaban integradas ambas instituciones, formalizando su nueva identidad y consolidando su presencia en la colectividad.<br />
Desde su fundación, hasta nuestros días, el Club Tinetense Residencia Asturiana, fue transformándose de acuerdo a las necesidades del momento, así a partir de su fundación encara obras de adaptación de la sede social para transformarla en una residencia, que en forma escalonada se fueron incorporando ancianos e indigentes asturianos contando con la ayuda del Instituto Español de Emigración.<br />
Para absorber la creciente demanda de solicitudes de ingreso a la Residencia, se diseña en proyecto de ampliación de la Residencia a partir del 12-3-91, fecha en que se presentaron los planes del Proyecto de Ampliación, con la colaboración de la Embajada de España, Consulado General de España, Consejería Laboral y de Asuntos Sociales y Fundación España. Gracias al tesón y sacrificio de nuestra Comisión Directiva y asociados, se fueron incorporando progresivamente en los años 1996 a 2000, ancianos y discapacitados españoles.<br />
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Como reflexión final el Club Tinetense Residencia Asturiana, a través de sus años de vida, ha cumplido con lo que es su lema: Al SERVICIO de ANCIANOS y DISCAPACITADOS, y con las ayudas detalladas, logró la realización de sus infraestructuras necesarias para mejorar la calidad de vida de nuestros ancianos y discapacitados, brindándoles alojamiento, alimentación, atención médica y lo que es más importante AMOR y COMPRENSIÓN, una atención integral con servicio de manualidades, peluquería, podología, actividades físicas, implantación y desarrollo de programas de animación socio-cultural y de carácter asistencial.<br />
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-61229873390650901672016-11-12T08:33:00.000-08:002016-11-13T07:48:28.341-08:00"Madama Butterfly" , trágica ilusión de amor<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Con el final de la temporada <b>Juventus Lyrica </b>estrena el 11 de noviembre la ópera de Puccini <b>"Madama Butterfly" </b>en el Teatro Avenida.<br />
En 1885 un marino francés pasó por Nagasaki y anotó en su diario la relación pasajera con una jóven japonesa de 17 años llamada O-Kane -San. Tres años después bajo el seudónimo de Pierre Loti publicaba una novela basada en ése hecho autobiográfico como Madame Christantheme.<br />
La mujer de un misionero metodista que tenía vivido junto a él en Nagasaki contó a su hermano escritor John Luter Long la desventura de una jóven que esperaba en vano con su hijo el regreso de su amante, y Long se inspira en ésa historia junto al relato de Loti para escribir el cuento de "Madam Butterfly" publicado en una revista en 1898.<br />
El dramaturgo y productor David Belasco se interesó por el tema y pidió a Long llevar la historia al teatro que estrenó el 5 de marzo de 1900 con éxito y Giacomo Puccini al ver la obra en el Teatro del "Duque de York" tomó el tema para su próxima ópera dónde su personaje principal serían sus amadas heroínas, y entonces el músico pidió autorización a Belasco para transformar en ópera formalizando el acuerdo.<br />
Puccini se interiorizó de la música japonesa y buscó también conocer las inflexiones de sus costumbres y el idioma.<br />
Butterfly tiene como única heroina a lo largo de toda la obra donde muestra al personaje desde niña como geisha con su trama psicológico posterior hasta los antagonismos reales que detemnina el drama en su tragedia musical y psicológica.<br />
Se estrenó el 17 de febrero de 1904 en Teatro alla Scala de Milán que fue escandaloso y tuvieron sus autores hacer algunas revisiones para mejorar su aceptación, cuándo después de cuatro meses el estreno en Brescia fue con mejor aceptación, y ése mismo año en julio en Buenos Aires es representada con éxito, al ser considerada la más amada por Puccini quién afirmaba que nunca se cansaba de escuchar. <br />
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Con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illiaca basada en la obra de David Belasco´, Escenografía de Gastón Sanchez, Diseño de Vestuario de María Jaurarena, la dirección musical de Antonio M. Russo. y dirección y puesta de escena de <b>Ana D´Anna</b>.<br />
Sus intérpretes son: Mdm Butterfly, soprano <b>Cintia Velázquez,</b> Pinkerton: tenor <b>Marcelo Gómez</b>, tenor, Susuki: mezzo <b>Rocio Arbizu,</b> Yamadori: Josué Miranda, Bonzo: <b>Mario de Salvo</b>, Goro: Norberto Lara, Prima de Batterfly: Natalia Bereskyj y otros.<br />
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Acto 1<br />
Ante la preparación de la boda de Cio-Cio-San (Mdma Butterfly) el teniente norteamericano Pinkerton conoce su nueva casa guiado por Goro, mientras le confiesa a Sharpless, cónsul de Nagasaki que su boda no es nada serio para él.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAYO6kgCY4M3Mw2X8ANO5CRgW-RAK2VG5FJwoBEGvHLNCxx41CYBKEPvY90zR1-lrJBU5t0cg2eCe1Y13ylmgjwZcN80DWZD7ThVWv0WfzZXZljzbXdR2ciVUX7w_ucSbbN0xlPXaKkIfL/s1600/CAM01695.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAYO6kgCY4M3Mw2X8ANO5CRgW-RAK2VG5FJwoBEGvHLNCxx41CYBKEPvY90zR1-lrJBU5t0cg2eCe1Y13ylmgjwZcN80DWZD7ThVWv0WfzZXZljzbXdR2ciVUX7w_ucSbbN0xlPXaKkIfL/s320/CAM01695.jpg" width="320" /></a></div>
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Llega Butterfly con sus amigas y parientes para celebrar la boda, pero se ve alterada por la llegada de Bonzo que revela que ella ha renegado de sus religión y su familia que provoca un escándalo entre sus parientes que se retiran decepcionados mientras Bonzo maldice a Cio-Cio-San, y Pinkerton la consuela acongojada a pesar de haber abrazado la fé de su amado.<br />
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Acto 2<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEQJv07KTyi19buuw4e1utW4g_pcF6EfQyAXPUsZluODqkEBkoieabWZ-z1ekOi6VeJ4THl7CyH7HUmHIs5Ve7j3RTutd9ox1gCJbya9tpAqhxN-RwWhRvEkKgrarVkgaZrvvP3K7fAGcj/s1600/CAM01698.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="142" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEQJv07KTyi19buuw4e1utW4g_pcF6EfQyAXPUsZluODqkEBkoieabWZ-z1ekOi6VeJ4THl7CyH7HUmHIs5Ve7j3RTutd9ox1gCJbya9tpAqhxN-RwWhRvEkKgrarVkgaZrvvP3K7fAGcj/s200/CAM01698.jpg" width="200" /></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjo10oI1F0CmpIRUH0mQndNtEHBU0sEFywEok2L8SUNmkevd7JYcaJ8W1xg94QgVvN7wTnEE4MsRzBbG_NXGOvoNtChdjnkYiqHzLwc0MwJBGqBTvsXMg0Q5_oS02184TuoC3lslhu27qAZ/s1600/CAM01701-Mdm+Butterfly+20.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="127" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjo10oI1F0CmpIRUH0mQndNtEHBU0sEFywEok2L8SUNmkevd7JYcaJ8W1xg94QgVvN7wTnEE4MsRzBbG_NXGOvoNtChdjnkYiqHzLwc0MwJBGqBTvsXMg0Q5_oS02184TuoC3lslhu27qAZ/s200/CAM01701-Mdm+Butterfly+20.jpg" width="200" /></a><br />
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Pasado tres años que Pinkerton dejó Nagasaki, Butterfly le dice a Susuki que no perdió la esperanza de volverlo a ver regresar, pero el teniente lo hace de visita ya casado y le pide a Sharpless que le avise de su llegada. Pero antes de la noticia Goro trae al príncipe Yamadori como un rico pretendiente y le explica que según las normas japonesas es libre de volver a casarse, pero ella se molesta y termina echando a Yamadori.<br />
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Cuándo Sharpless pregunta que hará si su amado no vuelve, Butterfly señala a su hijo y responde que volverá cuándo sepa que el niño existe y de pronto se escucha un cañonazo que anuncia que el barco de Pinkerton está llegando al puerto y Susuki y Buttefly preparan su recibimiento.<br />
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Acto 3<br />
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Finalmente aparece Pinkerton con su esposa Kate y Sharpless muy alterado por la noticia de que ha tenido un hijo con la japonesa sin saberlo, no se atreve a presentarse, no sin despedirse antes de la casa que le trae tantos recuerdos. Butterfly entra y al ver a una mujer adivina la verdad que ha venido a llevarse su hijo y le dice que lo entregará si su padre viene a buscarlo.<br />
Trás despedirse llorando de su hijo, Butterfly tomo la decisión de suicidarse con la espada de su padre.<br />
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-52609007206124244512016-10-25T12:11:00.000-07:002016-10-25T12:11:16.803-07:00"AGRIPPINA"<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Desde el 24 de octubre y por seis únicas funciones, <b>BALírica </b>en el Teatro Picadero representará <b>"Agrippina"</b>, una experiencia de teatro musical basada en la joya operística de Georg Friedrich Händel, que escribió su ópera durante su estadía en Italia en 1709 y es universalmente conocido como el autor de “El Mesías”.</div>
En ésta representación Buenos Aires Lírica presenta la fusión única entre la ópera y el teatro musical que permitirá darle un nuevo brillo a ésta trama que tiene vigencia en el actual momento histórico.<br />
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<b>Georg Friedrich Händel </b>(Halle, Alemania, 1685; Londres, 1759) fue uno de los máximos exponentes del arte barroco y el estilo de la música de todos los tiempos. De gran intelecto, autor de más de 40 óperas, nos dejó a los 24 años una obra maestra: Agrippina.<br />
El estreno tuvo lugar en el carnaval de Venecia de 1709-1710; el compositor mostró un admirable dominio del estilo, una gran inspiración melódica y una concepción madura del drama musical. El libreto del cardenal Vincenzo Grimani describe, a la manera de las óperas italianas de la época, la pelea entre Agrippina y Poppea, la primera de las cuáles quiere instalar en el trono del Imperio Romano a su hijo Nerón y la segunda, a su amante Ottone.
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Agrippina, hermana de Calígula, madre de Nerón y casada en segundas nupcias con su tío Claudio, hace honor a su familia: ansiosa de poder manipula a todos. Dueña de una personalidad avasalladora, logra que todos confíen en ella y le cuenten sus secretos. El destino parece no favorecerla, pero gracias a la información que maneja y la influencia que ejerce sobre los demás, incluida la hermosa Poppea y el favorito de Claudio; Ottone, logrará torcer la situación para lograr su objetivo.
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La obra construída sobre una estructura clásica combina una sucesión de "recitativos" con arias sobre los sentimientos del personaje que dá virtuosimo a los intérpretes con belleza melódica, armonía y fuerza expresiva.<br />
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Con la puesta en escena de Ignacio González Cano y un conjunto de ocho músicos dirigido por el maestro Carlos David Jaimes, las voces líricas más sobresalientes de la nueva generación interpretarán los diálogos en español y momentos musicales inolvidables.
Elenco: <b>Rocío Giordano</b> (Agrippina), <b>Walter Schwarz </b>(Claudio), <b>Oriana Favaro </b>(Poppea), <b>Cecilia Pastawski </b>(Nerone), Sergio Carlevaris (Lesbo), <b>Pablo Travaglino</b> (Ottone), Luis Loaiza Isler (Pallante) y Adriano D´Alchimio (Narciso).<br />
Vestuario: Denise Massri y Mercedes Nastri, Escenografía: Noelia González Svoboda, Producción General: Alejandro Farías.<br />
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La libertad artística que se disfrutaba en Venecia en 1709 nada tenía que ver con la de los Estados Pontificios. Haendel usó el libreto para componer una música muy adecuada a ésta ópera irreverente como era habitual en la época del furor del género, pasajes conocidos de otras óperas y oratorios de la mismos tiempos barrocos consiguen tener en ésta ópera una gran frescura musical y momentos muy inspirados.
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Hay ocasiones en que una cantante tiene que asumir la responsabilidad de echarse a la espalda una ópera con todo y ésto es lo que ha ocurrido con Rocío Giordano. También destaca su bella actuación de Oriana Favaro de excelente voz.<br />
El público se mostró muy cálido con los artistas, dedicando una recepción triunfal pareja a todos sus intérpretes en los saludos finales, que nunca fueron individuales.<br />
Funciones 24 y 31 de octubre. 7, 14, 21 y 28 de noviembre, 20 hs
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1193791246954960294.post-89569305925713975122016-10-21T11:36:00.003-07:002016-10-21T11:39:04.922-07:00"Malcovich" se presenta en Buenos Aires<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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El actor brindó una conferencia de prensa antes de sus tres presentaciones en el teatro <b>Coliseo </b>con <b>"An Evening with John Malkovich"</b> basado en "Informe sobre ciegos", de Ernesto Sábato, en el primer acto, y "Las alturas de Machu Picchu", de Pablo Neruda, en el segundo.<br />
Malkovich habló de su primer contacto con Sobre héroes y tumbas. <i>"Mucho tiempo atrás me lo envió una profesora de Transilvania -dijo-. Yo estudiaba semántica y ella creyó que me podía interesar. El actor destacó de Sabato "lo trágico, hermoso y a veces extremadamente divertido de sus textos"</i>.
Cuándo conoció a la pianista Anastasya Terenkova que recordó lo mucho que le apasionaba la obra de Sabato. Lo que siguió fue un nuevo deseo de hacer algo con ella. "Sabato es uno de los grandes novelistas, como García Márquez y Faulkner.<br />
Malkovich contó que estuvo en contacto con Ernesto Sábato aquellos años en los que soñaba con llevar la obra al cine. <i>"Eso fue cuándo quise adquirir los derechos para hacer la película".</i> Luego seguí en contacto con su familia.<br />
El cineasta argentino Mario Sábato, hijo de Ernesto Sábato (1911-2011), cuándo se le pregunta sobre la interpretación que realizará ésta noche el actor estadounidense John Malkovich sobre el "Informe sobre ciegos", de Sobre héroes y tumbas(1961), escrito por su padre, dentro del espectáculo An Evening With John Malkovich" sé que Malkovich estuvo siempre obsesionado, sobre todo con el «Informe para ciegos», y cuándo me enteré de que estaba buscando los derechos del libro, me alegró. <i>"Creo que él tiene una saludable dosis de locura como para enfrentar éste proyecto, si no sos sanamente un poco loco, no te metés con semejante cosa, ya que alguien normal no podría hacer esto"</i>, recalca Sabato.
<i>Me dijo que sentía mucho respeto hacia mi trabajo y que esperaba que yo disfrutara haciéndolo, cosa que hice, aunque no pude obtener financiación para finalmente concretarla</i>", se lamenta el actor.<br />
En ésta presentación en el Coliseo el actor interpretará lecturas en inglés, con subtítulos, acompañado de una orquesta en vivo dirigida por el armenio Sergey Smbatyan y el argentino Gustavo Fontana, más dos solistas, la pianista Anastasya Terenkova y la chelista Nina Kotova.<br />
El espectáculo ya fue presentado en Alemania, Inglaterra, Corea del Sur y Finlandia, y consta de dos actos, comienza con el concierto de Alfred Schnittke para piano y orquesta, más el relato de "Informe sobre ciegos", para rematar con los acordes de la obra de "The Protecting Veil", de John Tavener.
Mario Sabato acudirá ésta noche al teatro con tres de sus hijos y le entregará a Malkovich una copia de la película que hizo en 1979, <b>"El poder de las tinieblas"</b>, protagonizada por Sergio Renán y basada en "Informe sobre ciegos", que Malkovich desconocía hasta éstos días.<br />
A mi padre lo conocí demasiado y a Malkovich nada, sólo por su obra, y me parece un loco lindo. Mi papá no era un loco simpático, era bastante fanático y la tragedia estaba siempre a flor de piel. Todo lo que él pudo escribir sobre el alma humana no fue a pesar de su locura o de su visión trágica de la humanidad, sino justamente por eso se pudo sumergir en ésos mundos y sacar ésas imágenes, que fueron premonitorias de la posterior corporización del mal en nuestro país.<br />
Es prudente fijarse en la visión de los que parecen que entran en zonas tenebrosas, quizá nos sirve para ver qué nos espera en el futuro, señala el cineasta. Para Malkovich, interpretar ésta obra en la Argentina es un desafío: <i>"Voy a ver qué aprendo de ello"</i>, dice Sábato.
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emilio domechttp://www.blogger.com/profile/07971237217687275031noreply@blogger.com0