"STRAVAGANZA" un show acuático

El escenario se ilumina y descubre a la piscina con un escenario neumático que se elevará a 5 metros, dejando tres espacios en el frente de la platea: la piscina iluminada, el primer escenario y el segundo elevado, además dos palcos del teatro en los laterales donde se encontrará la banda en vivo y la cantante, que se usaran como pequeños escenarios.
En un marco circense con mucha danza, contorsionismo, acrobacias, trucos acuáticos y danza aérea transforma a “Stravaganza” en un show diferente que contiene música y canciones en vivo, con la fuerza del agua que juega como su lei motiv protagónico.
El espectáculo hizo la taquilla en Carlos Paz y se espera ahora lo mismo en Buenos Aires en el Teatro Brodway remodelado y acondicionado, que en sus primeras funciones se agotaron las localidades. Flavio Mendoza hace brillar a su elenco y en especial a  Noelia Pompa con su energía con su danza española y árabe además de volar por el aire, Cinthia Fernández se luce con las destrezas acrobáticas sobre una plataforma elevada en forma de barco, y acertada la incorporacion de Carlos Guedes y Christian Barbieri en un apartado del humor con dos personajes muy divertidos aplaudidos por el público, acompañado de un excelente grupo de bailarines,nadadores y acrobatas que completan el show.
Éste music hall acuático sorprende con la pantalla led que cambia con formas, fondos, proyecciones y colores brillantes, el sonido e iluminación se realza con la música en pista como la que se interpreta en vivo.
Asi es funcional el show desde la coreográfia y los segmentos cómicos de un cuarteto humorístico¨ que no parece bien ensamblado, donde son buenas sus intenciones, pero desajustado su diálogo hace caer notoriamente el nivel del show. en cambio la participación de un artista como Diego Reinhold junto a diversos cuadros coreográficos elaborados por Romina Propato realzan la estética del espectáculo con la dirección artística de Flavio Mendoza.

BARCELONA; entre una ciudad antigua y moderna abierta al mar

Para el visitante llegado como el que suscribe o para cualquier otro, a la ciudad vieja de Barcelona lo sorprende un núcleo de casco histórico de mediados del siglo XVII, donde vivió encerrada entre sus murallas irregulares y abigarradas que se acumulan las huellas de los 2000 años desde la Barcino romana, hasta la Barcelona del siglo XXI inscripta hoy en un mundo moderno y globalizado. 

Sus 450 Has la dividen en cuatro zonas; la central es la del barrio gótico más antiguo que conserva rasgos medievales con vías angostas empedradas é iglesias centenarias, del otro lado la Rambla donde está el Raval, fue marginado durante años por el barrio chino, y hoy es la puerta de la evolución del desarrollo donde conviven comunidades diversas que se combinan con actividades culturales, comerciales y de ocio en su tradicional escenario presidido por la espléndida rambla del Raval, a su derecha se encuentra un área que integra a Sant Pere, Santa Caterina y la Ribera donde está el Born, una vieja relación entre la ciudad y el mar como nacida de extramuros en el siglo XIII, para construir una ciudadela miltar que posteriormente sería transformada en parque, para llegar a conservar la Ribera su trama medieval, y muy cerca se encuentra el barrio marinero la Barceloneta construído en el siglo XVIII, donde su Port Vell reúne la zona comercial, las oficinas, las embarcaciones del servicio náutico, muelles pesqueros y a sus pescadores con atmósfera mediterránea que bordea al puerto con la playa para tentar al ocio. 

La visita obligada de quién llega es transitar la Rambla, una calle boulevard con una explosión de vida y color propia al circular por su paseo peatonal personas de todas partes del mundo hasta altas horas de la noche, y es la línea divisoria entre el barrio Gótico y el Raval. Su directriz enlaza al mar Mediterráneo con el Eixample jalonado por puestos de venta variados y de flores.

El Eixample-Gracia es el corazón céntico de Barcelona que define una racional trama urbana diseñada por Ildefons Cerdá luminosa, arbolada, comercial y cultural del siglo XIX que se abrió al futuro como así Gracia con su encanto peculiar de sus calles dejadas por reminisencia de los viejos núcleos rurales para no perder su carácter esencial en ésta zona central de la ciudad que se conserva para el paseo en su recorrido tranquilo y sosegado.

Tiene también su fachada marítima hacia el mar desde la reforma urbana por motivo de los Juegos Olímpicos en 1992 recuperando su puerto en el tráfico de mercancías y sus estaciones marítimas de cruzeros con líneas que unen a las Baleares y que también incluye a las playas de Barceloneta.

La Vila Olímpica construída como residencia para los atletas es un gran puerto deportivo que se extiende con sus playas hasta el Forum de las Culturas, donde se transformó la fachada marítima de Sant Martí en 2004. En el Forum se siguieron pautas innovadoras con áreas de congresos para 15.000 personas configurando un espacio de futuro sustentable.

Sants-Montjuic es el distrito más extenso de Barcelona con una superficie que abarca la quinta parte al englobar la vieja villa de Sants, Hostafrancs, Poble-sec o La Bordeta como el área del puerto y la zona Franca. Esta zona está cerrada por la montaña de Montjuic con su castillo que resguardaba la costa, y su forestación fue urbanizada para la Exposición de 1929 y en los juegos de 1992 con el Anillo Olímpico, su jardín Botánico, museos y otros emprendimientos. 

El Anillo Olímpico de Montjuic fue el escenario principal de los juegos en 1992 con su estadio Palau Sant Jordi, las pisinas Picornell, el Instituto Nacional de Educación Física y su torre de comunicaciones.

En Barcelona se destaca su Catedral de la Santa Cruz de estilo gótico catalán iniciada en 1298 erigida junto a las murallas de la época medieval sobre el mismo emplazamiento anterior de la primera catedral paleocristiana del siglo IV, y la segunda de estilo románico entre los años 1046 y 1058. Su construcción fue ardua y para no interrumpir el culto se derribaba por parte el edificio románico, a medida que avanzaba la obra gótica que se terminó a mediados del siglo XV, y su fachada quedó inconclusa faltando sus pináculos y decoración escultórica. Cuatro siglos después con la Exposición Universal de 1888 su terminación fue inspirada por el proyecto de maestro francés Carli en el siglo XV con fachada neogótica, y añadieron dos torres laterales para realzar su esbeltez decorativa.

En el día de Corpus Christi de su festividad se coloca por tradición un huevo vaciado sobre el surtidor de agua de la fuente gótica del claustro, si el huevo resiste la jornada bailando sobre el chorro sin caer, el año será venturoso.

El gran claustro fue construído en la mitad del siglo XIV de forma rectangular con cuatro galerías como naves, con bóvedas de crucería sostenidas por arcos ojivales, y en su centro un jardín arbolado con un estanque donde se bañan trece ocas, cantidad coincidente con la edad que tenía santa Eulalia cuándo fue martirizada.

La Basilica de la Sagrada Familia es el símbolo religioso de ésta ciudad por ser la más célebre por su original arquitectura artística creativa de Antoni Gaudí . 

Pero curiosamente Gaudí no fue su primer arquitecto ya que previamente llevó la iniciativa de un devoto librero barcelonés que proyectó el estilo neogótico previo, por Francesc de Paula del Villar, un arquitecto oficial del arzobispado, pero las diferencias de crfiterio entre Villar y el promotor de la obra le permitió a Gaudí como artista prometedor en su época se hiciera cargo de la obra al año de su inicio, cuándo solo se había construído la cripta y el ábside. 

Al asumir lo edificado se comenzó a construir en 1882 donde el arquitecto genial Gaudí no dudó en cambiar el proyecto por algo más ambicioso con una estructura revolucionaria, robusta y de mayor altura con 45m en el interior de la nave central, y 125 en las torres existentes con 170m en el cimborrio por construir, lo que demoró 43 años para completarse, desde sus 31 años de su carrera profesional hasta pocos diás antes de su muerte en 1926 que lo encontró con el inicio de la fachada del Nacimiento, orientada al noreste que puede considerarse su mayor herencia gaudiana.

La manzana entera que ocupa el Eixample se fue transformando como una tabla bíblica sobre la piedra con infinidad de pasajes y personajes bíblicos y referencias esculturales en amplios espacios verticales y horizontales para adaptar el templo a las necesidades del culto.

Así éste genio experto en liturgia católica concentró sus esfuerzos para dejar encaminado y bien definido el símbolo de la fachada para que sus seguidores que siguieron con la dirección de las obras que no llegó a ver terminadas, tuvieran la visión clara de sus ideas revolucionarias para el conjunto del templo donde se muestran los hechos de la infancia y la adolesencia de Jesús que representan al Nuevo Testamento, como la Anunciación, la Adoración de los Reyes, la Huída a Egipto, y la matanza de los Santos Inocentes. 

En su construcción se vertieron conocimientos técnicos y artísticos renovadores para afirmar la aspiración de su trabajo creando los arcos hiperboloides para difundir la luz como fuera las hojas   de la propia naturaleza extraída de la observación natural, para crear los ornamentos y estructuras hiperbólicas de las bóvedas que lo diferenciaba de lo convencional de otros edificios.

Al asumir la muerte de Gaudí solo se habían completado la cripta, el ábside, parte de la fachada del claustro y comenzado el Nacimiento con las cuatro torres a punto de terminar, sólo pudo ver una, la torre-campanario a la que se dedicó durante los últimos doce años. 

Por su ausencia y los problemas de financiación, y diez años después la Guerra Civil provocaron la paralización de la obra hasta 1954, que se inició con la fachada de la Pasión pero sus bocetos y planos desaparecieron en un incendio intencionado durante la Guerra Civil, en ellos se especificaba 5 naves y un claustro ambulatorio que rodeaba la edificación, 3 fachadas grandes porticadas con 18 torres y 12 campanarios dedicados a los apóstoles, 4 torres a los evangelistas, 1 consagrada a la Virgen María y una más elevada dedicada a Jesús ubicada sobre el cimborrio del templo, llamado a ser el edificio más alto de la ciudad.

De las 18 torres solo 8 se terminaron que corresponden al Nacimiento y la Pasión, pero ésta última obra del escultor Joseph Maria Subirachs contrasta con la vitalidad y candidez que trasmite la fachada opuesta que narra el sufrimiento y muerte de Jesús, con las figuras angulosas y hieráticas en el contexto del mural con su total desnudez ornamental como había previsto Gaudí en sus bocetos. 

A fin de cubrir en su nave central un espacio para albergar 14.000 feligreses con un coro de 1.200 cantores, el arquitecto creador catalán se inspiró en la naturaleza para las columnas arborescentes ramificadas (de 1,40m y 1,75m de diámetro de granito y basalto, y 4 columnas que soportan a la nave y el crucero de mayor peso que alcanzan los 2,20m de diámetro son de pórfido, una roca ígnea de mayor resistencia) para sostener las bóvedas con forma de hojas de palma con lucernarios que permiten entrar la luz natural.

Así la Basílica de la Sagrada Familia es una de las iglesias más célebre del posmodernismo del mundo por su original y creativa arquitectura, y su edificación que reproduce los plazos no habituales en la época de las grandes catedrales, cuando construir una iglesia gótica demandaba medio siglo de trabajo y ahora en el siglo XXI la Sagrada Familia sigue construyéndose y remodelando.

A la Sagrada Familia se la considera como la Basílica del tercer milenio ya que sus torres no se han terminado hasta el 2012 y está prevista su finalización aproximadamente para el 2030, y conocida desde su inicio como la "Catedral de los Pobres" por tratarse de un templo expiatorio por aporte de donaciones anónimas, no se puede calcular con exactitud la finalización de sus obras.

Ya en 1906 Gaudí gozaba de gran popularidad en Barcelona como arquitecto de importantes mansiones construídas para los poderosos industriales de la época, entre ellas la Casa Calvet premiada como mejor edificio en 1900 y cinco años después la Casa Batlló que causó admiración por su audacia y creatividad y no era para menos cuándo su mayor admirador era el empresario Pere Milá, cuyo padre fue socio de Batlló y decidió encargar a Gaudí su nueva residencia en el chaflán del paseo de Grácia y Provenza donde viviría en la planta principal, y los pisos superiores estarían destinados a alquiler.

Con su madurez creativa innovadora personal proyectó un estilo ecléctico en su interior ante la incomprensión de su dueño que acabó enfrentándose calificado por la sociedad barcelonesa de forma despectiva como una pedrera (cantera), por sus formas naturalistas en su fachada arquitectónica con volúmenes pétreos ondulantes y sus interiores de contornos oblicuos y circulares y en el exterior el hierro forjado de audaces amasijos retorcidos formaban las banderillas de los balcones y terrazas.

La Casa Batlló y el Parque Güelll se consideran las obras donde Gaudí se despojó de la influencia de los estilos históricos gótico, mudejar y barroco para aplicar su propia convicción creativa basada en las formas de la naturaleza, y aumentar la altura en las construcciones por la cuál se topó con la limitación municipal.

Para conservar su proyecto cumpliendo con la ley tuvo que diseñar una cubierta sinuosa con tejas romboidales que simulan las escamas de pescado que entra en contacto con la casa vecina Amatller, con el objeto que observada desde abajo del paseo se viera la continuidad de los dos edificios, y para conservar su configuración con las ventanas se colocó un sustrato en revestimiento de piedra, cerámica y vidrio para dejar la fachada Batlló con mayor atractivo que su vecina y aprovechar captar la atención de los transeúntes.

Sus balcones son tallados en piedra de formas orgánicas asemejan huesos en la parte baja y el resto el espacio se llena con diminutas piezas cerámicas vidriada que brillan al sol sobre una superficie ligeramente ondulada con un efecto similar que produce la visión impresionista.

Al patio de luces, Gaudí le reservó la reforma estructural más importante del inmueble al mejorar su iluminación y ventilación, aprovechando el espacio de la escalera interior con la luz cenital, y revistió con azulejos reflectantes al patio y vidrió las pequeñas terrazas de los pisos inferiores.

El piso principal fue destinado a vivienda de su propietario con decoradas paredes, mientras que con el desván impregnado del naturalismo que Gaudí tiene por la predilección orgánica manifiesta su estancia, por la sucesión que forman los arcos catenarios que dán la sensación de estar dentro de la caja toráxica de un animal.

Con la posterior expansión urbanística del Eixample, el paseo de Gracia se convirtió en el eje principal y la calle preferida céntrica de los burgueses adinerados enriquecidos por varias décadas de buena actividad económica, decidieron contratar a los mejores arquitectos en ese boulevar para residencias cómodas y lujosas.

Así se levantaron en la manzana de la discordia la Casa Lleó Morery obra de Lluis Domenech i Montaner autor de Palau de la Música, Casa Mulleras de Eric Sagnier Villavecchia también autor del Tibidabo, la Casa Amadtller de Josep Puig i Cadalfach y autor de la Casa de los Punxes iniciadas en 1904.

A diferencia de la época hoy la Casa Milá más conocida como "La Pedrera" se considera su proyecto más emblemático en la obra gaudiniana encargado por el industrial Pere Milá y su esposa Roser Segimon, ya al concebir su proyecto, el arquitecto tenía adquirida la seguridad de sus planteamientos estructurales y estéticos, que le permitió despojarse de todas las sumisiones a la tradición constructiva de la época y permitir adelantarse con nuevos e innovados caminos artísticos sin explorar.

Así es el resultado de La Pedrera un edificio rústico por sus aspecto pétreo exterior de paredes alabeadas, arcos parabólicos de audacia impropia de la época, y veamos sus características y detalles.

En un solar de esquina opuesta al Batlló en el paseo de Grácia, surge un inmueble de seis pisos con sótano y desván en una estructura de pilares y vigas de hierro colado que le permitía adaptar una distribución interior de cada piso a las necesidades del vecino, adelantándose el concepto de "planta libre" una idea que se acuñó durante dos décadas después de los racionalistas, y para reforzar ésto Gaudí diseña una fachada autoportante sostenida en sí misma por una estructura independiente del resto del edificio, unida por viguetas empotradas en los bloques de piedra. Otra innovación es el sótano para permitir un estacionamiento de autos para los españoles con un gran doble vestíbulo de acceso para maniobra, que permitiera la salida por la calle lateral Provenza y facilitar la circulación.

La luz era importante para Gaudí y para ello prescindió de escaleras nobles hacia los pisos superiores y colocó ascensores (novedad para la epóca) proyectando tres cajas de escaleras en lugares más discretos conectados a la zona de servicio en los pisos.

La planta principal quedó reservada para la familia Milá con 1300m2 equivalente a 10 departamentos grandes que cuenta con 35 salas, incluyendo antesalas, baños y servicios siendo el único piso que se accede por los vestíbulos por tramos de escaleras exclusivas. En los pisos superiores se divide en 3 ó 4 viviendas todas con porción de fachada principal, trasera, patio interior y balcón.

El Espacio Gaudí pertenece al desván en el último piso uno de los lugares de más carácter de la arquitectura gaudiniana que permite conocer los elementos de su producción por la línea de su trabajo, el diseño visual y empírico y la interpretación de su vida, y obra de sus craeaciones con planos, maquetas, objetos, fotos y videos, y donde la exposición se divide en siete ámbitos, uno de ellos integramente al proyecto y diseño de La Pedrera.

En la azotea a plena luz del día un insólito lugar por su fuerza artística de sus esculturas dispuestas a lo largo corresponden a tres tipos de construcción: las cajas de escalera, las torres de ventilación y las chimeneas Helicoidales todas tratadas con trencadís (piezas de cerámica rota) y los elementos ornamentales de ventilación están enlucidos y pintados. 

Las barandas de piedra perimetral son ondulantes con forma de la fachada principal que armoniza entre la fachada y la cubierta.

En su cuarto piso de la planta del edificio ocupado por dos viviendas, en la primera un audiovisual nos acerca al período de la Semana Trágica (1909) y la Exposición Internacional de Barcelona en 1929. 

En la segunda se recreó la vida de una familia de burguesía barcelonesa del primer tercio del siglo XX, reconstruída con los mobiliarios originales en su interior con los pomos, tiradores, molduras, elementos decorativos, obras de arte, puertas y pavimentos y la cocina conservando sus elementos de uso con su equipamiento doméstico de época poniendo de manifiesto su habitabilidad.

En su planta principal o noble residía la familia Milá y en 1992 fue inaugurada como sala de exposiciones con su barandilla trabajadas de cintas de hierro torsionadas, murales decorados con trencadís con columnas de piedra esulpidas con motivos ornamentales como ciertos fragmentos en los cielorasos, juega con la idea de dar continuidad con los ritmos ondulantes de la fachada exterior.

La espectacularidad de su fachada y originalidad de su azotea La Pedrera está considerada como el edificio más sobresaliente incluído en el Patrimonio Artístico con la declaración como Monumento Histórico-Artístico de interés Nacional por parte del Gobierno español en 1969 y cuando la UNESCO lo inscribe como Patrimonio Cultural Mundial en 1984. 

Gaudí ha dejado a lo largo de su vida 14 obras básicas que demuestran la evolución constante de su ideas arquitectónicas a saber, en 1878 las Farolas de la Plaza Real en piedra con columnas de hierro fundido, cromados y un simbólico casco de Mercurio con alas.

Casa Vincens en 1888 de estilo mudéjar estructurado en piedra, ladrillo y cerámica de colores azul con amarillo con arco parabólico.

En los Pabellones de la finca Güell en 1887 hace una artesanía decorativa, un dragón de hierro colado amenazador en una reja que cierra la entrada a la finca, evoca la gesta de Hércules en el jardín de las Hespérides.

Palau Güell en 1888 Gaudí hizo su espacio cálido, elegante y una magestuosa azotea con juegos de columnas, cúpulas, hierro forjado y madera todo de exhuberancia decorativa multicolor usando trencadís con vidrio que confiere un aire mágico al espacio.

ElColegio de las Teresianas en 1899 de arcos parabólicos con una austeridad exterior que contrasta con la calidez de su ambiente interno con una adecuada distribución de la luz.

El edificio de la Casa Calvet en 1899 incorpora elementos ornamentales de la estética gaudiniana con nuevos materiales conforma una anatómica explosión de formas vegetales moderna.

En la Iglesia de la Colonia Güell de 1898 y terminada en 1917 situada a 12 Km de Barcelona donde ensayó los funículos y tensores de maqueta invertida, columnas invertidas con arquitectura hiperboloide y bóvedas de ladrillo a la catalana de paraboloide hiperbólico, con nervaduras y columnas de descarga plurifuncionales, para obtener una atmósfera de recogimiento por su volúmen espacial y el cromatismo de sus ventanas.

En la Casa Bellesguard de 1900-09 de estructura gótica contrasta con su interior con su estructura a base de arcos de ladrillo voladizo, con techos y terrazas sin viguetas.
El Parque Güell, 1900-14 fue el intento de crear una naturaleza plena donde no hay lineas rectas sino todo es ondulado o torcido y en la escalinata por boca de una salamandra sale agua de lluvia recogida por una cisterna situada debajo de la sala hipóstila como espacio destinado a mercado con una terraza abierta a la lluvia.

La Puerta de la Finca Miralles en 1902 es un muro pétreo coronado con tejas de cáscara de tortuga, como otro exponente creativo de la estructura gaudiniana.

Antoni Gaudí i Cornet  nació en Reus, provincia de Tarragona en 1852, hijo de una familia de caldereros, y desde pequeño observaba como su padre y abuelo en su taller cercano a Riudoms, con buen dominio de las manos y un martillo sobre planchas de cobre conseguían crear formas redondeadas con delicadas y sutiles formas para los objetos cotidianos de uso.

A los 17 años su familia lo mandó a Barcelona a estudiar arquitectura, era ya diestro con las manos é imaginativo y observador con conocimientos matemáticos se estacó como alumno en la Escuela de Arquitectura, tambien levantó recelo con sus profesores por sus prácticas poco ortodoxas del tratamiento de las formas estructurales. De carácter reservado pero convencido de su capacidad llevó a la práctica sus ideas que llamó la atención a la burguesía catalana que confió en él para hacer obras creativas diferentes, entre los cuáles Eusebi Güell fue para quién más trabajó hasta su obra póstuma trás una crisis espiritual; construyó el templo de la Sagrada Familia, hoy Basílica aprobada en ceremonia de dedicación por S.S. Benedicto XVI en noviembre de 2010.

Murió en Barcelona el 7 de junio de 1926 a los 74 años atropellado por un tranvía.

"El REPORTERO" donde lo imposible se vuelve real

Una comedia dramática que invita al público a formar parte de un estudio de televisión, con todos los preparativos donde permitirá transcurrir un reportaje en vivo, entre un exitoso y popular conductor televisivo Alejandro “Ruso” Levi, y un empresario con aspiraciones políticas Horacio Carreras, un empresario minero y dueño del canal en el que se emite el programa, al decidir lanzar su campaña política en un medio de comunicación que cree, será complaciente a sus aspiraciones.
 La obra comienza con los preparativos de la asistente de producción y posterior desarrollo en un ajustado y verosímil programa televisivo, al “desnudar” el mecanismo que se pone en marcha detrás de un proceso de revisión de ribetes actuales informativos en cuál los medios vienen siendo objeto desde años en el país y lo que la gente en sus casas puede ver a través de la pantalla de su TV.
Entre risas, tensiones y un reportaje que abandona el “protocolo”  "El reportero" pone al descubierto el estrecho vínculo existente entre poder, medios y política, al exponer que esa relación se modifique por las circunstancias para llegar a una tragedia final.    
La obra tiene la particularidad de hacer un programa de TV con una actuación teatral, sin estar exentos de las cámaras que toman los gestos que se reproducen en vivo para la platea a través de las pantallas y al momento en que se genera algún escándalo, elige ver los monitores en vez de hacerlo por vía directa, a través del escenario y sin mediatización alguna.
Esa relación teatral-televisiva de la obra es una exigencia actoral doble y nueva como un ejercicio actoral muy interesante al que acompaña también Sergio Oviedo.
Chiqui Abecasis encarna el rol del conductor: Alejandro “Ruso” Levi, junto a Omar Vitrulo interpreta a Horacio Carreras dueño de un emporio que supo coquetear con la política y que se caracteriza por no dar entrevistas a los medios masivos de comunicación, pero accede al ser invitado por la producción de Levi donde irá desenmarañando la vida del personaje en una labor periodística de investigación en un aquelarre risueño, saldrá a relucir cuestiones que faltan a la ética y la moral en un relato que se remite a cuestiones del pasado de los argentinos en medio de la ficción, al dejar la puerta abierta a muchos cuestionamientos vinculados a la relación de los políticos y los medios, donde cada uno tomará partido y hará su propio análisis al poner en cuestión la manipulación de la información.
 Las interpretaciones principales son certeras a los roles propuestos, el resto del elenco acompaña a tono para sumar credibilidades a la situación de estudio en vivo y en directo.
 En la propuesta cobra importancia el Rating y el uso de las redes sociales, para estar en contacto con el público, a modo de crítica y parodia a la televisión actual.
"El Reportero" desarrolla una idea del Chino Volpato y Diego Arandojo, como una propuesta diferente y original con una jugada de ribetes arriesgados con buenas intenciones, en la cuál ofrece una estructura teatral diferente para el espectador, tener otra mirada al profundizar como se trabaja en algunos medios, de contextos políticos y económicos donde se determinan las estrategias. Una comedia dramática que invita al público a reir con certera interpretación de los roles así como los chistes que cuenta el arcángel desde el purgatorio, tan reales como ocurren en la vida misma entre risas y aplausos, entre bloques y pausas comerciales, viviremos una experiencia con una propuesta que cobra la importancia del Rating a modo de crítica y parodia.
En la obra se destaca el trabajo detallista del diseño de escenografía realizado por Mauro Savarino y Juan Aristegui  y la dirección de Reynaldo Alcaraz.
El reportero es una propuesta diferente a lo que se puede disfrutar en la calle Corrientes. Una jugada arriesgada con buenas intenciones, que le ofrece un producto diferente al espectador. Para tener otra mirada de la forma en la que se trabaja en algunos medios y de los contextos políticos y económicos que determinan lugares estratégicos. 

"La proporción exacta de la belleza"

...Es como una regla matemática que se descubrió hace milenios y establece una regla universal que aparece en el arte, la ciencia y la naturaleza conocido como el número de oro, compite con el Pi en aplicaciones y es el concepto matemático más cercano al miticismo.
En un principio era el verbo en referencia a Dios... del conocimiento puede decirse lo mismo, ya que en su inicio era uno y su fragmentación en diferentes disiplinas comenzó después, y fue en ése principio que se descubrió el numero de oro.
Es como un regalo de Dios como regla divina del Universo.

Para los científicos el número más trascendente de la naturaleza, para los artistas la estética suprema que usaron los grandes maestros como Leonardo Da Vinci, y para los escépticos es solo un número más aunque posea propiedades curiosas.
Los primeros testigos son los seres humanos al decubrirlo lo llamaron "número aúreo" .
En Marco Aurelio se puede encontrar los primeros indicios del número de oro en las proporciones de algunas construcciones en la antiguedad, como la gran Pirámide de Keops, y en la escuela de los Pitagóricos del siglo V a.C al utilizar una estrella pentagonal o pentagrama escondía el número de oro.

La estrella pentagonal era símbolo de los pitagóricos y el Universo estaba configurado según un órden numérico donde cabían los números fraccionarios y la estrella se encontrara en la relación entre la diagonal del pentágono, y su lado, era el número de oro. en la escuela de los Pitagóricos del siglo V a.C al utilizar una estrella pentagonal o pentagrama escondía el número de oro.

De hecho la relación entre la diagonal del pentágono y su lado es el número áureo y la primera escritura lo define al aparecer en el siglo III a.C en el libro matemático de "Los elementos" de Euclides

que lo definió así; "se dice que un segmento está dividido en media y extrema razón cuando el segmento total es a la parte mayor, como la parte mayor es a la menor". Si ubicamos ése punto veremos que el número de oro es una proporción y cuándo se divide la mayor parte del segmento por la menor parte ( y también al dividir todo el segmento por la mayor parte) el resultado es el mismo número; 1,6180 ...cuya característica es tener infinitas cifras decimales no periódicas como el número Pi.

Éstos resultados no fueron revelados por tratarse de números fraccionarios con infinitas cifras decimales que al desafiar la lógica pitagórica, decidieron ocultarlos.
Actualmente el número de oro se repres

ena por la letra griega fi (Φ) en honor a Fidias, arquitecto del Partenón que utilizó en sus construcciones.

Éste número contiene muchas propiedades matemáticas como el único número que m

ultiplicado por sí mismo, dá lo mismo que sumarle 1 ó si se calcula su inverso o sea (1 dividido el mismo) dá lo mismo que restarle 1.
En la Edad Media el número de oro aparece oculto en una serie matemática. En 1202 Leonardo Fibonacci publicó un libro introduciendo la notación arábiga matemática usada hasta hoy más conveniente que la romana, y gracias a ello se dispusieron los conocimientos científicos que regirían más tarde.
El Liber Abaci contiene los acertijos para responder sobre la forma en que crecería una colonia de conejos, Fibronacci ideó la serie 1,1,2,3,4,5,8,13,21,34,55 ...y cada término se obtiene sumando los dos términos anteriores, así 5= 2+3 ó 13 = 8+5.
A medida que se avanza en la serie y se divide un término y su anterior, se obtiene un número más parecido al número áureo, ejemplo 8/5 = 1,6, si avanzamos más34/21=1,617..

La serie de Fibonacci aparece en la naturaleza de forma como se agrupan las semillas en los

girasoles, en las piñas o en la estructura del ADN, responden al número áureo. Éstos trabajos de Fibonacci quedaron ignorados por mucho tiempo y su redescubridor del número de oro fue Lucas Pacioli en 1445-1512 en su tratado de 3 volúmenes, "La Divina Proporción" donde se describen las proporciones de las construcciones artísticas, y propuso un nombre exacto: las relaciones entre distintas partes de su cuerpo debían ser proporciones áurea y aparece allí el libro que fue ilustrado por Da Vinci donde aparece el dibujo del hombre de Vitrubio al que demostró interés por el arte y la ciencia, sea probable que tenga aplicado el número de oro en sus obras como en La Última Cena y la Gioconda. Lo mismo se sabe de otros pintores como Rafael y Salvador Dalí que era fanático en aplicar las matemáticas en sus obras.

La ilustración del hombre de Vitrubio es la perfección que sigue la proporción divina, donde el cuadrado tiene por lado la altura del cuerpo coincidente a un cuerpo armonioso, con la longitud entre los extremos de los dedos de ambas manos, cuando los brazos están extendidos y formando un ángulo de 90° con el tronco.
El cociente entre la altura del hombre (lado del cuadrado) y la distancia del ombligo a la punta de la mano (radio de la circunferencia), es el número áureo.
El cine también manejó el número áureo en directores como Stanley Kubrik en (Odisea del espacio) o Peter Greenaway ( que lo usaron en sus films, además el arquitecto contemporáneo Le Corbusier fue adepto al número de oro y creó una medida "el modulor" basado en el número áureo para realizar sus construcciones, y de ésta manera aparece la estética suprema.

Por su parte la lógica de Immanuel Kant está basada en la ética (aquello que es verdadero debe ser bueno) y está la estética (lo bueno es bello) entonces el número de oro es filosafal de la cultura.
Los nuevos descubrimientos astronómicos descubrieron propiedades físicas de los agujeros negros cuando desaparece la materia depende de una fórmula, en cuál la masa es el número áureo y el final del Universo es el final del verbo, sellado por la proporción divina.
Los astrónomos encontraron también relaciones entre la serie de Fibonacci, el número de oro y el cosmos como ocurre con los anillos de Saturno, en que están dadas las proporciones áureas.
La mayor sorpresa sucedió en 1989 cuándo el físico Paul Davies de la Universidad de Adelaida estudiaba la fuerza centrífuga de los agujeros negros que impide que éstos se sigan achicando y ésto depende de cuán rápido rota el agujero negro, pero existe un valor específico que determina cuándo el agujero se achicará, y aumentará su calor interno, y lo que determina el valor crítico es la masa del agujero negro y el número de oro.

Los PERFUMES que dejan huella en los sentidos del olfato.

Todo comenzó en la prehistoria cuándo los hombres primitivos encendían la hogera para calentarse y alejar las fieras de su entorno, y para ello usaban ramas y maderas resinosas que emanaban olores, algunos de características dulces que no se tenían sentido antes y al encontrarlo agradable, les hizo pensar en usarlo como ofrenda a sus dioses porque sentían fuerzas sobrenaturales que envolvía su aroma y podían regir los destinos de cada ser humano en la Tierra.

Los aromas de la naturaleza siempre acompañaron al ser humano desde el primer día: así las flores, los árboles, el mar, o los excrementos de algún mamut.... todos ellos dejan alguna huella inolvidable en la nariz.

Así desde la historia antigua las pociones que seducen el olfato, y un sentido difícil de halagar se hace fascinante cuando las fragancias delicadas se acercan a lo divino, con aromas neutros o aquellos vahos que pretenden espantar a los demonios.

La primera referencia bíblica se centra en su finalidad religiosa y cuenta que Moisés le encarga a Gran Sacerdote Aaron quemar incieso y prepare un perfume, prohibiendo sus uso con fines profanos.

La Biblia cita sobre uso de lociones como los consejos de Noemi a su nuera Ruth en el uso de fragancias ó cuando Judith se acicala para seducir a Holofernes. Otras razones usaron fragancias para invocar a Dios y explicar la seducción de una mujer endiabladamente hermosa que el cristianismo alabó ó condenó el uso de perfumes y unguentos.

La idea del perfume surge posteriormente para enmascarar los olores indeseables y para que la fragancia hechice al olfato.

Inumerables son las ceremonias religiosas que utilizan maderas aromáticas como el incienso como parte de las alabanzas a dioses, santos y demonios en cada religión.

En el Nuevo Testamento la hermana de Lázaro aparece ungiendo los piés de Jesús con unguento perfumado y también vino Nicodemo por la noche a ver a Jesús y trajo mirra perfumada y alóe que envolvieron con lienzos su cuerpo según la costumbre de los judíos, y también los Reyes dejan incieso y mirra en el pesebre, y así tanto el nacimiento como su muerte están ligados con los perfumes.

Egipto adoptó de los sumerios todo lo relacionado a la cosmética. Los sacerdotes fumigaban sus oraciones con olores fuertes para favorecer la elevación de los espíritus y el alma con mirra, resina de terebinto, gálbano, olíbano, lándano, también usaban aceites como unguentos perfumados que formaba parte del rito religioso, y así se consiguió que el pueblo egipcio sea

el más pulcro de ésos tiempos y el más perfumado.

Para los griegos todo lo bello era otorgado a los dioses ya que defendían la idea del origen divino del perfume como algo fenomenal y debían comprarse con esencias que provenían del Olimpo como sagradas ya que aplicaban su arte en los envases cerámicos en que guardaban las esencias que luego popularizaron vendiendo por el Mediterráneo, y Italia en Roma eran ofrecidas a los emperadores para sus fiestas guerreras o enbriagadoras en sus palacios. Así en Francia floreció la cosmética de nivel al sugerir aquellas fragancias llegadas de Grecia, sin embargo Sócrates las odiaba al decir que ningún hombre debía perfumarse porque se igualaba el olor del hombre libre con el esclavo. En cambio las damas romanas superaban a Sócrates y a sus esclavas les hacían llenar la boca con perfume para ser espolvoreadas en rostro y cuerpo como vaporizadoras humanas.

Los árabes aprovecharon conocer más y perfeccionar su cultura de los que les precedieron,

utilizando alambiques para destilar el alcohol como soporte para elaborar las escencias perfumadas como el almizcle, la algalia y el agua de rosas que fueron requeridos y usados en la Edad Media.

Así se favorecieron los intercambios de las esencias entre Oriente y Occidente por los Cruzados (1096-1291) y los mercaderes inundaron al mundo junto a las especies aromáticas.

Durante el Renacimiento con el redescubrimiento de la cultura greco-romana y la invención de la imprenta permitió difundir tratados de perfumería en la región, y sus pobladores conocían las mil maneras de oler un perfume para ofrendar a sus dioses.

Ésto también trajo aparejado en ése periódo descuidar la higiene, y entre las damas era común evitar el baño para usar esponjas perfumadas en axilas y muslos, ésto consiguió afectar a damas de alcurnia como así a la plebe al proliferar la sarna.

Entre los mugrientos tomó fama Enrique IV de Francia que no se lavaba nunca ni disimulaba su olor fétido de los perfumes. En su noche de bodas su esposa casi se desmaya y cartas de sus amantes atestiguaban que los vahidos eran insoportables en el lecho de la cama.

Florencia y Venecia fueron las capitales más perfumadas y nació el arte perfumista evolucionado por la química y la destilación que mejoraron la calidad de las esencias.

En Venezia se usaban técnicas orientales con la llegada de los frasco de vidrio decorados y pulidos, y el perfume adquirió solicitada presencia.

La moda consiguió imponer el uso de guantes perfumados que se fabricaban en Grasse al sur de Francia, así comenzó el olor a lavanda, jazmín, naranjos y rosas.

Durante la Revolución Francesa se estancó el mercado perfumista al estar asociado a la nobleza, pero con la llegada de Napoleón que gustaba de los buenos aromas, retornó a una nobleza diferente y los perfumes antes en manos de artesanos cobraron impulso industrial manifacturero, que convertiría a la perfumería como la más dinámica y lucrativa en el mundo.

Ya no era solo por la fragancia sino que sumaba el frasco, su envoltorio como presentación y la publicidad como parte de objeto de seducción que en el siglo XXI no escapa a las imposiciones del mercado marketinero.

Los catadores de fragancias llamados "narices" eran los encargados de marcar el rumbo de la moda acompañado del marketing para seducir al público y acompañar la moda femenina, ya que siempre el marketing tiene cara de mujer.

Se explica así que en la actualidad la nuevas fragancias como Antonio Banderas y Sofia Loren además de las tradicionales de los modistos Dior, Laroche, Givency, Armani, etc, son aquellos olores

de refinada técnica de elaboración que sumados a sus principios artísticos, son legados por los viejos tiempos de los saumerios.

"Los latidos intensos que se provocan en una mujer perfumada, es olerse antes de ser vista" dijo Marcel Rochas.

"Saber perfumarse es todo un arte, allí donde el calor es más intenso activa la fragancia y se hace más duradera, pero fundamentalmente debe ser colocado en lugares donde la mujer desea ser besada...", aseveró una vez Coco Chanel.

Sobre el verdadero rostro de Jesús en el santo Sudario...

El origen exacto del Sudario de Turín (o Sábana Santa) sigue siendo un gran misterio, pero los científicos acaban de presentar resultados de una investigación que pone en duda la hipótesis, aceptada durante varias décadas, que la reliquia religiosa es una falsificación medieval.
Los investigadores italianos de la Agencia Nacional de Nuevas Tecnología, Energía y Desarrollo Económico Sostenible consideran que la imagen fue creada mediante un "destello de luz ultravioleta". Sin embargo, de ser cierta ésta nueva teoría, continúa siendo un misterio como exactamente se pudo implementar este tipo de tecnología en la época de procedencia estimada del Santo Sudario, ya que está muy por encima de los medios conocidos antes de principios del siglo XX.
Se cree que el Síndone de Turín es el manto sepulcral con el que se cubrió el cuerpo de Jesucristo después de la crucifixión, pero desde hace mucho tiempo los detractores y escépticos lo consideran un fraude realizado durante el Medioevo. En la actualidad se conserva en una urna climatizada en la Catedral de Turín. Según los informes de los científicos de la agencia italiana intentaron durante años reproducir la imagen del sudario usando diferentes métodos. “Los resultados intentados muestran que un destello corto e intenso de radiación ultravioleta direccional puede teñir un pedazo de lienzo reproduciendo muchas de las características particulares de la imagen del cuerpo reflejado en el Sudario de Turín”, afirman los expertos.
“Cuando uno habla de un destello de luz capaz de colorear una tela de lino de la misma manera que el sudario, parte de la discusión inevitablemente conduce a pensar en los milagros”, explica el profesor Paolo Di Lazzaro, quien condujo el estudio. “Pero como científicos nuestra área de competencia se reduce solamente a estudiar procesos científicamente comprobables. Esperamos que nuestro descubrimiento siente las bases para un debate teológico y filosófico”.
Aquellos devotos de la Sábana Santa dicen que contiene la imagen de un hombre con heridas de clavos en las muñecas y los pies, sin embargo los que desconfían de la autenticidad del sudario difícilmente se dejarán convencer. Existe evidencia sustancial contra esto, incluyendo un examen de radiocarbono realizado en la Universidad de Oxford, que estimó la fecha de procedencia de la tela entre los años 1260 y 1390.
Científicos y artistas digitales de Gran Bretaña lograron reconstruir la cara de Jesús en 3D gracias a un programa de computación, y a modelos a escala, a partir de las marcas que se encuentran impresas en el Santo Sudario.
Otro grupo de investigadores logró aislar las manchas de sangre que contiene el pedazo de tela reconocido como el sudario de Jesús, que se encuentra en Turín, Italia, y utilizaron como referencias para sacar un molde digital de las facciones de la cara, según informó el sitio inglés The Sun. "Es como que levantamos" la sangre y la aislamos para que estuviera "en el aire", explicó el científico Ray Downing, director del proyecto, llevado a cabo en el Estudio Macbeth de Londres.
Los artistas tardaron cerca de un año en ubicar las referencias en un fondo oscuro para luego obtener el modelo a escala y en 3D.
"Tengo mucha información sobre esa cara y estamos muy seguros de que estamos cerca de saber cómo se veía ese hombre", comentó entusiasmado Downing.
Se supone que el Santo Sudario ubicado en Turín fue el utilizado para cubrir el cuerpo de Jesús para su sepultura. Contiene las manchas de sangre que correponden a las heridas en la cara, la frente y la espalda del cuerpo.

MANÓN, una trágica historia de amor adolescente

Coreografía y Dirección: Kenneth MacMillan
Diseño: Peter Farmer
Iluminación: Rubén Conde
Producción: Teatro Municipal de Santiago de Chile
Coreógrafo Repositor: Karl Burnett
Asistente Coreográfico: Adriana Alventosa
Orquesta Estable del Teatro Colon
Director Musical: Carlos Bertazza
Principales Intérpretes
Manon ………. Natalia Pelayo - Karina Olmedo
Des Grieux ………. Juan Pablo Ledo - Federico Fernández
Lescaut ………. Edgardo Trabalón - Vagram Ambartsoumian
Monsieur G.M ………. Sergio Yannelli - Martín Miranda
Amantes de Lescaut ………. Silvina Perillo - María Clara Da Silva
Madama ………. María Rosa Magán - Virginia Licitra
Jefe de los mendigos ………. Emiliano Falcone - Edgardo Trabalón

Una obra internacionalmente reconocida, cuyo autor es un coreógrafo muy prestigioso y que conlleva una gran producción de velada completa.
MacMillan retomó -ya avanzado el siglo XX- la tradición que Marius Petipa había iniciado en la Rusia de las últimas décadas del siglo XIX: coreografia de ballet suntuosos y extensos con la trama argumental simple que requería abundantes escenas accesorias para armar una obra, precisamente, MacMillan recurrió en sus ballets de porte a historias más complejas.
El 6 de noviembre de 2011, a las 17:00 horas, bajo la dirección de Lidia Segni, el Ballet Estable del Teatro Colón presentó Manon, del coreógrafo británico Kenneth MacMillan y el compositor musical Jules Massenet.
La dirección musical está a cargo del maestro argentino Carlos Bertazza, al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón, y el diseño coreográfico es de Karl Burnett.
Manon es un ballet concebido en tres actos con música de Jules Massenet, con orquestación y arreglos de Leighton Lucas, inspirada en versiones teatrales operísticas y coreográficas basado en la novela "La historia del caballero Des Grieux y Manon Lescaut" de Abate Prévost que publicara en 1731; la obra muestra el avance de su época y que fuera estrenada en Londres en el año 1974.
Manon narra la historia de amor plena de alternativas y peripecias, ambientes diversos y personajes de cierta densidad psicológica, entre una atractiva muchacha destinada al convento y un noble de provincia que se enamora perdidamente de ella. Adolescentes ambos, juntos huyen a París, y allí las vicisitudes de la vida real ponen al descubierto sus auténticas búsquedas y caracteres: Manon es una muchacha amoral; su hermano Lescaut, un buscavidas inescrupuloso; su enamorado Des Grieux, un hombre débil y títere de las circunstancias, por sobre todo una mujer ambiciosa que aspira despiadadamente al lujo apelando a la traición de su amado y a la prostitución; Des Grieux, ingenuo y débil busca la venganza, y cae en el juego y la violencia, y al matar se ve obligado a escapar con Manon por un pantanoso bosque que los deja extenuados en su fuga, al descansar en un claro ella tiene delirios de su pasado y Des Grieux al tratar de consolarla ella va desfalleciendo hasta morir en sus brazos.
El amor incondicional, ambición y sensualidad invitan a una experiencia vibrante, romántica e inolvidable en donde Mc Millan pone el acierto en el canevas coreográfico con fluídos movimientos sobre la parejas de intérpretes en los pas de deux, que la bailarina danza casi siempre en brazos de su partenaire sin tocar el piso, alejándose de la rigidez clásica de la danza.
La habilidad coreográfica de MacMillan, pudo percibirse en el inspirado trío que ejecutan Manon, su hermano y el rico pretendiente de ella, así como en la escena en la que Manon baila como en un sueño, manipulada por los hombres que se dan cita en una casa de juegos y prostíbulo de lujo.
Manon en ésta versión es un claro abandono de la concepción tradicional clásica del ballet para concentrar gestar un concepto de modernidad neoclásica, que impida la dispersión según la trama literaria basada en la obra del Abate, que describe la época previa a la Revolución Francesa, en la que vive Manon, una seductora cortesana del ambiente parisino que debe fugar hacia los humedales pantanosos donde enfermará de paludismo.
De ésa mujer tan bella como cínica y atrayente Guy de Maupassantt manifestó; "Manon encarna todo lo placentero y más atractivo como lo más infame de la criatura femenina"
El gran mérito de ésta Manon reside en el Ballet del Colón que dirige Lidia Segni, en su compromiso profundamente artístico y en los grandes artistas que lo integran; y sin duda, en todos los matices y aún más para su corrompido Lescaut, la asombrosa bailarina Silvina Perillo hizo de su alegre amante, una composición finísima junto a Natalia Pelayo y Juan Pablo Ledo, ambos muy buenos bailarines, pero desde un punto de vista interpretativo no lograron dominar con la suficiente hondura las cambiantes facetas de sus personajes.
En cuanto a los otros roles hay que destacar al brillante Sergio Yannelli como Monsieur G.M., a Edgardo Trabalón como el jefe de los mendigos, a Vagram Ambartsoumian como el carcelero y a Silvina Vaccarelli y María Clara Da Silva como dos chispeantes cortesanas.
Las seis funciones programadas tendrán lugar los domingos 6 y 13 de noviembre a las 17:00 horas y los días martes 8, miércoles 9, viernes 11 y sábado 12 a las 20:30 horas.
Teatro Colón, Tucumán 1171 (4378-7109), de lunes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas y domingo de 10:00 a 17:00 horas. O por internet a: www.teatrocolon.org.ar. Entradas: desde $10.