"NORMA" de Bellini

La originalidad de  Vincenzo  Bellini en "Norma" fue darle un tratamiento netamente romántico a una tragedia clásica. Parte del suceso de esta partitura operística es que se fue afianzando en el gusto del público después de un debut fracasado en 1831 en el Teatro alla Scala de Milán y hoy está considerada una de las obras maestras del siglo XIX y donde radica también en el libreto de Felice Romani, quién condensó en dos, los cinco actos originales de la tragedia de Alexandre Soumet y L. Belmontet en la cuál se basa, para otorgarle una calidad poética notable.
Vincenzo  Bellini falleció a los 34 años contando con un inmenso prestigio entre la mayoría de los colegas del siglo XIX, en especial Chopin, Liszt, Rossini, Verdi (e incluso Wagner, que compuso un aria para Oroveso con la intención de que fuera cantada por el famoso bajo Luigi Lablache), le profesó admiración. Él concebía la ópera como un vínculo para la expresión y puso al servicio de éste su espíritu refinado en sus melodías que han permanecido inalterables.

Juventus Lyrica estrena el 12 de mayo la ópera de  Vincenzo  Bellini "NORMA" en el Teatro Avenida con el siguiente repertorio:  Mariana Carnovali (Norma), Romina Jofre (Clotilde), Nazareth Aufe (Pollione), Ramiro Pérez (Flavio), Nidia Palacios (Adalgisa), Mario de Salvo (Oroveso), Eliseo Benjamín Bossi (Clodomir), Matías Romig (Agenor), con el coro estable de Juventus y dirección musical de Hernán Sánchez Arteaga, Vestuario de Cecilia Carini, Escenografía de Salvioli, Iluminación de Rubén Conde y Dirección escénica de Florencia Sanguinetti.

La temporada 2017 se abre con " Norma" en una moderna puesta en escena que acompaña a una sutil escenografía irregular que simula hielo y piedra, que tiene diversos planos escalonados por donde se desplaza la acción, con proyecciones, que mezclan los tiempos en el regodeo de voces del "bel canto" italiano de tradición celta y romanticismo alemán. Asumen potente las voces interpretativas de los cantantes, que de forma muy pareja estuvieron a la altura de los requerimientos vocales e interpretación de sus personajes, especialmente la virtuosídad de la soprano Mariana Carnovali en el aria más representativa de la "Casta diva" de vibrante solvencia que acompaña al resto de un elenco muy meritorio de voces equilibradas.

Argumento:
Acto I
En lo profundo del bosque sagrado, Los Druids se reunían en el altar ante su Dios Irminsul, donde el sacerdote, Oroveso los guiaba en la oración para vengarse de la conquista romana. Cuándo ellos se fueron, el procónsul romano, Pollione, le confesa a su asistente que no amaba a Norma la hija del sumo sacerdote Oroveso, pero que si se enamoró de su hija, Adalgisa. Ellos se fueron mientras que los Druids se reunían y Norma le rezaba al Dios de la luna por la paz. Después que los Druids se dispersaron, Adalgisa empezó a rezar por fuerzas para resistir a Pollione, pero cuándo éste aparece persuade a Adalgisa para escaparse con el a Roma al día siguiente.

En su recóndito escondite, Norma le dice a su amiga de confianza, Clotilde, que tenía miedo que Pollione la abandone a ella y sus dos hijos por una mujer cuya identidad ella no conocía. Su hijo sale de escena cuándo entra Adalgisa a confesarle a Norma que ella era su amante. Recordando su debilidad, Norma trata de perdonar a Adalgisa de sus actos, pero su amabilidad se convierte en furia cuándo aparece Pollione y le dice que él es  pretendiente de Adalgisa. Sin embargo Pollione quería huir con ella, pero Adalgisa prefería morir antes que sacarle el marido a su madre.

Acto II
Esa noche, con una daga en la mano, Norma trata de asesinar a sus hijos mientras dormía para alejarla de Pollione. Pero no tiene valor, y quiere entregarlos a Adalgisa para que los lleve a su padre. La chica se negó, rogando con su desesperada madre compadecerse de sus hijos. Norma abraza a Adalgisa, superada por su oferta de irse con Pollione y rogar por Norma. Los Druids se reunen en el altar para escuchar el anuncio de Oroveso que les comunica que Pollione será reemplazado por un comandante cruel. Pollione se enfureció con la esclavitud de Roma que el consejo impuso en ése momento, para hacer frente a una rebelión final más exitosa.

En el templo, Norma se quedó atónita al escuchar a Clotilde que la suplica de Adalgisa a Pollione ha sido en vano, y en una furia Norma impulsa a la gente a comenzar una guerra contra sus conquistadores. Oroveso exige una victima para sacrificar, y entra Pollione cuando el santuario había sido profanado. Solo Norma le promete su libertad si el renuncia a Adalgisa y vuelve con ella. Cuando el se opone, Norma llama a los Druids y confiesa su culpabilidad. Conmovido por su nobleza, Pollione insiste decidir su destino. Después de que Oroveso observa su hija, Norma dirige a su amado a la hoguera donde la multitud reza.

"Luisa Fernanda"

La Zarzuela venía enmarcada en el entorno de la situación política de la época de la Segunda República, con la de los primeros tiempos en que se desarrolla la acción de la obra, ya sobre el final del reinado de Isabel II como preludio de la Primera República de la Revolución de 1868, también conocida como La Gloriosa o La Septembrina, por acontecer en el mes de septiembre, daría paso al conocido Sexenio Revolucionario el cuál finalizaría en enero de 1874 con el golpe de Estado del general Pavía, que pondría fin a la efímera Primera República Española..

El compositor Federico Moreno Torroba nació en Madrid el 3 de marzo de 1891 y murió también en Madrid el 12 de septiembre de 1982. En su amplia trayectoria de compositor, director de orquesta y empresario, destacan éxitos fuera del ámbito de la zarzuela, y sus composiciones para guitarra clásica. Es en la opereta en que se instala la zarzuela, desde la primera  "La Masonera de Tordesillas" (1925), hasta "Luisa Fernanda" (1932), de Federico Moreno Torroba con libreto de Federico Romero Sarachaga y Guillermo Fernández-Shaw entre otras, cierra con "María Manuela" en (1957) el exitoso ciclo que también tiene junto a "Doña Francisquita" de Vives, que venían ofreciendo éste arte de la comedia lírica más popular y alegre que se consideraba menor frente a la ópera, pero que impulsaron la Sociedad General de Autores de España con su denodado cariño por los temas madrileños y manchegos.

Como símbolo madrileño (la mazurca de las sombrillas) es parte emblemática de Extremadura y en Luisa Fernanda ocurre lo que en la mayoría de las zarzuelas donde la música está muy por encima del libreto. Así ocurre también en su primera parte con la "habanera del soldadito", de ése apacible rincón de Madrid tan aprovechado por los tenores del impactante dúo de Vidal y Luisa Fernanda “En mi tierra extremeña”.

Luisa Fernanda, es una humilde joven veinteañera enamorada del apuesto al tiempo que mujeriego, coronel Javier Moreno que no acaba de decidirse por ella, pero no soporta que esté con otro; una muchacha educada en un ambiente conservador (su padre, Don Florito, es un antiguo escribiente de palacio y un ferviente monárquico).

Vidal Hernando hacendado extremeño, pretende a Luisa Fernanda ante el desapego de su novio y de la sinceridad de su amor ella no duda, pero no puede dejar de querer a Javier. Es la omnipresente lucha entre la razón y los sentimientos, tan comunes en los argumentos dramáticos de la nueva sociedad burguesa que se estaba construyendo.

Ballet Hamlet Ruso

El "BNS" Ballet Nacional Sodre de Uruguay, bajo la dirección del Maestro Julio Bocca, vuelve a Buenos Aires con HAMLET RUSO, una obra emblemática del coreógrafo Boris Eifman, del 10 al 13 de mayo en el Teatro Ópera.
Es la primera vez que ésta compañía presenta un ballet completo fuera de Uruguay. Se basa en la vida del Príncipe Pablo, quién se convertiría en el Zar Pablo I de Rusia.

El coreógrafo no sólo propone representar la conocida trama de la verdadera historia de la dinastía Romanov, la lucha por el poder entre la Emperatriz Catalina la Grande y su hijo, sino que brinda una mirada profunda sobre la psiquis, un punto de vista filosófico sobre la forma en la que el poder político corrompe las relaciones humanas y lleva a las personas a colapsar, sumiendo al príncipe de la corona en un estado de locura.

"El verdadero arte comienza más allá de las palabras, cuándo el silencio se instala", afirma Boris Eifman, un bailarín que fundó su propia compañía en 1977 para romper con las férreas reglas del academicismo ruso y revelar así su voluntad de independencia. Desde entonces, Eifman desarrolla su propio estilo frente a los dominantes en la danza clásica y la contemporánea; resiste a las corrientes y a las modas para imponer una forma de expresión muy personal, según la cuál "todo reside en la estética, pero la belleza formal del gesto no es un fin en sí. Eso no significa que la cualidad plástica de la coreografía sea menos importante que el hecho de encontrar una cierta intensidad dramática en las situaciones.

Boris Eifman, como coreógrafo tuvo la genial fantasía de fusionar un fragmento de la historia de su país con el planteo que ofrece la obra shakespeareana. Hay una dramaturgia potente que deriva de un texto dramático en el cuál no se hace necesaria la palabra, porque todo está expresado con el movimiento de los intérpretes y suma con la iluminación marcando una poderosa impronta.
Para disfrutarla no hacen falta las teorías, alcanza con la sensibilidad estética. El atractivo del "Hamlet ruso" radica en la amalgama que se establece entre la disciplina de la danza y la teatral, a tal punto que no son necesarias las palabras para entender la historia.
Un capítulo aparte merece la música, con una perfecta banda de sonido, porque el coreógrafo no recurrió a las composiciones de ballet, sino a las sinfonías de dos grandes alemanes: Beethoven y Mahler.

El segundo movimiento de la Séptima Sinfonía sirve para subrayar la ambición y las luchas por el trono, del mismo modo que "Claro de luna" ilustra el erotismo de la escena de la noche de bodas. En cambio, en la segunda parte Mahler se impone por su peso dramático, allí donde se conjugan las pasiones y la muerte.

"Cena Gourmet a ciegas buscando sensaciones"

El espectador ingresa en un recinto en una total oscuridad y es ubicado por el guía en su mesa indicada é invitado a comer que inicia el show con un grupo de actores que se desplazan e integran; Graciela Pereyra, Gabriel Griro, Maximiliano Griro, Pablo Ugolini, Belén Cabrera, Brenda García sobre una idea de Martín Bondone del Centro Argentino de Teatro Ciego con la dirección de Gabriel Griro. 
El show reconoce un antiguo bar porteño guiado por la cadencia de una voz cantante acompañada por el pianista Carlos Cabrera.

El espectador recorrerá con su mente escuchando los principales temas y estilos musicales de una revisión que irá reconociendo paulatinamente. Completamente a oscuras, éste espectáculo propone también un menú diferente, (opción espacial para celíacos ó vegetariano) se tomará al tanteo con la mano izquierda hacia derecha, (con opción a copa de vino, gaseosa ó agua) permitirá a los comensales ir descubriendo por las sensaciones degustativas los sabores y aromas de las raciones al plato, de 6 pasos especialmente elaborados,....rememorando sabores conocidos y otros no tan reconocibles u olvidados, y la sorpresa será al final que sorprenderá cuándo se haga conocer el menú. 

Un espectáculo que combina la música y la alegría, el teatro contando historias variadas del amor de antaño con cierto humor, efectos sonoros, sensación de lluvia y viento y algunos sensaciones olfativos que se perciben como el aroma azahar, agua de mar a pescado, verde del bosque, acompañando la comida.para sentir una experiencia única y diferente, recomendado por su originalidad envuelto en un manto de suave terciopelo en total oscuridad que incentiva el buen gusto y los sentidos del placer.

Teatro Ciego: Zelaya 3006 T.E 6379 8596  de Miércoles a Domingo a las 21hs con reseva.