"El REPORTERO" donde lo imposible se vuelve real

Una comedia dramática que invita al público a formar parte de un estudio de televisión, con todos los preparativos donde permitirá transcurrir un reportaje en vivo, entre un exitoso y popular conductor televisivo Alejandro “Ruso” Levi, y un empresario con aspiraciones políticas Horacio Carreras, un empresario minero y dueño del canal en el que se emite el programa, al decidir lanzar su campaña política en un medio de comunicación que cree, será complaciente a sus aspiraciones.
 La obra comienza con los preparativos de la asistente de producción y posterior desarrollo en un ajustado y verosímil programa televisivo, al “desnudar” el mecanismo que se pone en marcha detrás de un proceso de revisión de ribetes actuales informativos en cuál los medios vienen siendo objeto desde años en el país y lo que la gente en sus casas puede ver a través de la pantalla de su TV.
Entre risas, tensiones y un reportaje que abandona el “protocolo”  "El reportero" pone al descubierto el estrecho vínculo existente entre poder, medios y política, al exponer que esa relación se modifique por las circunstancias para llegar a una tragedia final.    
La obra tiene la particularidad de hacer un programa de TV con una actuación teatral, sin estar exentos de las cámaras que toman los gestos que se reproducen en vivo para la platea a través de las pantallas y al momento en que se genera algún escándalo, elige ver los monitores en vez de hacerlo por vía directa, a través del escenario y sin mediatización alguna.
Esa relación teatral-televisiva de la obra es una exigencia actoral doble y nueva como un ejercicio actoral muy interesante al que acompaña también Sergio Oviedo.
Chiqui Abecasis encarna el rol del conductor: Alejandro “Ruso” Levi, junto a Omar Vitrulo interpreta a Horacio Carreras dueño de un emporio que supo coquetear con la política y que se caracteriza por no dar entrevistas a los medios masivos de comunicación, pero accede al ser invitado por la producción de Levi donde irá desenmarañando la vida del personaje en una labor periodística de investigación en un aquelarre risueño, saldrá a relucir cuestiones que faltan a la ética y la moral en un relato que se remite a cuestiones del pasado de los argentinos en medio de la ficción, al dejar la puerta abierta a muchos cuestionamientos vinculados a la relación de los políticos y los medios, donde cada uno tomará partido y hará su propio análisis al poner en cuestión la manipulación de la información.
 Las interpretaciones principales son certeras a los roles propuestos, el resto del elenco acompaña a tono para sumar credibilidades a la situación de estudio en vivo y en directo.
 En la propuesta cobra importancia el Rating y el uso de las redes sociales, para estar en contacto con el público, a modo de crítica y parodia a la televisión actual.
"El Reportero" desarrolla una idea del Chino Volpato y Diego Arandojo, como una propuesta diferente y original con una jugada de ribetes arriesgados con buenas intenciones, en la cuál ofrece una estructura teatral diferente para el espectador, tener otra mirada al profundizar como se trabaja en algunos medios, de contextos políticos y económicos donde se determinan las estrategias. Una comedia dramática que invita al público a reir con certera interpretación de los roles así como los chistes que cuenta el arcángel desde el purgatorio, tan reales como ocurren en la vida misma entre risas y aplausos, entre bloques y pausas comerciales, viviremos una experiencia con una propuesta que cobra la importancia del Rating a modo de crítica y parodia.
En la obra se destaca el trabajo detallista del diseño de escenografía realizado por Mauro Savarino y Juan Aristegui  y la dirección de Reynaldo Alcaraz.
El reportero es una propuesta diferente a lo que se puede disfrutar en la calle Corrientes. Una jugada arriesgada con buenas intenciones, que le ofrece un producto diferente al espectador. Para tener otra mirada de la forma en la que se trabaja en algunos medios y de los contextos políticos y económicos que determinan lugares estratégicos. 

"La proporción exacta de la belleza"

...Es como una regla matemática que se descubrió hace milenios y establece una regla universal que aparece en el arte, la ciencia y la naturaleza conocido como el número de oro, compite con el Pi en aplicaciones y es el concepto matemático más cercano al miticismo.
En un principio era el verbo en referencia a Dios... del conocimiento puede decirse lo mismo, ya que en su inicio era uno y su fragmentación en diferentes disiplinas comenzó después, y fue en ése principio que se descubrió el numero de oro.
Es como un regalo de Dios como regla divina del Universo.

Para los científicos el número más trascendente de la naturaleza, para los artistas la estética suprema que usaron los grandes maestros como Leonardo Da Vinci, y para los escépticos es solo un número más aunque posea propiedades curiosas.
Los primeros testigos son los seres humanos al decubrirlo lo llamaron "número aúreo" .
En Marco Aurelio se puede encontrar los primeros indicios del número de oro en las proporciones de algunas construcciones en la antiguedad, como la gran Pirámide de Keops, y en la escuela de los Pitagóricos del siglo V a.C al utilizar una estrella pentagonal o pentagrama escondía el número de oro.

La estrella pentagonal era símbolo de los pitagóricos y el Universo estaba configurado según un órden numérico donde cabían los números fraccionarios y la estrella se encontrara en la relación entre la diagonal del pentágono, y su lado, era el número de oro. en la escuela de los Pitagóricos del siglo V a.C al utilizar una estrella pentagonal o pentagrama escondía el número de oro.

De hecho la relación entre la diagonal del pentágono y su lado es el número áureo y la primera escritura lo define al aparecer en el siglo III a.C en el libro matemático de "Los elementos" de Euclides

que lo definió así; "se dice que un segmento está dividido en media y extrema razón cuando el segmento total es a la parte mayor, como la parte mayor es a la menor". Si ubicamos ése punto veremos que el número de oro es una proporción y cuándo se divide la mayor parte del segmento por la menor parte ( y también al dividir todo el segmento por la mayor parte) el resultado es el mismo número; 1,6180 ...cuya característica es tener infinitas cifras decimales no periódicas como el número Pi.

Éstos resultados no fueron revelados por tratarse de números fraccionarios con infinitas cifras decimales que al desafiar la lógica pitagórica, decidieron ocultarlos.
Actualmente el número de oro se repres

ena por la letra griega fi (Φ) en honor a Fidias, arquitecto del Partenón que utilizó en sus construcciones.

Éste número contiene muchas propiedades matemáticas como el único número que m

ultiplicado por sí mismo, dá lo mismo que sumarle 1 ó si se calcula su inverso o sea (1 dividido el mismo) dá lo mismo que restarle 1.
En la Edad Media el número de oro aparece oculto en una serie matemática. En 1202 Leonardo Fibonacci publicó un libro introduciendo la notación arábiga matemática usada hasta hoy más conveniente que la romana, y gracias a ello se dispusieron los conocimientos científicos que regirían más tarde.
El Liber Abaci contiene los acertijos para responder sobre la forma en que crecería una colonia de conejos, Fibronacci ideó la serie 1,1,2,3,4,5,8,13,21,34,55 ...y cada término se obtiene sumando los dos términos anteriores, así 5= 2+3 ó 13 = 8+5.
A medida que se avanza en la serie y se divide un término y su anterior, se obtiene un número más parecido al número áureo, ejemplo 8/5 = 1,6, si avanzamos más34/21=1,617..

La serie de Fibonacci aparece en la naturaleza de forma como se agrupan las semillas en los

girasoles, en las piñas o en la estructura del ADN, responden al número áureo. Éstos trabajos de Fibonacci quedaron ignorados por mucho tiempo y su redescubridor del número de oro fue Lucas Pacioli en 1445-1512 en su tratado de 3 volúmenes, "La Divina Proporción" donde se describen las proporciones de las construcciones artísticas, y propuso un nombre exacto: las relaciones entre distintas partes de su cuerpo debían ser proporciones áurea y aparece allí el libro que fue ilustrado por Da Vinci donde aparece el dibujo del hombre de Vitrubio al que demostró interés por el arte y la ciencia, sea probable que tenga aplicado el número de oro en sus obras como en La Última Cena y la Gioconda. Lo mismo se sabe de otros pintores como Rafael y Salvador Dalí que era fanático en aplicar las matemáticas en sus obras.

La ilustración del hombre de Vitrubio es la perfección que sigue la proporción divina, donde el cuadrado tiene por lado la altura del cuerpo coincidente a un cuerpo armonioso, con la longitud entre los extremos de los dedos de ambas manos, cuando los brazos están extendidos y formando un ángulo de 90° con el tronco.
El cociente entre la altura del hombre (lado del cuadrado) y la distancia del ombligo a la punta de la mano (radio de la circunferencia), es el número áureo.
El cine también manejó el número áureo en directores como Stanley Kubrik en (Odisea del espacio) o Peter Greenaway ( que lo usaron en sus films, además el arquitecto contemporáneo Le Corbusier fue adepto al número de oro y creó una medida "el modulor" basado en el número áureo para realizar sus construcciones, y de ésta manera aparece la estética suprema.

Por su parte la lógica de Immanuel Kant está basada en la ética (aquello que es verdadero debe ser bueno) y está la estética (lo bueno es bello) entonces el número de oro es filosafal de la cultura.
Los nuevos descubrimientos astronómicos descubrieron propiedades físicas de los agujeros negros cuando desaparece la materia depende de una fórmula, en cuál la masa es el número áureo y el final del Universo es el final del verbo, sellado por la proporción divina.
Los astrónomos encontraron también relaciones entre la serie de Fibonacci, el número de oro y el cosmos como ocurre con los anillos de Saturno, en que están dadas las proporciones áureas.
La mayor sorpresa sucedió en 1989 cuándo el físico Paul Davies de la Universidad de Adelaida estudiaba la fuerza centrífuga de los agujeros negros que impide que éstos se sigan achicando y ésto depende de cuán rápido rota el agujero negro, pero existe un valor específico que determina cuándo el agujero se achicará, y aumentará su calor interno, y lo que determina el valor crítico es la masa del agujero negro y el número de oro.

Los PERFUMES que dejan huella en los sentidos del olfato.

Todo comenzó en la prehistoria cuándo los hombres primitivos encendían la hogera para calentarse y alejar las fieras de su entorno, y para ello usaban ramas y maderas resinosas que emanaban olores, algunos de características dulces que no se tenían sentido antes y al encontrarlo agradable, les hizo pensar en usarlo como ofrenda a sus dioses porque sentían fuerzas sobrenaturales que envolvía su aroma y podían regir los destinos de cada ser humano en la Tierra.

Los aromas de la naturaleza siempre acompañaron al ser humano desde el primer día: así las flores, los árboles, el mar, o los excrementos de algún mamut.... todos ellos dejan alguna huella inolvidable en la nariz.

Así desde la historia antigua las pociones que seducen el olfato, y un sentido difícil de halagar se hace fascinante cuando las fragancias delicadas se acercan a lo divino, con aromas neutros o aquellos vahos que pretenden espantar a los demonios.

La primera referencia bíblica se centra en su finalidad religiosa y cuenta que Moisés le encarga a Gran Sacerdote Aaron quemar incieso y prepare un perfume, prohibiendo sus uso con fines profanos.

La Biblia cita sobre uso de lociones como los consejos de Noemi a su nuera Ruth en el uso de fragancias ó cuando Judith se acicala para seducir a Holofernes. Otras razones usaron fragancias para invocar a Dios y explicar la seducción de una mujer endiabladamente hermosa que el cristianismo alabó ó condenó el uso de perfumes y unguentos.

La idea del perfume surge posteriormente para enmascarar los olores indeseables y para que la fragancia hechice al olfato.

Inumerables son las ceremonias religiosas que utilizan maderas aromáticas como el incienso como parte de las alabanzas a dioses, santos y demonios en cada religión.

En el Nuevo Testamento la hermana de Lázaro aparece ungiendo los piés de Jesús con unguento perfumado y también vino Nicodemo por la noche a ver a Jesús y trajo mirra perfumada y alóe que envolvieron con lienzos su cuerpo según la costumbre de los judíos, y también los Reyes dejan incieso y mirra en el pesebre, y así tanto el nacimiento como su muerte están ligados con los perfumes.

Egipto adoptó de los sumerios todo lo relacionado a la cosmética. Los sacerdotes fumigaban sus oraciones con olores fuertes para favorecer la elevación de los espíritus y el alma con mirra, resina de terebinto, gálbano, olíbano, lándano, también usaban aceites como unguentos perfumados que formaba parte del rito religioso, y así se consiguió que el pueblo egipcio sea

el más pulcro de ésos tiempos y el más perfumado.

Para los griegos todo lo bello era otorgado a los dioses ya que defendían la idea del origen divino del perfume como algo fenomenal y debían comprarse con esencias que provenían del Olimpo como sagradas ya que aplicaban su arte en los envases cerámicos en que guardaban las esencias que luego popularizaron vendiendo por el Mediterráneo, y Italia en Roma eran ofrecidas a los emperadores para sus fiestas guerreras o enbriagadoras en sus palacios. Así en Francia floreció la cosmética de nivel al sugerir aquellas fragancias llegadas de Grecia, sin embargo Sócrates las odiaba al decir que ningún hombre debía perfumarse porque se igualaba el olor del hombre libre con el esclavo. En cambio las damas romanas superaban a Sócrates y a sus esclavas les hacían llenar la boca con perfume para ser espolvoreadas en rostro y cuerpo como vaporizadoras humanas.

Los árabes aprovecharon conocer más y perfeccionar su cultura de los que les precedieron,

utilizando alambiques para destilar el alcohol como soporte para elaborar las escencias perfumadas como el almizcle, la algalia y el agua de rosas que fueron requeridos y usados en la Edad Media.

Así se favorecieron los intercambios de las esencias entre Oriente y Occidente por los Cruzados (1096-1291) y los mercaderes inundaron al mundo junto a las especies aromáticas.

Durante el Renacimiento con el redescubrimiento de la cultura greco-romana y la invención de la imprenta permitió difundir tratados de perfumería en la región, y sus pobladores conocían las mil maneras de oler un perfume para ofrendar a sus dioses.

Ésto también trajo aparejado en ése periódo descuidar la higiene, y entre las damas era común evitar el baño para usar esponjas perfumadas en axilas y muslos, ésto consiguió afectar a damas de alcurnia como así a la plebe al proliferar la sarna.

Entre los mugrientos tomó fama Enrique IV de Francia que no se lavaba nunca ni disimulaba su olor fétido de los perfumes. En su noche de bodas su esposa casi se desmaya y cartas de sus amantes atestiguaban que los vahidos eran insoportables en el lecho de la cama.

Florencia y Venecia fueron las capitales más perfumadas y nació el arte perfumista evolucionado por la química y la destilación que mejoraron la calidad de las esencias.

En Venezia se usaban técnicas orientales con la llegada de los frasco de vidrio decorados y pulidos, y el perfume adquirió solicitada presencia.

La moda consiguió imponer el uso de guantes perfumados que se fabricaban en Grasse al sur de Francia, así comenzó el olor a lavanda, jazmín, naranjos y rosas.

Durante la Revolución Francesa se estancó el mercado perfumista al estar asociado a la nobleza, pero con la llegada de Napoleón que gustaba de los buenos aromas, retornó a una nobleza diferente y los perfumes antes en manos de artesanos cobraron impulso industrial manifacturero, que convertiría a la perfumería como la más dinámica y lucrativa en el mundo.

Ya no era solo por la fragancia sino que sumaba el frasco, su envoltorio como presentación y la publicidad como parte de objeto de seducción que en el siglo XXI no escapa a las imposiciones del mercado marketinero.

Los catadores de fragancias llamados "narices" eran los encargados de marcar el rumbo de la moda acompañado del marketing para seducir al público y acompañar la moda femenina, ya que siempre el marketing tiene cara de mujer.

Se explica así que en la actualidad la nuevas fragancias como Antonio Banderas y Sofia Loren además de las tradicionales de los modistos Dior, Laroche, Givency, Armani, etc, son aquellos olores

de refinada técnica de elaboración que sumados a sus principios artísticos, son legados por los viejos tiempos de los saumerios.

"Los latidos intensos que se provocan en una mujer perfumada, es olerse antes de ser vista" dijo Marcel Rochas.

"Saber perfumarse es todo un arte, allí donde el calor es más intenso activa la fragancia y se hace más duradera, pero fundamentalmente debe ser colocado en lugares donde la mujer desea ser besada...", aseveró una vez Coco Chanel.

Sobre el verdadero rostro de Jesús en el santo Sudario...

El origen exacto del Sudario de Turín (o Sábana Santa) sigue siendo un gran misterio, pero los científicos acaban de presentar resultados de una investigación que pone en duda la hipótesis, aceptada durante varias décadas, que la reliquia religiosa es una falsificación medieval.
Los investigadores italianos de la Agencia Nacional de Nuevas Tecnología, Energía y Desarrollo Económico Sostenible consideran que la imagen fue creada mediante un "destello de luz ultravioleta". Sin embargo, de ser cierta ésta nueva teoría, continúa siendo un misterio como exactamente se pudo implementar este tipo de tecnología en la época de procedencia estimada del Santo Sudario, ya que está muy por encima de los medios conocidos antes de principios del siglo XX.
Se cree que el Síndone de Turín es el manto sepulcral con el que se cubrió el cuerpo de Jesucristo después de la crucifixión, pero desde hace mucho tiempo los detractores y escépticos lo consideran un fraude realizado durante el Medioevo. En la actualidad se conserva en una urna climatizada en la Catedral de Turín. Según los informes de los científicos de la agencia italiana intentaron durante años reproducir la imagen del sudario usando diferentes métodos. “Los resultados intentados muestran que un destello corto e intenso de radiación ultravioleta direccional puede teñir un pedazo de lienzo reproduciendo muchas de las características particulares de la imagen del cuerpo reflejado en el Sudario de Turín”, afirman los expertos.
“Cuando uno habla de un destello de luz capaz de colorear una tela de lino de la misma manera que el sudario, parte de la discusión inevitablemente conduce a pensar en los milagros”, explica el profesor Paolo Di Lazzaro, quien condujo el estudio. “Pero como científicos nuestra área de competencia se reduce solamente a estudiar procesos científicamente comprobables. Esperamos que nuestro descubrimiento siente las bases para un debate teológico y filosófico”.
Aquellos devotos de la Sábana Santa dicen que contiene la imagen de un hombre con heridas de clavos en las muñecas y los pies, sin embargo los que desconfían de la autenticidad del sudario difícilmente se dejarán convencer. Existe evidencia sustancial contra esto, incluyendo un examen de radiocarbono realizado en la Universidad de Oxford, que estimó la fecha de procedencia de la tela entre los años 1260 y 1390.
Científicos y artistas digitales de Gran Bretaña lograron reconstruir la cara de Jesús en 3D gracias a un programa de computación, y a modelos a escala, a partir de las marcas que se encuentran impresas en el Santo Sudario.
Otro grupo de investigadores logró aislar las manchas de sangre que contiene el pedazo de tela reconocido como el sudario de Jesús, que se encuentra en Turín, Italia, y utilizaron como referencias para sacar un molde digital de las facciones de la cara, según informó el sitio inglés The Sun. "Es como que levantamos" la sangre y la aislamos para que estuviera "en el aire", explicó el científico Ray Downing, director del proyecto, llevado a cabo en el Estudio Macbeth de Londres.
Los artistas tardaron cerca de un año en ubicar las referencias en un fondo oscuro para luego obtener el modelo a escala y en 3D.
"Tengo mucha información sobre esa cara y estamos muy seguros de que estamos cerca de saber cómo se veía ese hombre", comentó entusiasmado Downing.
Se supone que el Santo Sudario ubicado en Turín fue el utilizado para cubrir el cuerpo de Jesús para su sepultura. Contiene las manchas de sangre que correponden a las heridas en la cara, la frente y la espalda del cuerpo.

MANÓN, una trágica historia de amor adolescente

Coreografía y Dirección: Kenneth MacMillan
Diseño: Peter Farmer
Iluminación: Rubén Conde
Producción: Teatro Municipal de Santiago de Chile
Coreógrafo Repositor: Karl Burnett
Asistente Coreográfico: Adriana Alventosa
Orquesta Estable del Teatro Colon
Director Musical: Carlos Bertazza
Principales Intérpretes
Manon ………. Natalia Pelayo - Karina Olmedo
Des Grieux ………. Juan Pablo Ledo - Federico Fernández
Lescaut ………. Edgardo Trabalón - Vagram Ambartsoumian
Monsieur G.M ………. Sergio Yannelli - Martín Miranda
Amantes de Lescaut ………. Silvina Perillo - María Clara Da Silva
Madama ………. María Rosa Magán - Virginia Licitra
Jefe de los mendigos ………. Emiliano Falcone - Edgardo Trabalón

Una obra internacionalmente reconocida, cuyo autor es un coreógrafo muy prestigioso y que conlleva una gran producción de velada completa.
MacMillan retomó -ya avanzado el siglo XX- la tradición que Marius Petipa había iniciado en la Rusia de las últimas décadas del siglo XIX: coreografia de ballet suntuosos y extensos con la trama argumental simple que requería abundantes escenas accesorias para armar una obra, precisamente, MacMillan recurrió en sus ballets de porte a historias más complejas.
El 6 de noviembre de 2011, a las 17:00 horas, bajo la dirección de Lidia Segni, el Ballet Estable del Teatro Colón presentó Manon, del coreógrafo británico Kenneth MacMillan y el compositor musical Jules Massenet.
La dirección musical está a cargo del maestro argentino Carlos Bertazza, al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón, y el diseño coreográfico es de Karl Burnett.
Manon es un ballet concebido en tres actos con música de Jules Massenet, con orquestación y arreglos de Leighton Lucas, inspirada en versiones teatrales operísticas y coreográficas basado en la novela "La historia del caballero Des Grieux y Manon Lescaut" de Abate Prévost que publicara en 1731; la obra muestra el avance de su época y que fuera estrenada en Londres en el año 1974.
Manon narra la historia de amor plena de alternativas y peripecias, ambientes diversos y personajes de cierta densidad psicológica, entre una atractiva muchacha destinada al convento y un noble de provincia que se enamora perdidamente de ella. Adolescentes ambos, juntos huyen a París, y allí las vicisitudes de la vida real ponen al descubierto sus auténticas búsquedas y caracteres: Manon es una muchacha amoral; su hermano Lescaut, un buscavidas inescrupuloso; su enamorado Des Grieux, un hombre débil y títere de las circunstancias, por sobre todo una mujer ambiciosa que aspira despiadadamente al lujo apelando a la traición de su amado y a la prostitución; Des Grieux, ingenuo y débil busca la venganza, y cae en el juego y la violencia, y al matar se ve obligado a escapar con Manon por un pantanoso bosque que los deja extenuados en su fuga, al descansar en un claro ella tiene delirios de su pasado y Des Grieux al tratar de consolarla ella va desfalleciendo hasta morir en sus brazos.
El amor incondicional, ambición y sensualidad invitan a una experiencia vibrante, romántica e inolvidable en donde Mc Millan pone el acierto en el canevas coreográfico con fluídos movimientos sobre la parejas de intérpretes en los pas de deux, que la bailarina danza casi siempre en brazos de su partenaire sin tocar el piso, alejándose de la rigidez clásica de la danza.
La habilidad coreográfica de MacMillan, pudo percibirse en el inspirado trío que ejecutan Manon, su hermano y el rico pretendiente de ella, así como en la escena en la que Manon baila como en un sueño, manipulada por los hombres que se dan cita en una casa de juegos y prostíbulo de lujo.
Manon en ésta versión es un claro abandono de la concepción tradicional clásica del ballet para concentrar gestar un concepto de modernidad neoclásica, que impida la dispersión según la trama literaria basada en la obra del Abate, que describe la época previa a la Revolución Francesa, en la que vive Manon, una seductora cortesana del ambiente parisino que debe fugar hacia los humedales pantanosos donde enfermará de paludismo.
De ésa mujer tan bella como cínica y atrayente Guy de Maupassantt manifestó; "Manon encarna todo lo placentero y más atractivo como lo más infame de la criatura femenina"
El gran mérito de ésta Manon reside en el Ballet del Colón que dirige Lidia Segni, en su compromiso profundamente artístico y en los grandes artistas que lo integran; y sin duda, en todos los matices y aún más para su corrompido Lescaut, la asombrosa bailarina Silvina Perillo hizo de su alegre amante, una composición finísima junto a Natalia Pelayo y Juan Pablo Ledo, ambos muy buenos bailarines, pero desde un punto de vista interpretativo no lograron dominar con la suficiente hondura las cambiantes facetas de sus personajes.
En cuanto a los otros roles hay que destacar al brillante Sergio Yannelli como Monsieur G.M., a Edgardo Trabalón como el jefe de los mendigos, a Vagram Ambartsoumian como el carcelero y a Silvina Vaccarelli y María Clara Da Silva como dos chispeantes cortesanas.
Las seis funciones programadas tendrán lugar los domingos 6 y 13 de noviembre a las 17:00 horas y los días martes 8, miércoles 9, viernes 11 y sábado 12 a las 20:30 horas.
Teatro Colón, Tucumán 1171 (4378-7109), de lunes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas y domingo de 10:00 a 17:00 horas. O por internet a: www.teatrocolon.org.ar. Entradas: desde $10.

ROLLOS del MAR MUERTO; originales se pueden consultar por Internet

En un proyecto conjunto entre el Museo Israel de Jerusalem y Google que digitalizaron los manuscritos resguardados encontrados en unas tinajas y que ahora los usuarios de la web http://dss.collections.imj.org.il/project pueden ver videos explicativos de las investigaciones sobre los Rollos que tienen una gran importancia al permitir conocer la herencia monoteísta, al ser los únicos ejemplares que permiten conocer el acervo de los orígenes a través de los textos que sobrevivieron al tiempo, donde la palabra religión encuentra su etimología en el sentido más abierto a la idea de re-leer.
El encuentro fortuito de los Manuscritos por los beduinos en el yacimiento arqueológico de las cuevas de Qumrán permitieron conocer la vida y costumbres de la época al ser escritos en el siglo II a.C a siglo I d.C (cerca del año 125 a.C) en los fragmentos del Antiguo Testamento.
Éstos manuscritos fueron encontrados en el mar Muerto en 1947 donde se ratifican los textos bíblicos y muchos rollos fueron incinerados y los que quedaron fueron traducidos al griego por 60 sabios encerrados por separado, pero todos tradujeron lo mismo, el contenido de 66 capítulos de la versión hebrea del libro bíblico de Isaías, conocido por sus profesías del Juicio Final y la venida del Reino de Dios que profesaba su carácter mesiánico en la comunidad de los esenios.
Entre los rollos encontrados figura el Manual de la Disciplina de los esenios, un texto revelador de normas de la comunidad para entender la dinámica de la sociedad ascética que criticaba los rezos, los rituales de purificación y las doctrinas teológicas en el contaminado templo de Jerusalém.
El Comentario del Habacuc interpreta en hebreo clásico los dos primeros capítulos del libro bíblico del profeta Habacuc que permite conocer la vida espiritual de la comunidad Qumrán, sin embargo el tetragramaton las 4 letras del nombre de Dios está escrito en hebreo antiguo a diferencia del resto.

El Libro del Templo encontrado en 1956 escrito sobre piel de animal trata de las instrucciones de Dios a Moisés sobre la construcción del Templo y combina las leyes y los sacrificios en una extensión de ocho metros.

El Rollo de la Guerra conocido como "La Guerra de los Hijos de la Luz contra los Hijos de la Oscuridad" encontrado en 1947 donde describe en hebreo la guerra sobre el final de los días entre los "Hijos de la Luz" (así se llamaban los esenios), comandados por el "Príncipe de la Luz" y los "Hijos de las Tinieblas" (apodo recibido para los enemigos de la comunidad judía y no judía) ayudados por una nación llamada Kittim que podrían ser los romanos que duró 49 años y los vencedores fueron "Los Hijos de la Luz".

http://dss.collections.imj.org.il/isaiah#32:20

"Degustación de Titus Andronicus" con menú antropófago ofrecido por La Fura dels Baus

La gente expectante asiste de pié en una carpa rectángular instalada en su interior con cuatro pantallas panorámicas laterales con deliciosa proyección de rostros de bebés a modo de circo romano los que sumarán otras imágenes durante la representación, sobre una escena lateral se encuentra instalada una humeante cocina asistida por 2 cocineros que trabajan permanentemente esparciendo olores con diferentes aromas donde se cocinarán los sentenciados por Tito Andrónico según la tragedia Shakesperiana, para un banquete antropofágico que degustarán los espectadores invitados como comensales, será una propuesta gastronómica caníbal con sabor humano en la escenificación que realizará La Fura dels Baus, un grupo de actores catalanes que en ésta oportunidad recalan en GEBA para representar "degustación de Tito Andonicus" con peculiar estilo lúdico abordando nuevos retos en las artes escénicas que nos invita a reflexionar sobre cómo reaccionamos ante las tragedias que nos rodean.

Al final un banquete caníbal evocado en medio de la decadencia del Imperio Romano en una sangrienta épica romana desarrollada en la tiranía de Titus, un general del ejército que vuelve de la guerra contra los godos, y se encuentra con luchas de poder, intrigas y asesinatos que lo involucran, la comida se irá cocinando y repartiendo durante el show, en un ágape antropófago, y los invitados al festín de Titus devoran la carne de dos prisioneros, donde el chef ofrece un apetitoso cochino ibérico, un plato que no ha sido elegido por azar (es cerdo y se cocina en un total de 36 horas) que podrá ser degustado por los 28 espectadores elegidos junto a los actores.

Para ello la Fura recurrió al chef Andoni Luis Adúriz, del restaurante vasco Mugaritz, uno de los mejores restaurantes españoles y que éste diseñó un menú especial, que culmina con un alimento que "está a un cromosoma de la carne humana" y que en la gira latinoamericana acompañó bajo el cuidado de mantener despiertos al público, los tres sentidos el chef Joan Serra.

Los aromas -dice el director de la puesta-, actúan de una forma muy

subliminal. Con la música te podés tapar los oídos si no te gusta, y con las imágenes podés taparte los ojos para no verlas, pero con los olores siempre se llega tarde”, reflexiona.

"Nos seguimos reinventando en busca del espectáculo total y diferente", dice Pep Gatell, a cargo de la dirección de ésta nueva producción de la compañía catalana, conocida internacionalmente por su peculiar estilo y por abordar siempre nuevos retos en el campo de las artes

escénicas" que permitirá abrir la puerta al nuevo universo teatral sin explorar; la gastronomía junto al teatro", asegura Gatell.

Porque en el espectáculo no solo son imágenes y sonidos que se perciben de forma pasiva, sino también olores y sabores que llegan al espectador impregnando el ambiente mientras se camina sorteando a los actores por la sala.

También en la representación, la Fura expresa un "lenguaje furero" que se caracteriza por el predominio del cuerpo y la tecnología, donde los carros de fuego son motorizados y la movilidad actoral está en plataformas móviles y los personajes pasan de la venganza al perdón, del amor al odio, del bien al mal con mucha rapidez; así como el espacio del público que se convierte en parte de la representación escénica que incorpora el teatro de texto y la cocina.

El espectáculo rompe con lo tradicional al contar la compañía con Salvador Oliva, uno de los mejores traductores del dramaturgo inglés al castellano y al catalán, para "sacar toda la poética retórica y dejar el relato pulido", y así tener el guión preparado, con el cuál La Fura se encargó de diseñar un montaje que recuperara dicha poética extraída del texto, recurriendo a "la banda sonora, la escenografía y las pantallas con vídeo", explicó Gatell.