"Adriana Lecouvreur"

Del repertorio verista menos realista de Francisco de Cilea está la historia de la célebre actriz francesa del Siglo XVIII  Adriana Lecouvreur que representa la ópera por tener una nobleza melódica y es favorita de los mejores intérpretes por su fuerza y emotividad, será presentada por segunda vez por BAL en su temporada 2014 en el Teatro Avenida que estrenará el 6 de junio.

El elenco está integrado por Virginia Wagner, Eric Herrero, Adriana Mastrángelo, Omar Carrión, Sergio Spina, Christian Peregrino y elenco, acompaña el coro Buenos Aires Lírica con la Dirección musical de Carlos Vieu, y puesta en escena de Crystal Manich con una duracion de 2h30m.

Del repertorio verista de Puccini está es la historia de la célebre actriz francesa del Siglo XVIII que representa la ópera al tener una nobleza melódica y es favorita de los intérpretes por su fuerza y emotividad, será presentada por segunda vez por BAL en su temporada 2014 en el Teatro Avenida.
El elenco está integrado por Adriana Mastrángelo,Virginia Wagner, Rubén Conde, Christian Peregrino, Omar Carrión, Erich Herrero, Sergio Spina y elenco, acompaña el coro Buenos Aires Lírica con la Dirección musical de Carlos Vieu y puesta en escena de Crystal Manich con una duración de 2h30m.

Adriana Lecouvreur es una ópera que trata la vida teatral de la actriz principal de la Comédie-Française, Adriana, como la protagonista en la vida real, se convierte en la víctima de la clase alta de París de 1730, y así Adriana Lecouvreur (1692-1730) narra en forma imaginaria los últimos días de una célebre actriz francesa cuyo final verdadero está sumido en el misterio. 

Francesco Cilea compositor nacido en Palmi, Calabria, en 1866, realizó Adriana Lecouvreur sobre un libreto de Arturo Colautti, basado en el drama homónimo de Eugène Scribe y Ernest Legouvé. 

El estreno ocurrió en Milán en 1902 al traer un reconocimiento por el intenso trabajo, al tiempo que fue lanzado al estrellato a Enrico Caruso, que la interpretó en esa oportunidad con el rol de Maurizio.

Adriana Lecouvreur es una ópera que trata la vida teatral de la actriz principal de la Comédie-Française, Adriana, como la protagonista en la vida real, se convierte en la víctima de la clase alta de París de 1730.  

El espectador percibe los hechos teatrales al identificarse con la vida cotidiana de los personajes que habitan el mundo de la ópera y la acción explora la máscara de la sociedad, de los peligros del amor y la posibilidad de la belleza de la vida después de la muerte.

El mérito de ésta fantasía posromántica reside enteramente en la encantadora música de Cilea, influenciada por Massenet y con la orquestación de Cilea la distingue por su chispa y finalmente, Adriana Lecouvreur es un espectacular despliegue de grandes voces y virtudes justificando el lugar que ocupa junto a las renombradas óperas de Leoncavallo, Mascagni y Giordano. 

Cilea dedicó la segunda mitad de su vida a la enseñanza y falleció en Varazze, cerca de Génova, en 1950.

En el Teatro Colón de Buenos Aires Adriana Lecouvreur se representó por última vez en 1994. Buenos Aires Lírica la presentó en 2005, en una versión protagonizada por Myriam Toker, Gustavo López Manzitti, Victor Torres y Cecilia Díaz, dirigida por Mario Perusso, y en ésta segunda oportunidad será la dirección musical de Carlos Vieu y puesta en escena de Crystal Manich.

 

Sinopsis de la obra

La acción en París, en la segunda década del siglo XVIII.

PRIMER ACTO. En la Comédie Française. 

El príncipe de Bouillon espera a la actriz que admira, la Duclós. Otra actriz, la famosa Adriana Lecouvreur, mientras se prepara para salir a escena, le cuenta a Michonnet -el director de escenario- que está enamorada de Maurizio, conde de Sajonia. Llega Maurizio y declara su amor a Adriana. Convienen encontrarse después de la función y ella le obsequia un ramo de violetas.

El mensaje de una mujer pide a Maurizio un encuentro que es interceptado por el príncipe de Bouillon, quién cree que proviene de otra interesada en Maurizio: la actriz Duclos, pero la remitente es la princesa de Bouillon.
SEGUNDO ACTO. La villa de la Duclós junto al Sena, en la proximidad del Hotel de Bouillon. 

La princesa espera la llegada de Maurizio. Cuando aparece ella, exige que le confiese si está viendo a otra mujer. Él le asegura que no y le obsequia el ramito de violetas que le ha dado Adriana. Por su parte el príncipe, intentado dejar en evidencia a los amantes, ha organizado una velada a la que ya están llegando los invitados.

La princesa se esconde hasta que Maurizio le facilita la huida, y entretanto ha llegado Adriana, quién accede a colaborar con Maurizio. Aunque ninguna de las dos mujeres ofrece una pista ni tampoco se ven, ambas sospechan mutuamente de que son rivales en el amor de Maurizio.

TERCER ACTO. En el Hôtel de Bouillon. 

Durante la velada del príncipe de Bouillon la princesa reconoce la voz de Adriana como la de la mujer que le ayudó a escapar. En la certeza de su rivalidad, las mujeres se enfrentan de modo cada vez más violento: la princesa le muestra a Adriana el ramo de violetas ahora marchito y la actriz, en represalia, recita una escena de Racine, obvia alusión a la inmoralidad de la princesa, y ante ésta ofensa la princesa de Bouillon jura venganrse.

CUARTO ACTO. La casa de Adriana. 

La compañía teatral, encabezada por Michonnet, visita a Adriana para celebrar su cumpleaños. Uno de los regalos es el envío anónimo de un cofre que contiene violetas marchitas, acompañado de una nota de Maurizio. Herida por lo que interpreta como la devolución de Maurizio, las besa y las arroja al fuego. Inmediatamente comienza a sentirse mal: en las flores había algo extraño.

Llega Maurizio y le asegura que el envío no es de él, que quiere casarse con ella, pero es tarde; Adriana comprende que la princesa la han envenenado con las flores. Canta su última escena, “Ecco la luce”, y muere.

Virginia Wagner mostró eficacia en el rol central y lució en la emblemática aria de entrada en “Poveri fiori” con sentida interpretación de sus buenos recursos vocales. También la "princesa de Boillon" con la mezzosoprano uruguaya Adriana Mastrángelo en su rol (de princesa vengativa) tuvo excelente relieve vocal y expresividad actoral, con alguna tendencia estridente en las notas extremas.
Prometedor el Mauricio, "Conde de Sajonia" el desempeño del tenor brasileño Eric Herrero, en su segunda temporada con la entidad. Algún perfeccionamiento en la línea de canto y articulación sería ventajoso para redondear la homogeneidad de su voz, reveladas en arias como “La dolcissima effigie”, cuya melodía sirve de leitmotiv del personaje Mauricio que creara en el estreno mundial en 1902 en el Teatro Lírico de Milán, el gran Caruso bajo la dirección de Cleofonte Campanini.
Correcto el desempeño vocal y escénico del barítono Omar Carrión en "Michonnet" como el director de la Comédie, también el "príncipe de Bouillon", el bajo Christian Peregrino y el "abate de Chazeuil" con Sergio Spina como tenor, también eficaces el resto de los integrantes.
La representación sin dudas resultó acertada con la experta y puntual batuta del maestro Carlos Vieu quién plasmó una versión con estilo pleno de melodismo y obtuvo un buen ajuste en sus intérpretes.
Muy simple y sobria fue la puesta escénica de Crystal Manich con una mirada respetuosa y coherente de la ambientación, consiguiendo rescatar los mejores momentos en el cuarto acto con el último dúo de amor observado sin esperanzas por la impactante muerte de Adriana. 

"...Como cuándo Vinimos de España"

"Como cuándo Vinimos de España" desde que Colón descubrió América refiere a la situación de los inmigrantes españoles recién llegados al Rio de la Plata, es parte de las propuesta temática que dió lugar al espectáculo que Edith Margulis creara, una farsa musical con historia al poner la mirada con humor de ésos humos disipados que dejó ése dicho en la gente, y con su autoría Margulis evoca acompañando con música de la época y canciones de los relatos del romancero español, junto a Toro Stafforini como autor de los arreglos musicales. 

Los textos, así como la puesta en escena fueron ideados por Edith quién también diseñó y prepara para servir una gastronomía con comida típica española que precede al espectáculo con tapas, tortillas fabada y natillas en una cena-espectáculo.

Entretenimiento acogedor é histriónico de Edith Margulis donde sobrevuelan en el aire los duendes de la conquista esotérica entre las candilejas, que trae imaginación para sorprender a las musas inspiradoras intimistas que tiene La Biblioteca en M.T Alvear 1155, con reservas al Tel.: 4811-0673.

BALyrica: "Wagnerfest!" concierto de Tannhäuser, La Valkiria y "El Anillo del Nibelungo"

"Wagnerfest!" se presentará en el Teatro Avenida el 2, 4, 8, 10 y 13 de mayo a las 20 hs, bajo la dirección musical del maestro chileno Pedro-Pablo Prudencio, con las voces de la soprano Carla Filipcic-Holm y el bajo-barítono Hernán Iturralde.

WAGNERFEST es un programa sinfónico-vocal con momentos de TANNHÄUSER, DIE WALKÜRE y GÖTTERDÄMMERUNG de Richard Wagner.

Los momentos wagnerianos elegidos son los siguientes: 

Tannhäuser 

- Segundo acto: Introducción y escena de Elisabeth, Dich teure Halle! 

-Tercer acto: Preludio; escena Elisabeth-Wolfram; plegaria de Elisabeth: 

Allmächtige Jungfrau!; plegaria de Wolfram: O du, mein holder Abendstern! 

- Obertura (versión de Dresden). 

Götterdämmerung 

- Amanecer; Viaje de Sigfrido por el Rhin; Música fúnebre para la muerte de Sigfrido. 

Die Walküre- 

Tercer acto: escena Brünnhilde-Wotan, War so schmählich; despedida de Wotan: Leb’ wohl, du kühnes, herrliches Kind!; música del Fuego Mágico. 

Para ésta producción contaremos con dos distinguidos cantantes argentinos: la soprano Carla Filipcic-Holm, que asumirá las partes correspondientes a Elisabeth en Tannhäuser y a Brünnhilde en Die Walküre; y el bajo-barítono Hernán Iturralde, quién cantará la parte de Wolfram en Tannhäuser y de Wotan en Die Walküre.

La orquesta será más numerosa que en nuestras habituales producciones operísticas, y se ubicará sobre el escenario del Teatro Avenida.

TANNHÄUSER. “Tannhäuser y el torneo de cantores del castillo de Wartburg“ trata acerca de una figura histórica: del caballero Tannhäuser (un Minnesänger, trovador alemán) y su dilema entre seguir a la diosa Venus o a la Virgen María, es decir, ése dilema entre sensualidad y espiritualidad. 

La espiritualidad y la fé están encarnadas por Elisabeth, la mujer amada por Tannhäuser. La primera escena de nuestro concierto pertenece al Acto 2 y muestra a Elisabeth feliz por volver a encontrarse en el lugar en que se habrá de celebrar el torneo de los Minnesänger, el torneo en que piensa ella que su amado saldrá vencedor (se equivoca). Elisabeth tiene otro pretendiente, Wolfram von Eschenbach, amigo de Tannhäuser. 

En las escenas que vamos a escuchar del Acto 3 encontramos a Elisabeth y a Wolfram esperando el regreso de Tannhäuser, quién busca el perdón peregrino de Roma; luego, a Elisabeth que al presentir su prematuro final, eleva una plegaria a la Virgen, y finalmente a Wolfram quién se dirige al lucero vespertino rogándole que la bendiga en su ascenso al cielo.

EL ANILLO DEL NIBELUNGO. “Der Ring des Nibelungen”, (la “Tetralogía”), es una serie de cuatro óperas que configuran una sola historia basada en leyendas germánicas y escandinavas, situada en los tiempos mitológicos: “Das Rheingold“ (El oro del Rin), “Die Walküre“ (La valquiria), “Siegfried“ (Sigfrido) y “Götterdämmerung“ (El ocaso de los dioses). 

La trama gira alrededor de un anillo mágico que otorga a quién lo posee el poder de regir el mundo, anillo forjado por el enano (nibelungo) Alberich con el oro que ha robado a las hijas del Rin. 

Varias figuras míticas luchan por la posesión del anillo, en especial Wotan, el jefe de los dioses. Sigfrido, hijo de sus hijos Sigmundo y Siglinda (hermanos gemelos) es el héroe que promete ser un nuevo orden universal y quién se apodera del anillo, pero será traicionado y asesinado.
Finalmente Brunilda (Brünnhilde), una de las nueve valquirias hijas de Wotan y amante de Sigfrido, devuelve el anillo a las hijas del Rin y se autoinmola mientras que la morada de los dioses -el Walhalla- se destruye por el fuego y el Rin desbordando su cauce.

Los fragmentos que escucharemos corresponden, el primero a “Götterdämmerung“ de cuál se han extraido dos momentos orquestales (el “Viaje de Sigfrido por el Rin“ y la “Música fúnebre para la muerte de Sigfrido“) y el segundo, la escena final completa de “Die Walküre“ en que Brunilda ha defendido el amor incestuoso de Sigmundo y Siglinda, por lo cuál Wotan a instancias de su esposa la diosa Fricka debe castigarla. Para ello la pone a dormir rodeada de un anillo de fuego que solamente podrá ser rescatada por el más sublime de los héroes, Sigfrido ... en su próxima ópera.

Duración total aproximada: 2 horas y 25 minutos.
Orquesta Buenos Aires Lírica

ANNA BOLENA

Iniciando la duodécima temporada BA.lírica ha recurrido a un repertorio de cuatro títulos durante 2014 de la tradición operística clásica, romántica y que comienza con la menos recordada Anna Bolena la tragedia lírica en 2 actos de Donizetti con libreto de Felice Romani, el 21 de marzo en el Teatro Avenida de Buenos Aires.
El repertorio está integrado por Enrico VIII, el bajo Christian Peregrino;  Anna Bolena la soprano Macarena Valenzuela;  Giovanna Seymour la mezzosoprano Florencia Machado;  Lord Rochefort Walter Schwarz;  Lord Riccardo Percy el tenor Santiago Ballerini;  Smeton la mezzosoprano Luciana Mancini;  Sir Harvey Mauro Di Bert.Dirección musical: Rodolfo Fischer, Puesta de escena: Pablo Maritano, Dirección de coro:  Juan Casasbellas, Diseño escenográfico: Andrea Mercado, Diseño de vestuario: Sofia Di Nunzio, Iluminación: José Luis Fiorruccio.
Con un elenco de primera línea de cantantes con voces equilibradas y bien timbradas de todos por igual, ante un auditorio de exigencia ofreció la oportunidad de disfrutar una versión intimista de la tragedia lírica con beneplácito para una gran platea operística, una obra de gran belleza y valor con tan dignos intérpretes que supieron realzarla con el mejor mérito interpretativo del belcanto.

Gaetano Donizetti, junto a Bellini y Rossini, es uno de los tres grandes compositores que han sostenido la respetabilidad de la era del bel canto con un legado que ha logrado instalarse en el Parnaso de la cultura occidental.

Nacido en Bergamo en 1797 de condiciones humildes, fue estudioso trabajador y tenaz artista y tuvo la suerte de encontrar a un gran maestro que reconoció su talento y lo instruyó durante diez años sin cobrarle: el alemán Johann Simon Mayr (1763-1845).
En el Teatro Carcano de Milán estrenó el 26 de diciembre de 1830 su ópera Anna Bolena, con las mismas  fórmulas rossinianas que venía usando al no querer someterse a la ópera buffa que venía haciendo suceso y mantenerse en el drama lírico al mantener la expresividad de la orquestación que le permitió acceder al éxito hasta que Verdi comenzó a disputarle el cetro.
En Anna Bolena se destacan dos momentos muy famosos  del  segundo  acto: la confrontación de Anna y Giovanna y sobre el final la escena de la locura de Anna.
A pesar de no ser la ópera más representada y estar en la trilogía Tudor de Donizetti, junto a Maria Estuardo y Roberto Devereux.
En el Teatro Colón de Buenos Aires se representó en 1970 protagonizada por Elena Suliotis y Fiorenza Cossotto, con la dirección de Oliviero de Fabritiis, y la versión  de  Buenos Aires Lírica que estrena, está protagonizada por dos jóvenes cantantes, la  chilena  Macarena Valenzuela (Anna), y la mezzo rosarina Florencia Machado (Giovanna) y una segunda cantante chilena, la mezzosoprano Luciana Mancini, completando el elenco el bajo Walter Schwarz (Rochefort) y el tenor Mauro Di Bert (Hervey), con la dirección musical de Rodolfo Fischer, director chileno-suizo que ya trabajó en Buenos Aires Lírica y que desarrolla una reconocida actividad internacional.
La puesta en escena pertenece al régisseur Pablo Maritano con Andrea Mercado (escenografía), Sofía Di Nunzio (vestuario) y José Luis Fiorruccio (iluminación) y la dirección de coro es de Juan Casasbellas.

Anna Bolena no se creó por inesperada inspiración sino como consecuencia de un trabajo gradual después de una repartida actividad entre Roma y Nápoles de otras puestas operísticas que sumaron éxítos y fracasos durante 52 representaciones entre la cuál la farsa de "La lettera anónima" en el Teatro del Fondo de Nápoles el 29 de junio de 1822 había producido cierto desencanto a pesar de sus 20 representaciones, y al poco tiempo se dedicó a ensayar en Milán "Chiara e Serafina" que subíó a escena en La Scala el 26 de octubre con 12 representaciones que distó de ser un triunfo soñado por Donizetti, con lo amargado y desmoralizado abandonó Milán y le obligó a reformar su propio estilo con mayor preocupación en la escencia dramática operística con lo cuál ocho años más tarde Anna Bolena le dió su revancha con un lenguaje estilizado apartado de las óperas clásicas para incorporar una estética musical al temprano Romantisismo Italiano que se generaba en ése momento.
En oposición a los valores operísticos defendidos por los tradicionalistas napolitanos la crítica no favorecía al semillero de nuevos logros de los máximos compositores de música dramática de la Italia del siglo XIX.
Entre los arírtócratas milaneses disgustados con las autoridades de La Scala motivó encargar a Donizetti una nueva obra dramática para el Teatro Carcano, para escarmiento de la otra sala planearon una temporada de calidad y el tema elegido fue la segunda esposa del monarca británico Enrique VIII, con Anna Bolena caída en desgracia que Donizetti introdujo en el mundo de la ópera con sus tres reinas Tudor con María Estuardo (Scala 1835, con libreto de Guiseppe Bardari) y Roberto Devereux donde aparece Isabel I,(San Carlo de Nápoles, 1837, con libreto de Salvatore Cammarano).
Con el libreto de Felice Romani, Donizetti compone su tragedia en la villa Giuditta Pasta en Blevio sobre el Lago de Como. Como se estilaba en la época un compositor podía usar fragmentos de otras óperas precedentes que no tuvieron suceso podían ser reutilizados y así Anna Bolena ofrece una recopilación de otras creaciones sumado a su música nueva y un argumento romántico trágico con dos amantes preparadas a morir anhelando un más allá que las libere de los sufrimientos.
En medio de la rivalidad teatral más importante en Milán, La Scala se concentró en contratar a Vincenzo Bellini contra el teatro Carcano que ostentaba a Donizetti llegado para conquistar sus méritos desmerecidos con "Anna Bolena", y su rival lo hacía con un estreno milanés de "I Capuleti e i Montecchi" que no tuvo gran interés público, pero Bellini tuvo su revencha en marzo de 1831 con el estreno de "La Sonámbula" en el Carcano.
Al retirarse Rossini de la actividad teatral fueron Bellini y Donizetti que lo sucedieron como los mejores compositores italianos, sus rivalidades se acrecentaron por las virtudes de ambos.

Después del éxito de Anna Bolena se le abrieron las puertas al exterior a Donizetti que estrenó su ópera en Londres el 8 de julio de 1831 y en París el 1° de septiembre del mismo año con la dupla de intérpretes Pasta-Rubini y otro dúo célebre Giulia Grisi-Mario que mantuvo dicho repertorio por 25 años, y en USA se estrenó en Nueva Orléans en 1839, en idioma francés.
A fines del siglo XIX la popularidad de Anna Bolena decayó para aparecer en Barcelona en 1947 con un elenco integrado por Sara Scuderi, José Soler, Giulietta Simionato y Césare Siepi dirigidos por Napoleone Annovazzi.
En La Scala en 1957 se presentó con María Callas bajo la dirección musical de Gianandrea Gavazzeni y puesta de escena de Luchino Visconti y en Buenos Aires en el Teatro Colón en 1970 con Elena Suliotis, Fiorenza Cossotto, Gianni Raimondi e Ivo Vinco con la dirección musical de Oliviero de Fabritis y puesta de escena de Margarita Wallmann.
El anterior estreno de Anna Bolena en Buenos Aires fue el 17 de diciembre de 1854 en el Teatro Argentino (ex Coliseo) dirigido por Juan Victor Rivas, el elenco se integró con Ida Edelvira (Anna), Matilde Éboli (Giovanna Seymour), Juan Carlos Casanova (Enrique VIII), Luis Guglielmini (Lord Percy), Giuseppina Bertolini-Tati (Smeton), Federico Tati (Lord Rochefort) y Francesco Degiorgi (Hervey).
Ésta información fue cedida por el investigador musicólogo César Arturo Dillón que compilaba en sus archivos con una labor de muchos años tan valiosa como infalible antes de fallecer el 10 de noviembre de 2013.

Sinopsis Acerca de la ópera.
Primer Acto la acción se sitúa en Londres en la corte de Windsor con el Rey Enrique VIII;

En los aposentos de la Reina los cortesanos están inquietos al saber que Enrico está enamorado de otra mujer, y entra Seymur la otra doncella que en realidad es favorita del monarca y teme que la reina sospeche, lo que se muestra contrariada entre amor y el sufrimiento. Entra Anna turbada y disimula su pena y ordena a su paje Smeton que cante para alegrarle, y éste enamorado de la Reina canta una canción de amor pero lo hace callar al traerle la melodía recuerdos de su pasado.
Se confiesa con Giovanna aconsejándole no caer en la tentación del poder como le sucedió a ella.
Enrico le confiesa que para casarse con ella debe repudiar a Anna pero al confesarle que sabe como deshacerse del matrimonio de la Reina, Giovanna aterrorizada no quiere saber más nada.
De día en el parque del castillo, Percy se encuentra con Rochefort, hermano de la Reina quién ha retornado del exilio impuesto por el Rey y lamenta tener perdido el amor de Anna.
Aparece el Rey para salir de caza y aclara a Percy que su exilio ha sido levantado por instancia de Anna, trás encender nuevamente su amor. Por una estartegia de Enrico ordena a Harvey espiar a ambos.
En el aposento de Anna, Smeton observa un retrato de la Reina que guarda y al escuchar rumores se esconde al entrar Anna con su Hermano le pide consienta un encuentro con Percy, y al entrar éste le insiste por sus amor no correspondido y quiere quitarse la vida con su espada, entra Smeton y al ver el intento suicida que interpreta hacia la Reina opta por defenderla y Anna se desmaya, en tanto el Rey acusa a su mujer de adulterio cuándo Percy deja caer involuntariamente la imágen de Anna como prueba de la traición, y todos son arrestados.
El segundo acto en el aposento donde Anna es custodiada reza en su desgracia y aparece Giovanna que le implora confesarse culpable para poder divorciarse de Enrico y poder salvar su vida, la propuesta es rechazada y el llanto de la amante revela la verdad y entonces Giovanna le implora perdón que le concede.
En el consejo de Pares Percy y Anna son llevados ante el tribunal, y para salvar a la Reina, Smeton y Harvey confirman la sospecha adúltera condenando a Anna y cumpliendo el plan de Enrico, y ésta le pide ser ejecutada de inmediato para no humillarse ante un juicio. En tanto Percy confiesa haber sido su marido antes de Enrico lo cuál Anna lamenta su desafortunio.
El Rey furioso piensa una venganza con la niña que tuvo con Anna que es la futura Isabel I. Aparece Giovanna resuelta en dejar la corte y se arrepiente por traicionar a la Reina con lo cuál aumenta la ira del Rey y Giovanna le confiesa que lo ama para levantar la pena de muerte para Anna.

Llega Harvey y anuncia el veredicto del Consejo de Pares con la órden de Percy, la Reina, Smeton y Rocefort que serán ejecutados y la clemencia es inútil.
En la prisión de la Torre de Londres, Harvey comunica a Percy y Rochefort que el Rey les ha levantado la pena menos a la Reina que morirá, pero como la Reina no ha sido beneficiada, ellos están dispuestos también a morir.
Las damas de companía se lamentan por su triste destino que después de la sentencia se vuelve loca, y en harapos divaga y cae en el delirio mientras los cañonazos anuncian la boda de Enrico con Giovanna, pero los estruendos la traen a la realidad y en lugar de maldecir a la nueva pareja real, los perdona junto al los cuatro condenados que son conducidos al cadalso.
Nota de redacción; Enrique VIII tuvo a Catalina de Aragón (1509-1533), Ana Bolena (1533-1536), Jane Seymour (1536-1537), Ana de Cleves (1540), Catalina Howard (1540-1542) y Catalina Parr (1543-1547)

Catalina de Aragón se separó trás no darle un heredero varón y la envió al castillo de Kimbolton; mientras que con Ana Bolena hizo lo propio trás acusarla de infiel y mandarla ejecutar. Jane Seymour, le dió un hijo como deseaba, pero murió doce días después del parto. Ana de Cleves, su matrimonio fue un desastre por la incompatibilidad de caracteres y ni se consumó.
Catalina Howard prima de Ana Bolena su relación solo duró dos años, pués la rumorología de la época afirmaba que era infiel al rey y decidió ejecutarla.
Catalina Parr cuidó a Enrique VIII en sus últimos años y educó a sus hijos, y fue la última esposa del monarca.

Stravaganza, estados del tiempo

Flavio Mendoza vuelve a presentarse como un gran anfitrión del espectáculo acuático acrobático musical que le  imprime con la danza y una  puesta escenográfica con Adabel Guerrero, Belén Puchán y Federico Molinari, junto a Nahuel M. Blanco, Pedro Bruno, María Merolla, Florencia Paludi, Pamela R. Pucheta, Gonzalo F. Alfonso Silva, Mateo Sito, Darío Bishels, Lucas G. Morales Bravo, Alexander Mokroushine, Damián García, Tomas Wurch, Marien Caballero Galvé, Rosana Marinoff, Fernando Anzulovich, Maria E. D’Amico, Estefanía de Gyldenfeldt, Macarena Rinaldi, Marianela Basone, Romina Basone, Natalia Bollini, Cristian A. Falcón, Mariana R. Campos Alonso, Matías Jaime, Fabián Serna, Ezequiel Corbalán, Fernando Liao, Emiliano Buitrago, Javier M. Morales Bravo, Gonzalo Leiva, Miguel A. Cagnolo y Nicolás Busso, todos ellos hacen valer en escena con su estética y la perfección gimnástica y acrobacia un atractivo y entretenido show musical.

Tanto la orquesta como los músicos Celeste C. Marcón, Giannina Giunta, Luciano Bassi, Nahuel I. Conte, Robert Fighetti, Sergio E. Rivas, Daniel Quintas y Miguel Nayguz lucen una ajustada y eficaz actuación.
El viaje por las imágenes con efectos especiales que incluyen atrapar otros sentidos, ésta vez con lluvia, nieve, fuego, viento...y  las acrobacias nuevamente se encuadran con imágenes poéticas que cuentan una historia fragmentada.

El despliegue escénico y la danza acuática en el reloj es excelente como así su vestuario y escenografía.
Acompañan al espectáculo, el grupo humorístico* "Lo Lumvrise" integrado por Damián Taborda, Andres F. Rovetto, Pablo D. Fontana y Hernán N. Cigno que si bien son relativamente eficaces se distancian del registro del espectáculo. Su humor popular es simple é ingenuo y no alcanza a todos y solo es celebrado por algunos espectadores, y rompe los climas impuestos por los cuadros oníricos de danza y acrobacia que tienen más fuerza.
Salvando la parte textual de humor, es un gran espectáculo en el Teatro Broadway para cautivar al público con la "fuerza del agua".

"Jenůfa"

La ópera de origen checa pertenece a Leós Janácek que la compuso en 3 actos como drama homónimo de Gabriela Preissová y se estrenó en el Teatro Nacional de Praga el 9-11-1890 (bajo la dirección de Karel Kovarovic),a pesar de quererlo persuadir que el drama era inapropiado para la época.

En lo personal el autor en 1877 conoció a su alumna Zdenka Schulzova con doce años, hija del director donde ejerció la docencia, y más tarde se casó con ella y tuvo 2 hijos, Vladimir y Olga fallecidos tempranamente lo que impactó en una crisis familiar y afectó para crear lo que se refleja en su ópera (Destino de 1904) y como antecedente posterior en la obra en cuestión Jenufa que tomó como modelo a su hija Olga que fallecería de tifus en 1903 y dedicaría con sacrificio todos sus momentos libres a la obra in memorian a su hija (que se traduciría como "Su hijastra"), un drama de infanticidio que constituye su mayor logro artístico enmarcado en sus ritmos folklóricos eslavos donde describe los tipos aldeanos tal como los conoció y estudió el compositor durante su vida, con una sutil orquestación que permite transmitir la psicología dramática de los personajes. A pesar de la línea melódica hay puntos culminantes para conseguir una melodía de amplio vuelo de sensibilidad creativa.

En 1916 la primera guerra impide su difusión de la obra con el título de "Jail Pastorkyna" (La hija adoptiva) para el Teatro Nacional de Praga, pero el escritor Max Brod entusiasmado por la obra la traduce al alemán conforme al ideal de la burguesía alemana de Praga independiente y mezclada con elementos judíos conoce a Kafka que le ayuda a readaptarla con su nuevo título de "Jenůfa" y así llega a la Ópera de Viena en 1918 donde Janacek difundió su prestigio a sus 64 años.
En sus obras abunda la música folklórica con historias pasionales realistas en aldeas campestre Moravas acentuando el dramatismo musical de los comienzos del siglo XX.
Kafka como amigo le tradujo libretos de sus obras durante sus últimos 10 años de vida como "Kata Kabanova" (1919/21), "La zorrita astuta" (1921/23), "El Caso Makropulos" (1923/25), "La misa Glogolítica" de 1926 entre otras, fueron sus trabajos antes de fallecer de un infarto a los 74 años en Ostrava.

"Jenůfa" estrenada por Barylica cerrando su 10° aniversario en el teatro Avenida el 18 de octubre al ofrecer ésta ópera, un duelo vocal en idioma checo con Jenufa la (soprano Daniela Tabernig) y Kostelnicka (mezzo Adriana Mastrángelo é Elizabeth Canis), entre las dos intérpretes y otras confrontaciones amorosas entre Steva Buryja (Santiago Burgi) y Laca Klemen (Eric Herrero) que disputan el amor de Jenufa objetando razones de conducta en los sentimientos de Steva por bebedor empedernido. 

La severa Sacristana Kostelnicka le pone un somnífero para conversar con Steva que ha perdido interés por Jenufa al comprometerse con Karolka (Vanina Guilledo), hija del juez del pueblo, pero la Sacristana al enterarse para salvar el honor de su hijastra, decide matar al niño y anuncia a Laca que quiere casarse con Jenufa.

La desidia de la Sacristana es tal que sale desesperada con el bebé para arrojarlo a las heladas aguas del rio que baña la comarca y al regresar a Jenufa que pide por su bebé, le responde que mientras dormía murió de fiebre. La consuela y pide que olvide al infiel Steva y se case con Laca y ante la boda con los invitados en el tercer acto durante la fiesta está Barena (Patricia Deleo) y Jano (Laura Bjelis), un pastor del lugar que viene a buscar al juez con la noticia que encontró un bebé congelado en el rio, y donde todos se horrorizan a excepción de la Sacristana y Steva, pero al enterarse Jenufa y reconocer a su hijo, revela que Steva es el padre, ante el estupor de todos los invitados Laca la defiende y la redención de la Sacristana confiesa ser la autora, Jenufa la perdona pero la vieja madrastra es la que deberá ser juzgada, ante tal situación Jenufa se siente abandonada a su suerte de sufrimiento, entonces Laca le tiende sus brazos para comenzar una nueva vida juntos.
Un elenco muy homogéneo con voces bien definidas junto a un coro ajustado comparten un excelente trabajo de equipo.

La puesta en escena es de André Heller-López y la dirección musical de Rodolfo Fischer otro logro, que se complementa con la excelente protagonista Virginia Correa Dupuy en la vieja Buryja entre otros. 

Festival Burning Man 2013; "Arte y esoterismo por una semana "

En una plana extensión de Black Rock en el desierto de Nevada bajo un sol abrasador todos los años los norteamericanos del "stand live" más esotérico e insólitos artistas se reúnen por siete dias para construir una ciudad temporal con las más variadas expresiones del arte, música, danza diseño y arquitectura y convivir con diversión durante ése periódo en un escenario utópico, una amena aventura de Burning Man, una experiencia inusual en comunidad dentro de un decálago que regula la experiencia.

Durante el evento se permite expresarse de cualquier manera combinada con el arte, instalaciones, desfile de autos locos y exóticos con días temáticos que incluye vestirse totalmente de blanco o con solo un pareo y durante la noche la fiesta continúa en la comunidad entre las distintas carpas o en las casas rodantes hasta el amanecer.


Como proyecto permite extender la cultura de una convivencia ampliada en una estructura que permite aplicar los principios de comunidad más espiritual y participación del trabajo en común, como ser utilizando la energía solar sin costo y enseñar a instalar energías renovables y facilitar el voluntariado como principio de regalar su tiempo y talento para ayudar a otros.
Black Rock City tiene cocina a gas de garrafa baños públicos y es necesario llevar todos elementos, ropa y bolsa de dormir y las provisiones, para vivir los 7 días y preveer llevar agua para consumir 4 lts díarios por persona.



La forma de moverse en ése inmenso espacio desértico es en su propia bicicleta que cada uno debe llevar o alquilar.
Para llegar allí se accede desde California por auto de San Francisco hasta Reno que es la ciudad más cercana al lugar y una vez finalizado el evento los participantes se llevan todo lo traído y queman con una fiesta el resto de las estructuras montadas, de tal manera que no quede rastro ninguno en el desierto, como lo dicta uno de los mandamientos del decálago en la responsabilidad de cuidar el medio ambiente, y rigen también la responsabilidad civil, la autosuficiencia, el esfuerzo comunitario, expresión personal, la participación, la inclusión social, la inmediatez y subsisten con el trueque ó regalarse cosas, como así todo lo perdido o encontrado se devuelve a su propietario, como también lo abandonado que son cientos de bicicletas vuelven a usarse el próximo año.
Así durante una semana se citan en el festival 75.000 personas para vivir y compartir en ése páramo una experiencia única en el mundo.

Por sobre toda la libertad de lo que uno quiera expresar en Burning Man está el ocio de sentir robado a la libertad de su vida, y haya soñado vivir plenamente libre de prejuiciós con la música, el arte y el amor.