ORFEO y EURÍDICE, un esposo con el alma en luto

Orfeo y Eurídice con libreto de Raniero de Calzabigi y música de Christoph W. Gluck cambiaron el curso de la ópera por siempre después que los academicistas de Florencia habían inventado el género un siglo y medio antes, ellos consiguieron reinventar el impacto emocional de la tragedia antigua para conseguir abrazar la naturaleza humana en su complejidad insondable del dolor que fue estrenada en el Burgttheater de Viena en 1762, y posteriormente abrió el camino para la llegada de Mozart.

El mito de Orfeo sobrevive el paso del tiempo al ser acosado por el infierno de su soledad y se liga a su miseria personal y como consuelo lo asiste el paraíso en su sueño y recuerdos de infancia y en su memoria a Eurídice.

La experiencia que proponía el orfismo consistía en tomar contacto con lo divino a través de la personificación de la memoria pero todos ellos exceden a la fábula.

Así la historia de Erídice es la lucha desesperada por asirse a sus recuerdos y volver su rebeldía  contra lo irreversible y lo definitivo como el final de su vida. En su lucha logra alterar el orden divino y desafiar a los dioses que lo hace a través de la poesía y la música para vencer la inercia y ferocidad que lo acosa la muerte misma donde predomina la transgresión al orden de la naturaleza.

Platón puso en duda la existencia de Orfeo y su capacidad de recuperar a su esposa Eurídice en cuya búsqueda tenía partido ya que nadie vuelve del mundo de los muertos ni con los ejercicios del arte que engaña los sentidos.

Frente a la pérdida de su esposa toda ópera es un lamento donde Orfeo se siente culpable al no estar en su momento trágico donde a través de los siglos la historia se repite sin consuelo para los griegos ni para el hombre del siglo XXI como irremediable destino como un infierno propio.

Sin embargo vencer la muerte despertó fascinación durante siglos así el hombre pudo vencer a la muerte a través del movimiento religioso de los griegos en términos filosóficos  retomado por Eurípides, Simónides, Aristóteles, Virgilio, Ovidio, Apolonio de Rodas, Sheakespeare entre otros. En la música fue con Mozart en la Flauta Mágica y llega hasta nuestro tiempo con Moraes y Jobim al componer "A felicidade" (tristeza nao tem fim..) en la película Orfeo Negro de Camus de 1958.

La ópera en un acto con una duración de 1h30´ se representó en el Teatro Avenida el 19 de agosto de 2016  por Juventus Lyrica con el siguiente repertorio;

Orfeo Martín Oro, Eurídice María Goso Amor Victoria Gaeta, Caronte Oreste Valiente, Médico Carlos Kaspar, Madre-Enfermera Cristina Ferrajoli, Mujer 1 Laura D¨Anna, Mujer 2 Marbella Alejandra Gil Aldana, Hombre 1, Giorgio Zamboni, Hombre 2, Jeferson Jose Queipo Urdaneta, Orfeo Niño Eliseo Bossi y el coro de Juventus Lyrica con la dirección de Hernán Sanchez Arteaga.

Dirección escénica y vestuario de María Jaunarena y Dirección musical de Hernán Schvartzman. 

Argumento

Orfeo lamenta su pérdida de su esposa Eurídice sobre su lecho, atormentado por los fantamas de su culpa y cae profundamente dormido . Al despertar está enfurecido con los dioses por tenerséla arrebatado. Aparece entonces Amor y le ofrece un pacto para poder rescatar a Eurídice del reino de los muertos, si logra conmover las furias del inframundo, pero le ofrece una condición, no deberá explicar porqué no hace el camino de vuelta al reino de los vivos.

En su paso por el infierno se escucha el canto de Orfeo para calmar las furias y sus demonios que lo acosan  y se preguntan quién es ése audaz que se atreve entrar en sus dominios. Orfeo logra con su voz y su instrumento vencer la hostilidad de los seres infernales que ceden ante su música.

Ya en el paraíso se reencuentra con Eurídice que la toma de la mano y emprende su regreso pero Eurídice no comprende la actitud de Orfeo que parece no amarla. Conmovido por las insistentes súplicas de su esposa que olvida el pacto, la mira y la pierde. Orfeo se sumerge en su dolor e intenta suicidarse pero es retenido por el Amor que conmovido por su constancia decide devolverle a Eurídice. Todos celebran el imperio de la belleza del arte gracias a cuál siempre evocará y volverá a ver a su amada esposa.

"ERNANI" y el honor castellano

En la obra teatral del francés Victor Hugo, "Ernani o el honor castellano", es la quinta ópera de Verdi y la que consolidó la fama internacional con un drama vigoroso y romántico.
Con la dirección musical de Juan Casasbellas, la puesta en escena de Crystal Manich y la participación de algunas talentosas voces de la lírica sudamericana como Nazareth Aufe (Ernani), Monserrat Maldonado (Elvira), Lisandro Guinis (Don Carlo), Sávio Sperandio (Don Ruy Gómez de Silva)

 y elenco.

               
         

Buenos Aires Lírica presenta por primera vez ésta obra con escenografía de Noelia González Svoboda, vestuario de María Emilia Tambutti e iluminación de Rubén Conde, acompañados por gran orquesta y la participación del coro de la entidad.
El Hernani de Victor Hugo ocasionó una revolución al introducir el romanticismo a los escenarios franceses. Giuseppe Verdi se entusiasmó con el valor dramático de la obra y creó una ópera romántica cuyos códigos tal vez sean enigmáticos para espectador del siglo XXI pero en la cuál se reconoce a los personajes con caracteres psicológicos con una acción dramática que no decae siendo en Verdi una partitura llena de fervor patriótico.
Ernani se estrenó en el Teatro de La Fenice en Venezia en 1844 y fue durante todo el siglo XIX una de las óperas más representadas de Verdi y en Buenos Aires se estrena el 5 de agosto en el Teatro Avenida.

Argumento:
En el castillo de Silva, en España, y en Aquisgrán en 1519.
Entre los Habsburgos y los duques de Aragón hay una vieja enemistad. Un duque ha sido asesinado, pero su hijo pudo escapar, desde entonces recorre el país con el nombre de Ernani y enardece los ánimos contra el rey Carlos, que quiere hacerse coronar emperador (Carlos I de España, V de Alemania).
Ambos el rey y el rebelde, se enamoran de Elvira, sobrina del noble Silva, que también tiene la intención de casarse con la joven.
De ésta triple rivalidad surge la acción de la obra de teatro y de la ópera, donde el rey quiere secuestrar a Elvira, pero Ernani logra evitarlo. Silva, que sorprende a ambos hombres en el castillo, los desafía a un duelo.

Carlos se dá a conocer y declara haber ido a pedir consejo al noble a propósito de la elección del emperador. Ernani se aleja con ideas de venganza, pero todavía no ha llegado el momento de oponerse abiertamente al rey. Al odio contra el viejo enemigo de su casa se añade el odio contra el poderoso rival.
Se llegará a una batalla de los rebeldes contra el poder del rey con los hombres de Ernani que muerden el polvo, pero Ernani escapa, y el rumor de su muerte llega al castillo de Silva.
Elvira, que lo amaba llora su muerte, pero al final cede a las presiones de su tío y se declara dispuesta a casarse con él. En la boda los rivales vuelven a encontrarse con Ernani que se acerca disfrazado de peregrino y se aloja en el castillo.

Una larga conversación con Elvira convence para que la joven lo siga amando. Silva ha oído la conversación pero la hospitalidad que ha garantizado a Ernani es sagrada para él. Incluso lo oculta cuándo entra el rey, pués ha reconocido que es un rival con más suerte.
Carlos ordena registrar el castillo y no encuentran al rebelde Ernani y hace secuestrar a Elvira,
Silva quiere batirse con Ernani, pero el secuestro de Elvira es más importante. A manera de pacto de caballeros los rivales deciden liberar primero a Elvira y luego Ernani se quitará la vida cuándo Silva dé una señal con el cuerno.

El último acto se desarrolla en la catedral de Aquisgrán.
Durante la elección del emperador que recae en Carlos, los conjurados se reúnen para matar al nuevo gobernante, pero los descubren y los detienen. Ernani se dá a conocer como duque de Aragón.
El nuevo emperador procede con benevolencia y perdona a Ernani que quiere unirlo para siempre con Elvira, para que vivan felices en el ducado de sus antepasados.
Durante la boda suena de repente el cuerno de Silva, que recuerda a Ernani su antiguo juramento que no hay poder en el mundo que le impida cumplir con su honor de caballero y se clava el puñal ante los ojos de su amada, y ella se quitará la vida inmediatamente después.

I Capuleti e i Montecchi

 Los detalles del bel canto, es un estilo de ópera que floreció en Italia en las primeras décadas del siglo XIX y que asociamos principalmente con los nombres de Rossini, Bellini y Donizetti. Recordaremos que se trata de un estilo que se distinguía por un interés de la perfección técnica por el brillo y su virtuosismo vocal, más por la melodía que por el drama que invadió la totalidad de la música hasta influir, sobre las formas puramente instrumentales.
Mencionamos los tres nombres emblemáticos de éste primo ottocento que es más lo que los une que los separe, pero aún así cada uno hizo un aporte personal.
En la obra de Vincenzo Bellini, lo más interesante es la verdad dramática por lo cuál Bellini, fue celebrado como el autor de Norma- nació en Catania, Sicilia, en 1801 y murió en París en 1835.
I Capuleti e i Montecchi es una "tragedia lírica" en dos actos sobre un libreto de Felice Romani, distinguido poeta que proveyó los libretos de todas las óperas principales de Bellini y de Donizetti. Aunque podría creerse que se trata de la historia de los amantes de Verona tal como la escribió Shakespeare, no es ése el caso: Shakespeare no era conocido en la Italia de ése momento y Romani basó su libreto en una obra teatral creada a partir de una novella del renacentista Matteo Bandello.

En verdad nuestra ópera desciende en línea directa de las mismas fuentes que inspiraron a Shakespeare, y que la historia no es exactamente la de los dos infortunados amantes sino también la de una lucha política entre güelfos (los Capuleto) y gibelinos (los Montesco).
Capuleti es la obra que marca la madurez artística de Bellini y por encargo del teatro "La Fenice de Venecia" y fue estrenada en ése teatro en el carnaval de 1830.
El rol travestido de Romeo, asignado a una mezzosoprano cuándo uno esperaría que correspondiera a un tenor: la explicación es enteramente musical y se comprende si se recuerda que en el "bel canto", el realismo debe ceder su lugar a la belleza de voz sonora femenina.
La otra más anecdótica, se refiere al origen de la obra como reelaboración de una ópera anterior, Zaira, escrita para Parma un año antes y fracasada por completo.
Sobre ésa curiosa base I Capuleti e i Montecchi resultó un éxito espectacular y su carrera en el siglo XIX fue imparable hasta que sufrió el destino común a todo repertorio, con el avance del nuevo lenguaje musical y teatral de Verdi y de Wagner.
I Capuleti e i Montecchi recién revivió en Catania en 1935 y hoy se está restituyendo como  título cada vez más favorito en los grandes teatros europeos.
El 4 de junio de 2016 se estrena en el teatro Avenida I Capuleti e i Montecchi, intervienen en éste primer Capuleti de "Buenos Aires Lírica", Cecilia Pastawski como  Romeo; Rocío Giordano como Giulietta; Santiago Ballerini como Tibaldo; Walter Schwarz como Capellio y Sebastian Angulegui como Lorenzo.
Participa el coro de Buenos Aires Lírica preparado por Juan Casasbellas con gran orquesta bajo la dirección de Jorge Parodi, el maestro argentino que desde hace años reside en New York donde se desempeña en la Juilliard School y en la Manhattan School of Music, que conocimos al frente de nuestra Lucrezia Borgia en 2013.
La producción se debe a Marcelo Perusso, con vestuario de Stella Maris Müller e iluminación de Rubén Conde.

La acción se sitúa en el palacio de los Capuleti en Verona, en el siglo XIII.
En ésta versión de la historia los Capuletos y los Montescos son furiosos rivales políticos: güelfos unos, gibelinos los otros. Capellio, padre de Giulietta, es el líder de los Capuleti mientras que Romeo es el líder de los Montecchi. Giulietta es la prometida de Tebaldo pero ama a Romeo, cosa que sólo lo sabe Lorenzo, el médico de la familia, y Romeo ha matado al hermano de Giulietta.

PRIMER ACTO.

En el palacio: Capellio y Tebaldo advierten a sus seguidores que han rechazado una oferta de paz de un enviado de Romeo. Tebaldo vengará la muerte del hijo de Capellio para proceder con su matrimonio con Giulietta. Capellio rechaza toda idea de paz y Romeo debe aceptar su reto de guerra.
En los aposentos de Giulietta: Lorenzo ha dispuesto que Romeo vaya a ver a Giulietta por una puerta secreta. Romeo intenta convencerla de que escape con él, pero ella se resiste en nombre de la familia y del honor. 

En el palacio: Romeo está disfrazado esperando el apoyo de sus soldados para impedir la boda. Trás el ataque armado de los Montesco, Giulietta ve a Romeo y de nuevo él le pide, sin éxito que se escape. Capellio y Tebaldo los descubren creyendo que Romeo es un enviado de los Montesco, Giulietta intenta protegerlo pero él les dice orgullosamente su nombre. Los Montesco entran a protegerlo y en el tumulto los amantes quedan separados.

SEGUNDO ACTO

En otro lugar del palacio: Giulietta espera noticias de la lucha. Lorenzo le dice que Romeo vive, pero que pronto la llevarán a ella al castillo de Tebaldo. Tiene un plan para ayudarles: la convence para que tome una poción que la hará parecer muerta, y lo organizará todo como para que tanto él como Romeo estén presentes cuando se despierte. 

Capellio vene a ordenarle que se vaya con Tebaldo al amanecer. Ruega a su padre que la perdone antes de morir. Capellio se alarma y sospecha que Lorenzo está implicado, así que hace que lo vigilen. En los subterráneos del palacio. Romeo espera impaciente a Lorenzo. Llega Tebaldo y luchan, pero se ven interrumpidos por un funeral: es el de Giulietta. Cada uno de los rivales, llenos de remordimiento, pide al otro que le dé muerte.

                                                                 

Romeo entra y sus compañeros abren el sepulcro de Giulietta. Romeo se despide de ella y toma veneno. Giulietta se despierta y encuentra a Romeo sorprendido por su muerte simulada e ignorante del plan de Lorenzo. Romeo muere y Giulietta, incapaz de vivir sin él expira sobre su cuerpo. Los Capuleto y los Montesco acusan a Capellio de la tragedia por su dureza de corazón e intransigencia.

Fotos gentileza de Liliana Morsia.

"FAUSTO" de Charles Gounod

Charles Gounod es el más entretenido de los pactos con el diablo y abre la 14º temporada de Buenos Aires Lírica en el Teatro Avenida, con "Faust" y libreto de Michel Carré y Jules Barbier basado en el drama de J.W von Goethe con la dirección musical de Javier Logioia Orbe y la puesta en escena del talentoso régisseur argentino Pablo Maritano.
Es una de las grandes óperas del repertorio clásico que fue estrenada en París en 1859, y narra la leyenda medieval del pacto con el diablo de acuerdo al poema alemán de Johann Wolfgang von Goethe.
Por su popularidad fue la ópera más exitosa de todas hasta el siglo XX a pesar de no incorporar los aspectos filosóficos que dieron fama al Fausto de Goethe (en Alemania se la conoció como “Margarethe”), sigue siendo una de las óperas más apreciadas gracias a su magnífica inspiración melódica y a su fluida dramaturgia.
Ésta versión se integra con la Puesta en Escena de Pablo Maritano.
Elenco: Dario Schmunck (Faust), Marina Silva (Marguerite), Hernán Iturralde (Méphistophélès), Ernesto Bauer (Valentin), Cecilia Pastawski (Siebel), Juan Font (Wagner) y la participación especial de Virginia Correa Dupuy (Marthe).
Escenografía:Enrique Bordolini.
Vestuario:Ramiro Sorrequieta.
Iluminación:Enrique Bordolini.

Faust fue la obra que inauguró el Teatro de la Ópera Metropolitana de Nueva York allá por 1883, en ése antiguo teatro que se encontraba en Broadway en la calle 39, local que fue dejado por la compañía para mudarse al Lincoln Center desde los 1960. Es una obra que han interpretado grandes tenores y bajos desde su estreno en 1859. De los primeros se exige: matices,  notas tanto graves como agudas, y mucha presencia y es un reto para todo bajo que llegue a interpretarlo como el bajo Fedor Chaliapin.

La puesta incluye bailarines y coro que ilustra cada escena que se inicia con la botica de Fausto entre alucinaciones crea al diablo y que está todo en sus sueños.
En la obra de Goethe, Marguerite tiene un papel secundario, pero en la obra de Gounod es básicamente  ella, pués es el personaje por el que los otros personajes se desenvuelven, y vemos su evolución que trasciende con su crescendo vocal y se vuelve  más lirica hacia el dúo con Faust en el tercer acto. Termina los dos últimos actos devastada emocionalmente, habiendo pasado por diversos pecados y estados de histeria.
Muy pocos cantantes logran interpretar tan bien roles tan opuestos como el de Faust en una obra tan compleja y filosófica, que resulta difícil llevar sus temas principales al escenario elegido, siendo el principal reto del director enfocar la atención en los elementos artísticos. 
La leyenda medieval del sabio que vende su alma al diablo sobre el final de su vida, en la mayoría de las veces fue tratado con superficialidad que vá más allá del estudio de la naturaleza y del alma humana, y de aquellas ideas cristianas del bien y del mal para llegar a una confrontación del hombre consigo mismo, con su fé y su conciencia.
En nuestra versión autóctona de Estanislao del Campo de nuestra literatura el aporte en éste tema era trascender la invención diabólica en el Fausto criollo en 1866 en tiempo de la Guerra con el Paraguay para energizar la valentía de los criollos con el personaje de Anastacio " El Pollo" que no distinguía la ficción de la realidad y de los errores imperdonables que habían afectado al ser nacional en sus costumbres criollas. 

La acción se sitúa en Alemania, en el siglo XVI. 

PRIMER ACTO. El anciano doctor Faust se encuentra en su estudio, solo y desesperado, añorando la juventud. Ante la falta de respuesta a sus interrogantes filosóficos invoca al demonio, que acude bajo la forma de un caballero de nombre Méphistophélès. El recién llegado se pone a sus órdenes asegurándole que puede satisfacer todos sus deseos. Pero con una condición: después de su muerte, el alma de Faust habrá de pertenecerle. 
Faust, que solamente quiere recobrar el vigor, la sensualidad y las esperanzas de la juventud, acepta el pacto y bebe la poción que Méphistophélès le ofrece. Transformado en un joven elegante, Faust canta al futuro y a las alegrías que le esperan, y ambos parten en busca de aventuras.

SEGUNDO ACTO. En la plaza del pueblo el soldado Valentin, a punto de ir a la guerra con su regimiento, confía su hermana Marguerite a sus amigos. Méphistophélès aparece y se burla de Marguerite, provocando a Valentin y a los suyos. Valentin ataca pero su espada se quiebra en el aire; los soldados huyen, aterrorizados. Llega Faust, quien queda hechizado por Marguerite, y le ofrece su compañía. Ella lo rechaza, a lo que Méphistophélès asegura a Faust que con su ayuda la conquistará.

TERCER ACTO. Faust y Méphistophélès entran al jardín de la casa de Marguerite. Méphisto hace aparecer un cofre lleno de joyas, que Marguerite se prueba, encantada, frente al espejo. 
Faust y Méphisto se presentan ante Marguerite. Faust inicia su campaña de seducción de Marguerite, al principio sin éxito; finalmente, con ayuda de Méphisto, se abrazan y desaparecen en el interior de la casa. 

CUARTO ACTO. Nueve meses después Marguerite ha dado a luz a un niño de Faust. El amante, sin embargo, la ha abandonado. Valentin regresa de la guerra y se encuentra con su hermana humillada. 
Faust viene dispuesto a pedir perdón a Marguerite, pero solamente se encuentra con Valentin, quién lo reta a duelo. Protegido por Méphisto, Faust hiere de muerte a Valentin, que muere maldiciendo a Marguerite. Ella huye a la iglesia, donde intenta rezar. Méphisto y los suyos se lo impiden.

QUINTO ACTO (Nota: la primera escena corresponde al ballet sobre la Noche de Walpurgis que no se representa en la versión de BAL). Marguerite está en prisión y será ejecutada por haber asesinado a su hijo. La despierta la voz de Faust: ella todavía lo ama. Con ayuda de Méphisto, Faust la libera de las cadenas. 
Recuerda tiempos mejores, pero aún bajo la insistencia de Méphisto ella se niega a escapar con Faust. 
Reza a Dios por la salvación de su alma y rechaza a Faust. “¡Salvada!”, cantan los ángeles, y mientras Faust se hunde en su vergüenza, Marguerite asciende al cielo.

MANGUEIRA: la última en desfilar y la primera en ganarse el trofeo de campeón 2016

Después de 13 años sin títulos, Mangueira es la escola de samba campeona del carnaval de Río 2016 por décima novena vez al obtener en una puntuación muy reñida los 269,8 puntos, le permitió ganar el Estandarte de oro, un premio que otorga el diario O´Globo.

Última escuela en desfilar por la pasarela de Sapucai sobre la madrugada del martes, fue la que éste año honró a Maria Bethania, con la celebración de 50 años de su carrera de cantante y compositora bahiana y la historia representaba a las religiones que marcan el origen y la vida de la cantante.

El San Clemente llegó al desfile en Sapucai al burlarse contando la historia del payaso que mostró cómo el personaje que se hizo popular, destacando nombres importantes en el humor brasileño, como Mazzaropi, Calvo, Dercy Gonçalves y Oscarito. En la última alegoría, un gran payaso de escultura articulada desfilaba en protesta golpeando la olla delante de una foto del Congreso.
En cuarto lugar la escola Portela contó los viajes mundiales y con ello abusó de efectos visuales, como un hombre volaba sobre el agua en una nave alegoría donde los arqueólogos eran tragados por los dinosaurios.

Emperatriz Leopoldinense decidió honrar a Zezé Di Camargo y Luciano en un show lujoso lleno de famosos. El sonido del acordeón de Lucy Ramos animó la escuela que mostró parte de la historia del campesino con.su tierra con una alegoría de música country utilizando guitarras sobre un gran balcón de tenía la alegoría.

La estación primera de Mangueira eligió a Maria Bethania para poner fin a los desfiles del Grupo Especial en Río. El desfile mostró en su inicio la religiosidad de la cantante en su primera vez con el Candomblé y luego en el catolicismo recordó los éxitos registrados por la artista con espectáculos que marcaron su carrera. 

Varias personalidades participaron en el desfile, como Renata Sorrah, Regina Case, Alcyone su gran amiga y uno de los aspectos más destacados en el carro de Bethania Católica fue la presencia de la cantante Beth Carvalho y Caetano Veloso y también la presencia de Bethania desfilando en el último carro alegórico en la que irradiaba la emoción al público y vivoreaba los colores verde y rosa de la escola.

Presenciar el acontecimiento carnavalesco con sus efectos más brillantes, su perfección tecnológica, su arte coreográfico de cada uno de sus 4300 componentes de samba, en medio de una noche de emoción y esplendor inigualable, lo que deja al espectador satisfecho de su catártico sueño tradicional.

Pero por sobre la catarsis que genera toda ésta "mise en escena" espectacular que crea el premio tiene su contracara de otra manera para desfilar en Mangueira: o se es vecino de la favela que da nombre a la escola, cuna del samba más canalla y suburbana de Río, mentidero de poetas y bohemios de la música, otrora inexpugnable fortín de narcotraficantes y almas descarriadas, o desembolsar una suerte de canon de U$S 400 que da derecho al disfraz (o a los lujosos destaques de plumas y piedras semipreciosas que superan los U$S 10.000) que permite degustar la gloria de recorrer durante más de una hora la mítica avenida del samba, propulsado por la inercia de una vorágine de miles de personas y la cadencia rítmica de una batería formada por más de 300 percusionistas, pero ésta opción suele estar reservadas a los forasteros y los habitantes de los barrios más pudientes de Rio.

...Lo que el tiempo se llevó ...!!

*¿Qué cuántos años tengo?*
*¡Qué importa eso!*
¡Tengo la edad que quiero y siento!
La edad en que puedo: Gritar sin miedo lo que pienso...
Hacer lo que deseo, sin miedo al fracaso, o lo desconocido. ..
Pués tengo la experiencia de los años vividos y la fuerza de la convicción de mis deseos.
*¡Qué importa cuántos años tengo!*

¡No quiero pensar en ello!
Pués unos dicen que ya soy viejo,

y otras que estoy en el apogeo.

Pero no es la edad que tengo,

ni lo que la gente dice, sino lo que mi
corazón siente y mi cerebro dicta.
Tengo los años necesarios para gritar lo que pienso, para hacer lo que quiero,
para reconocer yerros viejos,
rectificar caminos y atesorar éxitos.
Ahora no tienen por qué decir:
¡Estás muy joven, no lo lograrás!
¡Estás muy viejo, ya no podrás!
Tengo la edad en que las cosas se miran con mas calma, pero con el interés de seguir creciendo.

Tengo los años en que los sueños se empiezan a acariciar con los dedos, las
ilusiones, se convierten en esperanza.
Tengo los años en que el amor,
a veces es una loca llamarada,
ansiosa de consumirse en el fuego de una pasión deseada.
Y otras es un remanso de paz, como el atardecer en la playa.
*¿Qué cuántos años tengo?

*No necesito con un número marcar, pués mis anhelos alcanzados, mis triunfos
obtenidos, las lágrimas que por el camino derramé al ver mis ilusiones truncadas...
¡valen mucho más que eso!*
*¡Qué importa si cumplo cuarenta--cincuenta ----setenta --ochenta... ......... ..
Pués lo que importa: ¡Es la edad que siento!

Tengo los años que necesito para vivir libre y sin miedos.
Para seguir sin temor por el sendero, pués llevo conmigo la experiencia
adquirida y la fuerza de mis anhelos.
¿Qué cuántos años tengo?
¡Eso a quién le importa!
*Tengo los años necesarios para perder el miedo y hacer lo que quiero y
siento.
Che Viejo !!....¿Te quedó claro ?... sabés ahora cuántos años tengo... !!
 Autor desconocido

"CARMEN" de Georges Bizet

En 1830 el joven escritor Mérimée había viajado a España, cuyos paisajes, costumbres y leyendas lo apasionaron. Además de la condesa de Montijo hubo en ése país otra mujer que lo marcó: una gitana que en Valencia le adivinó la suerte y cuyo rostro nunca pudo olvidar. Se llamaba Carmencita. Al mismo escritor el tema de los gitanos españoles le absorbió su atención durante varios años, y de hecho, la historia del último capítulo de Carmen es una breve monografía sobre su idiosincrasia, sus costumbres y su idioma.
La ópera se estrenó en el Teatro Nacional de la Opéra-Comique de París el 3 de marzo de 1875, pero su estreno fue criticado negativamente por la mayoría de la prensa..

"No estoy hecho para la sinfonía. Necesito el teatro. Sin él, no puedo hacer nada”, dijo Bizet. y Carmen es la mejor prueba, una combinación perfecta entre el realismo de la historia y la sutileza, el poder y la originalidad de su vibrante partitura hizo de ésta ópera, quizás la más representativa del romanticismo.
Carmen trascendió ampliamente su fracaso inicial y se convirtió en una de las semillas que germinó en el tiempo y le dieron vida al verismo italiano. Como tantos otros genios, Bizet probablemente no pensó que su obra sería, 140 años después, una de las tres óperas más representadas en el mundo.
Carmen nos cuenta el drama exótico de la España meridional en la segunda mitad del siglo XIX, donde gitanos contrabandistas y corridas de toros se recorría entre sangrientas pasiones y que terminaría muerta la protagonista entre los brazos de Don José.
Musicalmente la obra es una belleza inspiradora de melodías alegres en su concepción musical con sus personajes, con un libreto operístico de perfecto clima que los rodea.
En 1872 la ópera comique de Paris encomendó a Bizet una ópera de tres actos cuyo libreto escribió Henri Meilhac y Ludovic Halévyque tuvo que hacer muchos arreglos y agregar arias a petición de los cantantes como la famosa "Habanera de Carmen" en el tercer acto y la famosa canción de entrada del torero Escamillo que terminó en cuatro actos. Después del estreno el 3 de marzo de 1875 en la Ópera Comique de Paris y al conseguir las 33 representaciones el compositor Bizet fallece a los 37 años y las futuras funciones no tuvieron éxito de su obra, pero ésto se revierte cuándo se estrena en Viena el 23 de octubre de ése mismo año en versión alemana con algunas modificaciones habladas y recitadas agregadas.

Con la Dirección musical de Hernán Sánchez Arteaga y Dirección escénica de Ana D’Anna y María Jaunarena. reúne un elenco integrado por Florencia Machado (Carmen), Marcelo Gomez (Don José), Juan Salvador Trupia y Rodriguez,(Escamillo), Maria Goso (Micaela) y gran elenco, estrenó el 6 de noviembre en el Teatro Avenida. 

Una bella de "Pueblo gitano" de temperamento osco, y libre con su amor, seduce al cabo Don José, un soldado inexperto. La relación de Carmen con el cabo motiva que éste rechace su anterior amor, se amotine contra su superior y como desertor se une a un grupo de contrabandistas. Finalmente, cuándo ella vuelca su amor en el torero Escamillo, los celos impulsan a Don José a cometer el asesinato de Carmen.

Argumento

Primer acto
En una plaza de Sevilla transitan civiles y militares. En frente, una fábrica de habanos. De entre la multitud, aparece Micaela en busca de Don José, cabo del ejército. Pero él no está de guardia en el cuartel. La muchacha se aleja y promete volver más tarde. Las empleadas salen de la fábrica y entre ellas se encuentra Carmen, la gitana que todos buscan. La seductora Carmen provoca a Don José arrojándole una flor. Él, por su parte, parece ignorarla. Sin embargo, la bella gitana lo ha cautivado. Mientras tanto, Micaela regresa por Don José y le entrega finalmente noticias de su madre. De pronto estalla una pelea en la fábrica: Carmen es acusada y arrestada por haber herido a una compañera. Queda en custodia de Don José. Una vez a solas con él, lo seduce y lo convence de ayudarla a huir.

Segundo acto
En la taberna de Lillas Pastia, se encuentran gitanos y soldados. Aparece el torero Escamillo, entre ovaciones y cánticos, que dirige su atención hacia Carmen. Cuando todos se han marchado trás el torero, Remendado y Dancairo, dos contrabandistas, intentan convencer a la gitana y a sus amigas, Frasquita y Mercedes, de ayudarlos en un gran golpe que están preparando. Llega Don José, que salió de prisión a la que fue condenado un mes por haber dejado escapar a Carmen. Mientras ella baila para él, se escucha el toque militar y Don José quiere volver al cuartel. Carmen se indigna y le pide que la siga a las montañas, como prueba de su amor. Zúñiga, su superior, llega y le ordena a Don José retirarse pero él se niega. Comienzan a pelearse. Don José no tiene opción y se une a la banda de contrabandistas.

Tercer acto
En los peligrosos senderos de las montañas, Don José siente remordimientos por haber desertado al ejército y Carmen ya está cansada de las escenas de celos de su compañero. Las amigas de la gitana tiran las cartas: para ambas hay fortuna y amor, pero para Carmen, la muerte. Don José queda vigilando la carga cuando aparece Escamillo, que viene en busca de Carmen. Ambos se baten a duelo por ella, que intercede y los separa. Escamillo se va con la promesa de verla en la corrida en Sevilla. Micaela trae la triste noticia de la muerte de la madre de Don José. Él la sigue pero jura volver.

Cuarto acto
En los instantes previos a la corrida, el pueblo aclama a Escamillo. Frasquita y Mercedes previenen a Carmen sobre la presencia de Don José, que se esconde entre la multitud. Pero ella no le teme y lo enfrenta a solas. El soldado le suplica que lo siga, y al darse cuenta de que la gitana ama al torero, llevado por la locura de los celos, la apuñala y luego se deja arrestar.