"FAUSTO" de Charles Gounod

Charles Gounod es el más entretenido de los pactos con el diablo y abre la 14º temporada de Buenos Aires Lírica en el Teatro Avenida, con "Faust" y libreto de Michel Carré y Jules Barbier basado en el drama de J.W von Goethe con la dirección musical de Javier Logioia Orbe y la puesta en escena del talentoso régisseur argentino Pablo Maritano.
Es una de las grandes óperas del repertorio clásico que fue estrenada en París en 1859, y narra la leyenda medieval del pacto con el diablo de acuerdo al poema alemán de Johann Wolfgang von Goethe.
Por su popularidad fue la ópera más exitosa de todas hasta el siglo XX a pesar de no incorporar los aspectos filosóficos que dieron fama al Fausto de Goethe (en Alemania se la conoció como “Margarethe”), sigue siendo una de las óperas más apreciadas gracias a su magnífica inspiración melódica y a su fluida dramaturgia.
Ésta versión se integra con la Puesta en Escena de Pablo Maritano.
Elenco: Dario Schmunck (Faust), Marina Silva (Marguerite), Hernán Iturralde (Méphistophélès), Ernesto Bauer (Valentin), Cecilia Pastawski (Siebel), Juan Font (Wagner) y la participación especial de Virginia Correa Dupuy (Marthe).
Escenografía:Enrique Bordolini.
Vestuario:Ramiro Sorrequieta.
Iluminación:Enrique Bordolini.

Faust fue la obra que inauguró el Teatro de la Ópera Metropolitana de Nueva York allá por 1883, en ése antiguo teatro que se encontraba en Broadway en la calle 39, local que fue dejado por la compañía para mudarse al Lincoln Center desde los 1960. Es una obra que han interpretado grandes tenores y bajos desde su estreno en 1859. De los primeros se exige: matices,  notas tanto graves como agudas, y mucha presencia y es un reto para todo bajo que llegue a interpretarlo como el bajo Fedor Chaliapin.

La puesta incluye bailarines y coro que ilustra cada escena que se inicia con la botica de Fausto entre alucinaciones crea al diablo y que está todo en sus sueños.
En la obra de Goethe, Marguerite tiene un papel secundario, pero en la obra de Gounod es básicamente  ella, pués es el personaje por el que los otros personajes se desenvuelven, y vemos su evolución que trasciende con su crescendo vocal y se vuelve  más lirica hacia el dúo con Faust en el tercer acto. Termina los dos últimos actos devastada emocionalmente, habiendo pasado por diversos pecados y estados de histeria.
Muy pocos cantantes logran interpretar tan bien roles tan opuestos como el de Faust en una obra tan compleja y filosófica, que resulta difícil llevar sus temas principales al escenario elegido, siendo el principal reto del director enfocar la atención en los elementos artísticos. 
La leyenda medieval del sabio que vende su alma al diablo sobre el final de su vida, en la mayoría de las veces fue tratado con superficialidad que vá más allá del estudio de la naturaleza y del alma humana, y de aquellas ideas cristianas del bien y del mal para llegar a una confrontación del hombre consigo mismo, con su fé y su conciencia.
En nuestra versión autóctona de Estanislao del Campo de nuestra literatura el aporte en éste tema era trascender la invención diabólica en el Fausto criollo en 1866 en tiempo de la Guerra con el Paraguay para energizar la valentía de los criollos con el personaje de Anastacio " El Pollo" que no distinguía la ficción de la realidad y de los errores imperdonables que habían afectado al ser nacional en sus costumbres criollas. 

La acción se sitúa en Alemania, en el siglo XVI. 

PRIMER ACTO. El anciano doctor Faust se encuentra en su estudio, solo y desesperado, añorando la juventud. Ante la falta de respuesta a sus interrogantes filosóficos invoca al demonio, que acude bajo la forma de un caballero de nombre Méphistophélès. El recién llegado se pone a sus órdenes asegurándole que puede satisfacer todos sus deseos. Pero con una condición: después de su muerte, el alma de Faust habrá de pertenecerle. 
Faust, que solamente quiere recobrar el vigor, la sensualidad y las esperanzas de la juventud, acepta el pacto y bebe la poción que Méphistophélès le ofrece. Transformado en un joven elegante, Faust canta al futuro y a las alegrías que le esperan, y ambos parten en busca de aventuras.

SEGUNDO ACTO. En la plaza del pueblo el soldado Valentin, a punto de ir a la guerra con su regimiento, confía su hermana Marguerite a sus amigos. Méphistophélès aparece y se burla de Marguerite, provocando a Valentin y a los suyos. Valentin ataca pero su espada se quiebra en el aire; los soldados huyen, aterrorizados. Llega Faust, quien queda hechizado por Marguerite, y le ofrece su compañía. Ella lo rechaza, a lo que Méphistophélès asegura a Faust que con su ayuda la conquistará.

TERCER ACTO. Faust y Méphistophélès entran al jardín de la casa de Marguerite. Méphisto hace aparecer un cofre lleno de joyas, que Marguerite se prueba, encantada, frente al espejo. 
Faust y Méphisto se presentan ante Marguerite. Faust inicia su campaña de seducción de Marguerite, al principio sin éxito; finalmente, con ayuda de Méphisto, se abrazan y desaparecen en el interior de la casa. 

CUARTO ACTO. Nueve meses después Marguerite ha dado a luz a un niño de Faust. El amante, sin embargo, la ha abandonado. Valentin regresa de la guerra y se encuentra con su hermana humillada. 
Faust viene dispuesto a pedir perdón a Marguerite, pero solamente se encuentra con Valentin, quién lo reta a duelo. Protegido por Méphisto, Faust hiere de muerte a Valentin, que muere maldiciendo a Marguerite. Ella huye a la iglesia, donde intenta rezar. Méphisto y los suyos se lo impiden.

QUINTO ACTO (Nota: la primera escena corresponde al ballet sobre la Noche de Walpurgis que no se representa en la versión de BAL). Marguerite está en prisión y será ejecutada por haber asesinado a su hijo. La despierta la voz de Faust: ella todavía lo ama. Con ayuda de Méphisto, Faust la libera de las cadenas. 
Recuerda tiempos mejores, pero aún bajo la insistencia de Méphisto ella se niega a escapar con Faust. 
Reza a Dios por la salvación de su alma y rechaza a Faust. “¡Salvada!”, cantan los ángeles, y mientras Faust se hunde en su vergüenza, Marguerite asciende al cielo.

MANGUEIRA: la última en desfilar y la primera en ganarse el trofeo de campeón 2016

Después de 13 años sin títulos, Mangueira es la escola de samba campeona del carnaval de Río 2016 por décima novena vez al obtener en una puntuación muy reñida los 269,8 puntos, le permitió ganar el Estandarte de oro, un premio que otorga el diario O´Globo.

Última escuela en desfilar por la pasarela de Sapucai sobre la madrugada del martes, fue la que éste año honró a Maria Bethania, con la celebración de 50 años de su carrera de cantante y compositora bahiana y la historia representaba a las religiones que marcan el origen y la vida de la cantante.

El San Clemente llegó al desfile en Sapucai al burlarse contando la historia del payaso que mostró cómo el personaje que se hizo popular, destacando nombres importantes en el humor brasileño, como Mazzaropi, Calvo, Dercy Gonçalves y Oscarito. En la última alegoría, un gran payaso de escultura articulada desfilaba en protesta golpeando la olla delante de una foto del Congreso.
En cuarto lugar la escola Portela contó los viajes mundiales y con ello abusó de efectos visuales, como un hombre volaba sobre el agua en una nave alegoría donde los arqueólogos eran tragados por los dinosaurios.

Emperatriz Leopoldinense decidió honrar a Zezé Di Camargo y Luciano en un show lujoso lleno de famosos. El sonido del acordeón de Lucy Ramos animó la escuela que mostró parte de la historia del campesino con.su tierra con una alegoría de música country utilizando guitarras sobre un gran balcón de tenía la alegoría.

La estación primera de Mangueira eligió a Maria Bethania para poner fin a los desfiles del Grupo Especial en Río. El desfile mostró en su inicio la religiosidad de la cantante en su primera vez con el Candomblé y luego en el catolicismo recordó los éxitos registrados por la artista con espectáculos que marcaron su carrera. 

Varias personalidades participaron en el desfile, como Renata Sorrah, Regina Case, Alcyone su gran amiga y uno de los aspectos más destacados en el carro de Bethania Católica fue la presencia de la cantante Beth Carvalho y Caetano Veloso y también la presencia de Bethania desfilando en el último carro alegórico en la que irradiaba la emoción al público y vivoreaba los colores verde y rosa de la escola.

Presenciar el acontecimiento carnavalesco con sus efectos más brillantes, su perfección tecnológica, su arte coreográfico de cada uno de sus 4300 componentes de samba, en medio de una noche de emoción y esplendor inigualable, lo que deja al espectador satisfecho de su catártico sueño tradicional.

Pero por sobre la catarsis que genera toda ésta "mise en escena" espectacular que crea el premio tiene su contracara de otra manera para desfilar en Mangueira: o se es vecino de la favela que da nombre a la escola, cuna del samba más canalla y suburbana de Río, mentidero de poetas y bohemios de la música, otrora inexpugnable fortín de narcotraficantes y almas descarriadas, o desembolsar una suerte de canon de U$S 400 que da derecho al disfraz (o a los lujosos destaques de plumas y piedras semipreciosas que superan los U$S 10.000) que permite degustar la gloria de recorrer durante más de una hora la mítica avenida del samba, propulsado por la inercia de una vorágine de miles de personas y la cadencia rítmica de una batería formada por más de 300 percusionistas, pero ésta opción suele estar reservadas a los forasteros y los habitantes de los barrios más pudientes de Rio.

...Lo que el tiempo se llevó ...!!

*¿Qué cuántos años tengo?*
*¡Qué importa eso!*
¡Tengo la edad que quiero y siento!
La edad en que puedo: Gritar sin miedo lo que pienso...
Hacer lo que deseo, sin miedo al fracaso, o lo desconocido. ..
Pués tengo la experiencia de los años vividos y la fuerza de la convicción de mis deseos.
*¡Qué importa cuántos años tengo!*

¡No quiero pensar en ello!
Pués unos dicen que ya soy viejo,

y otras que estoy en el apogeo.

Pero no es la edad que tengo,

ni lo que la gente dice, sino lo que mi
corazón siente y mi cerebro dicta.
Tengo los años necesarios para gritar lo que pienso, para hacer lo que quiero,
para reconocer yerros viejos,
rectificar caminos y atesorar éxitos.
Ahora no tienen por qué decir:
¡Estás muy joven, no lo lograrás!
¡Estás muy viejo, ya no podrás!
Tengo la edad en que las cosas se miran con mas calma, pero con el interés de seguir creciendo.

Tengo los años en que los sueños se empiezan a acariciar con los dedos, las
ilusiones, se convierten en esperanza.
Tengo los años en que el amor,
a veces es una loca llamarada,
ansiosa de consumirse en el fuego de una pasión deseada.
Y otras es un remanso de paz, como el atardecer en la playa.
*¿Qué cuántos años tengo?

*No necesito con un número marcar, pués mis anhelos alcanzados, mis triunfos
obtenidos, las lágrimas que por el camino derramé al ver mis ilusiones truncadas...
¡valen mucho más que eso!*
*¡Qué importa si cumplo cuarenta--cincuenta ----setenta --ochenta... ......... ..
Pués lo que importa: ¡Es la edad que siento!

Tengo los años que necesito para vivir libre y sin miedos.
Para seguir sin temor por el sendero, pués llevo conmigo la experiencia
adquirida y la fuerza de mis anhelos.
¿Qué cuántos años tengo?
¡Eso a quién le importa!
*Tengo los años necesarios para perder el miedo y hacer lo que quiero y
siento.
Che Viejo !!....¿Te quedó claro ?... sabés ahora cuántos años tengo... !!
 Autor desconocido

"CARMEN" de Georges Bizet

En 1830 el joven escritor Mérimée había viajado a España, cuyos paisajes, costumbres y leyendas lo apasionaron. Además de la condesa de Montijo hubo en ése país otra mujer que lo marcó: una gitana que en Valencia le adivinó la suerte y cuyo rostro nunca pudo olvidar. Se llamaba Carmencita. Al mismo escritor el tema de los gitanos españoles le absorbió su atención durante varios años, y de hecho, la historia del último capítulo de Carmen es una breve monografía sobre su idiosincrasia, sus costumbres y su idioma.
La ópera se estrenó en el Teatro Nacional de la Opéra-Comique de París el 3 de marzo de 1875, pero su estreno fue criticado negativamente por la mayoría de la prensa..

"No estoy hecho para la sinfonía. Necesito el teatro. Sin él, no puedo hacer nada”, dijo Bizet. y Carmen es la mejor prueba, una combinación perfecta entre el realismo de la historia y la sutileza, el poder y la originalidad de su vibrante partitura hizo de ésta ópera, quizás la más representativa del romanticismo.
Carmen trascendió ampliamente su fracaso inicial y se convirtió en una de las semillas que germinó en el tiempo y le dieron vida al verismo italiano. Como tantos otros genios, Bizet probablemente no pensó que su obra sería, 140 años después, una de las tres óperas más representadas en el mundo.
Carmen nos cuenta el drama exótico de la España meridional en la segunda mitad del siglo XIX, donde gitanos contrabandistas y corridas de toros se recorría entre sangrientas pasiones y que terminaría muerta la protagonista entre los brazos de Don José.
Musicalmente la obra es una belleza inspiradora de melodías alegres en su concepción musical con sus personajes, con un libreto operístico de perfecto clima que los rodea.
En 1872 la ópera comique de Paris encomendó a Bizet una ópera de tres actos cuyo libreto escribió Henri Meilhac y Ludovic Halévyque tuvo que hacer muchos arreglos y agregar arias a petición de los cantantes como la famosa "Habanera de Carmen" en el tercer acto y la famosa canción de entrada del torero Escamillo que terminó en cuatro actos. Después del estreno el 3 de marzo de 1875 en la Ópera Comique de Paris y al conseguir las 33 representaciones el compositor Bizet fallece a los 37 años y las futuras funciones no tuvieron éxito de su obra, pero ésto se revierte cuándo se estrena en Viena el 23 de octubre de ése mismo año en versión alemana con algunas modificaciones habladas y recitadas agregadas.

Con la Dirección musical de Hernán Sánchez Arteaga y Dirección escénica de Ana D’Anna y María Jaunarena. reúne un elenco integrado por Florencia Machado (Carmen), Marcelo Gomez (Don José), Juan Salvador Trupia y Rodriguez,(Escamillo), Maria Goso (Micaela) y gran elenco, estrenó el 6 de noviembre en el Teatro Avenida. 

Una bella de "Pueblo gitano" de temperamento osco, y libre con su amor, seduce al cabo Don José, un soldado inexperto. La relación de Carmen con el cabo motiva que éste rechace su anterior amor, se amotine contra su superior y como desertor se une a un grupo de contrabandistas. Finalmente, cuándo ella vuelca su amor en el torero Escamillo, los celos impulsan a Don José a cometer el asesinato de Carmen.

Argumento

Primer acto
En una plaza de Sevilla transitan civiles y militares. En frente, una fábrica de habanos. De entre la multitud, aparece Micaela en busca de Don José, cabo del ejército. Pero él no está de guardia en el cuartel. La muchacha se aleja y promete volver más tarde. Las empleadas salen de la fábrica y entre ellas se encuentra Carmen, la gitana que todos buscan. La seductora Carmen provoca a Don José arrojándole una flor. Él, por su parte, parece ignorarla. Sin embargo, la bella gitana lo ha cautivado. Mientras tanto, Micaela regresa por Don José y le entrega finalmente noticias de su madre. De pronto estalla una pelea en la fábrica: Carmen es acusada y arrestada por haber herido a una compañera. Queda en custodia de Don José. Una vez a solas con él, lo seduce y lo convence de ayudarla a huir.

Segundo acto
En la taberna de Lillas Pastia, se encuentran gitanos y soldados. Aparece el torero Escamillo, entre ovaciones y cánticos, que dirige su atención hacia Carmen. Cuando todos se han marchado trás el torero, Remendado y Dancairo, dos contrabandistas, intentan convencer a la gitana y a sus amigas, Frasquita y Mercedes, de ayudarlos en un gran golpe que están preparando. Llega Don José, que salió de prisión a la que fue condenado un mes por haber dejado escapar a Carmen. Mientras ella baila para él, se escucha el toque militar y Don José quiere volver al cuartel. Carmen se indigna y le pide que la siga a las montañas, como prueba de su amor. Zúñiga, su superior, llega y le ordena a Don José retirarse pero él se niega. Comienzan a pelearse. Don José no tiene opción y se une a la banda de contrabandistas.

Tercer acto
En los peligrosos senderos de las montañas, Don José siente remordimientos por haber desertado al ejército y Carmen ya está cansada de las escenas de celos de su compañero. Las amigas de la gitana tiran las cartas: para ambas hay fortuna y amor, pero para Carmen, la muerte. Don José queda vigilando la carga cuando aparece Escamillo, que viene en busca de Carmen. Ambos se baten a duelo por ella, que intercede y los separa. Escamillo se va con la promesa de verla en la corrida en Sevilla. Micaela trae la triste noticia de la muerte de la madre de Don José. Él la sigue pero jura volver.

Cuarto acto
En los instantes previos a la corrida, el pueblo aclama a Escamillo. Frasquita y Mercedes previenen a Carmen sobre la presencia de Don José, que se esconde entre la multitud. Pero ella no le teme y lo enfrenta a solas. El soldado le suplica que lo siga, y al darse cuenta de que la gitana ama al torero, llevado por la locura de los celos, la apuñala y luego se deja arrestar.

"Rusalka"

Rusalka se estrenó en Praga el 31 de marzo de 1901 y ahora se estrena por primera vez en el Teatro Avenida, en Buenos Aires el 2 de octubre con la dirección musical de;Carlos Vieu.

El elenco está encabezado por Daniela Tabernig (Rusalka), Eric Herrero (Príncipe), Elisabeth Canis (Ježibaba, la Bruja), Marina Silva (Princesa Extranjera), Homero Pérez-Miranda (Vodník, Duende del Agua); Oriana Favaro, Rocío Giordano y Vanina Guilledo (Ninfas del Bosque); Sergio Vittadini (Cazador), Cecilia Pastawski (Mozo de Cocina) y Mirko Tomas (Guardabosque). Acompaña el coro de la entidad y gran orquesta.

Rusalka es la novena ópera escrita por Antonín Dvorák con libreto de Jaroslav Kvapil, de una adaptación libre del cuento "La Sirenita" de Hans Christian Andersen,  Se trata del drama de la ondina de los lagos de Bohemia, un símbolo nacional checo que pertenece a su célebre "Canción a la Luna", y como cuento de hadas lírico” –que, como sucede con los cuentos de hadas, éste no es para niños, ya que contiene las metáforas de los más profundos miedos humanos- y expresa inquietantes paralelismos con la desastrosa situación política de ésta región dentro del imperio Habsburgo y la posición social de los checos frente a los vieneses a fines del siglo XIX. Dvořák, autor de nueve sinfonías, de poemas sinfónicos, conciertos para piano, violín y violoncello y orquesta, música coral y música de cámara. Su estilo está enraizado en el romanticismo europeo del siglo XIX, nutriéndose de la música folklórica bohemia, morava, y eslava:lo cuál muchas de sus obras se basan en ritmos populares eslavos que reflejan el amor del compositor por su patria. "Rusalka", es su obra maestra, una de las tres grandes óperas nacionales checas junto a "La novia vendida", de Smetana, y "Jenůfa", de Leoš Janáček.

ARGUMENTO
Rusalka es una sirena, está en un lago con otras ninfas que se divierten junto al Gnomo del agua y Rusalka confiesa su amor por del Príncipe, un humano. Rusalka desea ser una mujer y el Gnomo le dice que vaya a ver a la bruja Jezibaba. La bruja acepta satisfacer el deseo de Rusalka, pero le advierte que ésa transformación le hará permanecer muda para siempre.
El Príncipe está de caza en el bosque, con el Cazador y todo su séquito, y los manda al palacio al percibir un ambiente amenazador en el bosque. El Príncipe se encuentra con Rusalka y se enamora de ella y la lleva a su palacio. En el palacio se prepara la boda del Príncipe con Rusalka. El Cuidador de la caza y el Cocinero comentan las novedades. El Príncipe, aunque ama a Rusalka, no deja de permanecer indiferente ante los encantos de la Princesa extranjera, que hace contínuos comentarios acerca del silencio de Rusalka.

Rusalka sufre y ante éste dolor está a su lado el Gnomo que la consuela y se da cuenta del error que ha cometido al querer compartir su vida con un hombre. Al final habrá boda, pero entre el príncipe y la Princesa extranjera. Rusalka ha vuelto al lago, pero no puede vivir en él con sus hermanas, su única posibilidad de recuperar su antigua vida es destruir al hombre que la abandonó. Sin embargo se interpone el amor que siente todavía por él.

El Príncipe por su parte, no encuentra la paz y felicidad en su palacio y vuelve al lago a ver a Rusalka. Cuándo se encuentran los dos, el Príncipe recibe el beso de Rusalka, lo que le supone la muerte, sin embargo muere feliz y dichoso en los brazos de su amada.

Fotos gentileza de Liliana Morsia

"OBERTO" Conde de San Bonifacio

La "Companía Lírica" presenta la ópera prima del genial compositor Giuseppe Verdi: «Oberto, Conte di San Bonifacio» en estreno argentino y latinoamericano de la primera ópera compuesta por el joven Verdi de 27 años con libreto de Temistocle Solera, un atrapante drama en dos actos, y cuatro cuadros con a una notable música que evidencia las influencias de los compositores belcantistas Rossini, Bellini y Donizetti, pero que, a la vez, expone la génesis del verismo verdiano de la época. 

Con una magnífica obertura, espléndidos corales y poderosas arias nos llevan al medieval siglo XIII del "primo ottocento", en una Italia inmersa por la puja de poderes entre comarcas enemigas, donde, desde la política, las alianzas y las traiciones se enredan con el amor, el perjurio, el engaño y la venganza.

El Conde  Oberto Juan Font es padre de Leonora,Sabrina CIRERA, y Clara Pinto  una joven seducida y abandonada por el conde Riccardo, Carlos Ullán, Jerónimo Vargas Gomez , el rol de Cuniza, interpretado Laura Dominguez, Nora Balanda, quién espera a Riccardo para casarse y su confidente Imelda Clara Pinto junto  al Coro estable de la Compañía Lírica G. Verdi reconocido por su calidad y gran teatralidad, bajo la dirección musical de Ramiro Soto Monllor y la dirección general de Adriana Segal presentada en el Teatro Avenida.

La dirección del joven maestro Ramiro Soto Monllor se destacó a lo largo del desarrollo al frente de una orquesta y coro con más de treinta integrantes con una música impactante verdiana.

Entre los cantantes sobresalió en la  línea verdiana la sensibilidad expresiva de la soprano Sabrina Cirera (Leonora)  a partir de su aria “Sotto il paterno tetto” y también el bajo  Walter Schwarz (Oberto) cumpliendo con su nobleza vocal excelente, tal vez faltando una  mayor fuerza y vibración.

Por su parte la mezzo Nora Balanda (Cuniza) mejoró su rendimiento en el acto final lo mismo que el joven tenor Carlos Ullán (Riccardo), y todos ellos más Clara Pinto (la confidente) tuvieron bien en el bello concertante “La vergogna ed il dispetto” del segundo acto, en tanto el coro vocacional de la entidad se destacó correctamente. Una puesta sobria y efectiva de Adriana Segal, directora general, con la asesoría de escena de Lizzie Waisse, contribuyó a un meritorio espectáculo lírico que no desfraudó al público y merece ser disfrutado.

"La Flauta Mágica"

Wolfgang Amadeus Mozart con su última ópera La flauta Mágica dejó una de las creaciones más enigmática de su repertorio no solo por representar al lirismo de la tradición alemana sino crear un cuento de hadas donde reúne todas las contradicciones pero revindica al amor, la verdad sobre el oscurantismo, la justicia del bien y la tolerancia.

En todo cuento triunfa el bien sobre el mal pero aqui se profundiza el camino hacia el iluminismo y el conocimiento donde se plantea el simbolismo masónico que arrastra la sociedad de la época.

Emanuel Schikaneder fue su amigo personal y masón, empresario del Teatro Freihaus en los suburbios de Viena que introdujo en el libreto en ésta ópera su difusión masónica panfletaria con su signo como un rito de iniciación que incita "al silencio que se debe guardar con los secretos de la órden" influenciado por Ignaz von Born un maestro de la logia, aprovecha en realzar su "alter ego" en el personaje de Sarastro.

Mucho se ha escrito sobre éstas interpretaciones que tiene La flauta Mágica que según cada puesta le hacen interpretaciones de difícil tarea para los directores y escenógrafos en su representación, pero es la música lo más significativo que tiene para destacar que trasciende a través de sus cantantes.

La ópera fue estrenada en el Teatro Auf der Wieden con la dirección de Mozart el 30 de septiembre de 1791 con gran éxito y tres meses después Mozart empeora su salud y fallece a los 35 años.

En Buenos Aires el 27 de agosto se estrena en el Teatro Empire una versión moderna de La Flauta Mágica cantada en alemán en 2 actos con libreto de Emanuel Schikaneder, con la orquesta de alumnos del UNA bajo la dirección musical de Cristian Piedrahita, dirección de escena y Regie de Diego Cosin, Coro en colaboración con Ópera Festival B.A

Dirección general y artística y producción de Graciela Gyldenfeldt. 

El elenco está integrado por (Tamino) Jonatan Yones o Diego Loyola, Papageno (Mariano Gladic,o Luis Gyldenfeldt) Pamina (Natalia Bereskyj), Reina de la Noche (Costanza Diaz Falú), Sarastro (Claudio Rotella, Papagena (María Inés Cóspito), Monostrato (Fernando Gyldenfeldt), las 3 Niñas/o (Lucía Alonso, Rocío Alanis, Elisa Gartner), las 3 Damas (Roberta Della Mónica, María Malva Celestino, Daniela Prado).

Como ambientación escenográfíca se utiliza un telón de fondo donde se proyectan algunas fotos en color y la mayoría en blanco/negro ambientando la escena de cierto dramatismo al comienzo en un bosque en que actuarán los cantantes, para continuar con una secuencia de imágenes aleatorias que hacen referencia a la época del renacimiento.

Si bien dijimos que trátase de un cuento de hadas, en ésta representación se hace alusión a la realidad de los tiempos de violencia y revancha de venganza de la convulsionada sociedad moderna.
Con un elenco de cantantes noveles y algunos de mayor trayectoria reunidos en ésta versión aggiornada, sus intérpretes conjugan un entorno muy homogéneo de voces líricas bien ajustadas y correcto desempeño escénico, con un nivel muy parejo de calidad que hace recomendable al espectáculo, que más allá de lo lírico tiene una propuesta ideológica que trasciende el libreto original.

También es necesario remarcar de las buenas actuaciones en general y mencionar la puesta de Diego Cosin, y algunas situaciones propuestas por Mozart (de los niños como adolescentes de nuestra época y de ciertos gestos nuestros que nos identifican), con una puesta que escapa a la solemnidad de la ópera al permitir la interpretación a todo el público. 

Si bien en las aperturas de los actos las secuencias fotográficas acompañan a la música correctamente, solo a modo de opinión de quién escribe considera muy reiterativas las imágenes fotográficas especialmente en el segundo acto, seleccionadas por Candelaria Frias, que durante algunos pasajes consiguen confundir con la arquitectura de nuestro Art Noveau, su interpretación con relación a la acción de la trama.

   

Argumento

Tamino está en el bosque perseguido por una serpiente y las tres damas de la Reina de la Noche lo salvan.  Aparece Papageno, quién caza pájaros para la Reina de la Noche y le dice a Tamino, que ha matado a la serpiente. Tres damas lo castigan con un candado en la boca por mentir y le entregan a Tamino el retrato de Pamina de quién se enamora inmediatamente. 

La Reina de la Noche le cuenta a Tamino que su hija Pamina, fue secuestrada por Sarastro y él debe salvarla para casarse con ella y en tanto la Reina de la Noche desaparece. Las tres damas les entregan a Papageno un carrillón y a Tamino una flauta mágica.

Pamina quiere huir del templo de Sarastro y se encuentra con Papageno quién la ayuda. Luego aparece Tamino que no le puede hablar y ellos se enamoran de sólo mirarse, mientras que Monostatos trata por su lado de poseer a Pamina.

Tamino decide aceptar las pruebas de la amistad para unirse a Pamina, mientras Papageno sueña sólo con su Papagena.

A Tamino lo conducen tres niños por el camino a seguir tocando su Flauta que hace aparecer a todos los animalitos del lugar.

Pamina y Papageno llegan por otro lado y se encuentran con Sarastro, luego entra Tamino traído por Monostatos.

Tamino se decide a cumplir con las pruebas del agua y del fuego. En su camino se une Pamina y aunque la Reina de La Noche intenta impedir su propósito éstos logran cumplirlo y finalmente el sonido del carrillón llama al triunfo con la fuerza del amor y la sabiduría.