"MANON LESCAUT"

Buenos Aires Lírica cerrará con cuatro funciones su presentación de la décimocuarta temporada operística 2016 con el estreno de "Manon Lescaut", el 14 de octubre de Giacomo Puccini, tercera ópera de éste famoso compositor y su primer éxito internacional.

Arias y duetos inolvidables que hablan del amor, la frivolidad y el exilio hacen de "Manon Lescaut" una ópera de gran belleza melódica y pasión incandescente. Después de considerar la musicalización de algún Shakespeare -Verdi acababa de triunfar con Otello- Puccini se interesó por "L'histoire du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut", una conocida novela breve de principios del siglo XVIII del francés Abbé Prévost que ya había sido transformada en ópera pocos años antes por Jules Massenet.
Su primera presentación fue en el año 1893, en el Teatro Regio de Turín.
En ésta oportunidad la presentación será en el Teatro Avenida.
Dirección Musical: Mario Perusso.
Puesta en Escena: André Heller-Lopes.
Elenco; Macarena Valenzuela (soprano), Eric Herrero (tenor), Ernesto Bauer, Norberto Marcos (barítonos) y elenco.
Escenografía: Daniela Taiana.
Vestuario: Sofía Di Nunzio.

Iluminación: Gonzalo Córdova.
Coro Buenos Aires Lírica y orquesta.

                       










El 1 de febrero de 1.893 se estrenaba en el Teatro Regio de Turín "Manon Lescaut" cuyo libreto está basada en la obra del abad Antoine Prévost (final siglo XVII) titulada "Histoire du Chevalier Des Grieux et de Manon Lescaut".
Jules Massenet había llevado al escenario operístico francés la misma obra nueve años atrás, con gran éxito de la ópera de Puccini, con una visión más latina y apasionada de la historia de los dos amantes. "...con passione disperata!", así describió Puccini como interpretar su Manon Lescaut que encumbraba al maestro toscano como uno de los referentes de la escuela verista y como el continuador del gran Giuseppe Verdi, que en ésos días estrenaba "Falstaff".
El hecho de estrenar la ópera de Puccini al mismo tiempo que la última de Verdi, es un motivo anecdótico a los que consideraron maestro de Lucca como el sucesor del gran Verdi.
Otra coincidencia es que ambos alcanzaron fama mundial en su tercera ópera, "Nabucco" (1.842) y "Manon Lescaut" (1.893) trás dos estrenos anteriores dubitativos por parte de ambos.

                                                   










Argumento 

En una plaza de Amiens, cerca de una posada, están varios estudiantes charlando amigablemente y es Edmondo quién toma la voz cantante ("Ave sera gentil"....Salve, tarde agradable) ante sus compañeros, que también le acompañan en sus comentarios joviales. En ése momento aparece un joven tímido Renato Des Grieux, y Edmondo le pide que se una al grupo y pueda reírse con ellos. Des Grieux, que agradece niega que haya conocido el amor ni el fracaso amoroso y se dirige a las jóvenes con un juvenil "Tra voi belle"  en el que trata de "cautivarlas".
La fiesta sigue mientras que llega a la posada un carruaje donde aparecen Geronte, Manon y el hermano de ella. Cuándo el hermano Lescaut, entra en la posada, Manon se queda fuera a la vista de la gente. Des Grieux se queda prendado y se presenta ante ella ("Cortese damigella"...gentil damisela) en lo que es el primero de los dúos de ésta ópera.



                                                   







Ella le confiesa que su destino es el convento por voluntad paterna mientras que él lamenta su triste suerte. Trás lograr convencerla para un posterior reencuentro, se queda recordando ése momento de felicidad espontánea con el aria "Donna non vidi mai", rememorando el momento en que ella se presenta de forma susurrante. ("o susurro gentil ,deh, non cessare").
En otra parte de la escena, Lescaut y Geronte un hombre mayor y adinerado, charlan sobre el futuro de Manon. El tesorero está interesado por el futuro de la joven y los invita a cenar ésa noche. Sin embargo, las órdenes de Geronte al posadero es de preparar un "coche y caballos" para salir en una hora. Edmondo, pendiente de la última conversación le cuenta todo el plan a Des Grieux ("Cavalier,te la fanno"...Caballero, te la roban)  y le invita a anticiparse al viejo tesorero, para huir junto a Manón.
El reencuentro del joven y Manon tiene un cariz diferente al del primer momento, ya que el jóven está preocupado.
Musicalmente, éste dúo tiene momentos de gran intensidad emotiva como la explicación de la felicidad perdida de Manon ("Eppur lieta, assai lieta...) y sin embargo alegre, como Des Grieux manifiesta su amor hacia ella y ve la posibilidad real de cambiar la tristeza melancólica de Manon por una vida plena de amor.

Una exclamación de su hermano la pone en guardia y cuándo a punto de irse, Des Grieux le revela los planes de Geronte para raptarla y le implora que huyan los dos juntos; ella se niega pero ante la insistencia del joven, acaba consintiendo.
Geronte se queda sin Manon, y acude ante Lescaut para decirle que la ha raptado un estudiante y el hermano muestra una tranquilidad al conocer su hermana. Lescaut la tranquiliza porque ella no podrá aguantar la miseria de un estudiante y acabará cediendo ante el dinero del tesorero mientras que Edmondo y demás estudiantes observan divertidos, la escena.

ACTO II.

Como había previsto Lescaut, Manon deja a Des Grieux y acaba en la casa de Geronte en París. El comienzo es significativo para ella que se arrepiente de haber abandonado a Des Grieux y que echa de menos sus caricias ("In quelle trine morbide"), ésos días felices donde el amor la envolvía.

                          ;








Lescaut está atento a las frases que ella le dice que Des Grieux es amigo suyo y que está en el mundo del juego para ganar dinero. La llegada de unos músicos interrumpe la conversación de los hermanos y la escena se convierte en algo aburrido para Manon, hastiada de tanto lujo y actividades que no la satisface (la lección de baile del minuetto-"Vi prego signorina"-).
Mientras Lescaut que ha sabido escuchar las últimas palabras de su hermana, va a por Des Grieux, consciente de que Manon la echa de menos. El reencuentro entre Des Grieux, acompaña hasta la casa por el hermano y Manon está estupefacta ("Tu,Tu,amore?, tu"), ya que él no le perdona como ella lo abandonó y no accede a los intentos reconciliatorios de Manon.

                                                   







Ella observa que el reencuentro no era el deseado ya que Des Grieux se muestra dolido aún ("Non m'ami più"). La desesperación de Manon ("Pensavo a un avvenir di luce"...Pensaba en un futuro resplandeciente) y un pensamiento de que "ya no es tan bella y agradable como hace un tiempo" cambia el giro de la conversación ya que Des Grieux, que ha ido rebajando la furia para volver a ser ése joven del primer acto, cae rendido a los pies de ella y culmina el dúo con un "i baci miei son questi (Manon)/ i baci tuoi son questi (Des Grieux)" entonado a la par por ambos amantes, ya que la pasión antigua ha vuelto.
El regreso de Geronte les sorprende; el enfado con el que sale el tesorero del salón es bastante revelador de lo que sucederá. Des Grieux le dice a Manon que deben huir de nuevo, a lo que ella titubea ya que no desea dejar la riqueza que posee. Des Griuex sufre una vez más, otra desilusión ya que ella vuelve a ser la misma que le abandonó por riquezas ("Ah, Manon mi tradisce"...."Fango nel fango io sono") mientras que él se había visto reducido a la infamia por estar con ella. Lescaut llega y les insta a salir de ahí ya que Geronte la ha denunciado y acude a casa con guardias. La intensidad musical va in crecendo hasta la llegada del tesorero y el arresto de Manon.
Cuándo Des Grieux intenta evitar la detención, Lescaut le para y le pregunta, susurrando quién salvará a Manon ("Se v'arrestan cavalier,chi potrà Manon salvar?").

                                                   








Des Grieux y Lescaut, que ha sobornado a un guardia, están en el puerto de Le Havre para liberar a Manon, condenada al exilio en una colonia francesa de Luisiana. Cuándo el guardia sobornado se hace cargo de la vigilancia, Lescaut aparece y le entrega la bolsa para que se vaya. Avisa a Manon que se acerque a la ventanilla del calabozo y pueda hablar con Des Grieux. La conversación es breve y conmovedora. Manon había perdido toda esperanza de volverlo a ver ("nell'onta non mi abbandoni?"... no me abandonas en mi vergüenza?) y vuelve a revivirla con ésa posibilidad de ser libre cuándo Des Grieux le indica que ha acudido junto a su hermano Lescaut, para liberarla y huir juntos, pero falla el plan y el ruido de un disparo acerca a la muchedumbre al puerto.











Ha llegado el momento del "apello", una de las escenas más sensacionales de la ópera. Por un lado, el pueblo observando a cada una de las condenadas y realizando distintos comentarios. Por otro, Lescaut que comenta la historia de Manon a un grupo cercano cuándo éste admira la belleza de ella. Y por otro lado, Des Grieux y Manon- que deja de ser la caprichosa de los dos primeros actos y se siente afectada porque siente que no la han amado se despide por misión cumplida.
Cuándo el sargento está a punto de llevar a Manon hacia el barco, Des Grieux actúa alocadamente: la retiene y amenaza al resto si se atreven a tocarla pero después, cede y se pone a los pies del comandante ("ah!guardate, pazzo son") y pide que le dejen ir en el barco como grumete o cualquier otra actividad vil por tal de poder ir con ella. El comandante del barco, conmovido ante tal escena, accede a que el joven viaje en el barco.

                                   

Acto III
En la colonia a la que son enviados Manon y Des Grieux, el hijo del gobernador se siente atraído por ella; hay un duelo entre él y Des Grieux que acaba con el adversario malherido. Creyéndolo muerto, huyen de la colonia pero sólo se encuentran con un vasto desierto en el que no ven el fin
La sed y el cansancio desfallece las fuerzas de Manon que él presiente algo desventurado ("disperato mi vince un senso di sventura!"). Ella trata de recuperarse poco a poco pero su tono de voz presagia algo malo. La sed la afecta cada vez más y le pide a él que trate de buscar algo de agua o algún sitio mejor. Cuándo Des Grieux marcha, ella se queda "sola y abandonada en tierra desolada ("Sola,perduta,abbandonata").  La llegada de Des Grieux no aporta nada ya que la búsqueda es infructuosa. Manon está en las últimas y él se siente impotente ("Gelo di morte. Dio! l'ultima speme infrasti" ...frío mortal, Dios, rompiste la última esperanza).

                                             








La agonía de ella, que será un preludio de cómo Puccini elaborará la muerte de Mimì en La Bohème, es pausada hasta que al final expira con ésas últimas palabras, "ma  l'amor mio  non muor!!!?, mientras que la orquesta culmina el final de la ópera.

ORFEO y EURÍDICE, un esposo con el alma en luto

Orfeo y Eurídice con libreto de Raniero de Calzabigi y música de Christoph W. Gluck cambiaron el curso de la ópera por siempre después que los academicistas de Florencia habían inventado el género un siglo y medio antes, ellos consiguieron reinventar el impacto emocional de la tragedia antigua para conseguir abrazar la naturaleza humana en su complejidad insondable del dolor que fue estrenada en el Burgttheater de Viena en 1762, y posteriormente abrió el camino para la llegada de Mozart.

El mito de Orfeo sobrevive el paso del tiempo al ser acosado por el infierno de su soledad y se liga a su miseria personal y como consuelo lo asiste el paraíso en su sueño y recuerdos de infancia y en su memoria a Eurídice.

La experiencia que proponía el orfismo consistía en tomar contacto con lo divino a través de la personificación de la memoria pero todos ellos exceden a la fábula.

Así la historia de Erídice es la lucha desesperada por asirse a sus recuerdos y volver su rebeldía  contra lo irreversible y lo definitivo como el final de su vida. En su lucha logra alterar el orden divino y desafiar a los dioses que lo hace a través de la poesía y la música para vencer la inercia y ferocidad que lo acosa la muerte misma donde predomina la transgresión al orden de la naturaleza.

Platón puso en duda la existencia de Orfeo y su capacidad de recuperar a su esposa Eurídice en cuya búsqueda tenía partido ya que nadie vuelve del mundo de los muertos ni con los ejercicios del arte que engaña los sentidos.

Frente a la pérdida de su esposa toda ópera es un lamento donde Orfeo se siente culpable al no estar en su momento trágico donde a través de los siglos la historia se repite sin consuelo para los griegos ni para el hombre del siglo XXI como irremediable destino como un infierno propio.

Sin embargo vencer la muerte despertó fascinación durante siglos así el hombre pudo vencer a la muerte a través del movimiento religioso de los griegos en términos filosóficos  retomado por Eurípides, Simónides, Aristóteles, Virgilio, Ovidio, Apolonio de Rodas, Sheakespeare entre otros. En la música fue con Mozart en la Flauta Mágica y llega hasta nuestro tiempo con Moraes y Jobim al componer "A felicidade" (tristeza nao tem fim..) en la película Orfeo Negro de Camus de 1958.

La ópera en un acto con una duración de 1h30´ se representó en el Teatro Avenida el 19 de agosto de 2016  por Juventus Lyrica con el siguiente repertorio;

Orfeo Martín Oro, Eurídice María Goso Amor Victoria Gaeta, Caronte Oreste Valiente, Médico Carlos Kaspar, Madre-Enfermera Cristina Ferrajoli, Mujer 1 Laura D¨Anna, Mujer 2 Marbella Alejandra Gil Aldana, Hombre 1, Giorgio Zamboni, Hombre 2, Jeferson Jose Queipo Urdaneta, Orfeo Niño Eliseo Bossi y el coro de Juventus Lyrica con la dirección de Hernán Sanchez Arteaga.

Dirección escénica y vestuario de María Jaunarena y Dirección musical de Hernán Schvartzman. 

Argumento

Orfeo lamenta su pérdida de su esposa Eurídice sobre su lecho, atormentado por los fantamas de su culpa y cae profundamente dormido . Al despertar está enfurecido con los dioses por tenerséla arrebatado. Aparece entonces Amor y le ofrece un pacto para poder rescatar a Eurídice del reino de los muertos, si logra conmover las furias del inframundo, pero le ofrece una condición, no deberá explicar porqué no hace el camino de vuelta al reino de los vivos.

En su paso por el infierno se escucha el canto de Orfeo para calmar las furias y sus demonios que lo acosan  y se preguntan quién es ése audaz que se atreve entrar en sus dominios. Orfeo logra con su voz y su instrumento vencer la hostilidad de los seres infernales que ceden ante su música.

Ya en el paraíso se reencuentra con Eurídice que la toma de la mano y emprende su regreso pero Eurídice no comprende la actitud de Orfeo que parece no amarla. Conmovido por las insistentes súplicas de su esposa que olvida el pacto, la mira y la pierde. Orfeo se sumerge en su dolor e intenta suicidarse pero es retenido por el Amor que conmovido por su constancia decide devolverle a Eurídice. Todos celebran el imperio de la belleza del arte gracias a cuál siempre evocará y volverá a ver a su amada esposa.

"ERNANI" y el honor castellano

En la obra teatral del francés Victor Hugo, "Ernani o el honor castellano", es la quinta ópera de Verdi y la que consolidó la fama internacional con un drama vigoroso y romántico.
Con la dirección musical de Juan Casasbellas, la puesta en escena de Crystal Manich y la participación de algunas talentosas voces de la lírica sudamericana como Nazareth Aufe (Ernani), Monserrat Maldonado (Elvira), Lisandro Guinis (Don Carlo), Sávio Sperandio (Don Ruy Gómez de Silva)

 y elenco.

               
         

Buenos Aires Lírica presenta por primera vez ésta obra con escenografía de Noelia González Svoboda, vestuario de María Emilia Tambutti e iluminación de Rubén Conde, acompañados por gran orquesta y la participación del coro de la entidad.
El Hernani de Victor Hugo ocasionó una revolución al introducir el romanticismo a los escenarios franceses. Giuseppe Verdi se entusiasmó con el valor dramático de la obra y creó una ópera romántica cuyos códigos tal vez sean enigmáticos para espectador del siglo XXI pero en la cuál se reconoce a los personajes con caracteres psicológicos con una acción dramática que no decae siendo en Verdi una partitura llena de fervor patriótico.
Ernani se estrenó en el Teatro de La Fenice en Venezia en 1844 y fue durante todo el siglo XIX una de las óperas más representadas de Verdi y en Buenos Aires se estrena el 5 de agosto en el Teatro Avenida.

Argumento:
En el castillo de Silva, en España, y en Aquisgrán en 1519.
Entre los Habsburgos y los duques de Aragón hay una vieja enemistad. Un duque ha sido asesinado, pero su hijo pudo escapar, desde entonces recorre el país con el nombre de Ernani y enardece los ánimos contra el rey Carlos, que quiere hacerse coronar emperador (Carlos I de España, V de Alemania).
Ambos el rey y el rebelde, se enamoran de Elvira, sobrina del noble Silva, que también tiene la intención de casarse con la joven.
De ésta triple rivalidad surge la acción de la obra de teatro y de la ópera, donde el rey quiere secuestrar a Elvira, pero Ernani logra evitarlo. Silva, que sorprende a ambos hombres en el castillo, los desafía a un duelo.

Carlos se dá a conocer y declara haber ido a pedir consejo al noble a propósito de la elección del emperador. Ernani se aleja con ideas de venganza, pero todavía no ha llegado el momento de oponerse abiertamente al rey. Al odio contra el viejo enemigo de su casa se añade el odio contra el poderoso rival.
Se llegará a una batalla de los rebeldes contra el poder del rey con los hombres de Ernani que muerden el polvo, pero Ernani escapa, y el rumor de su muerte llega al castillo de Silva.
Elvira, que lo amaba llora su muerte, pero al final cede a las presiones de su tío y se declara dispuesta a casarse con él. En la boda los rivales vuelven a encontrarse con Ernani que se acerca disfrazado de peregrino y se aloja en el castillo.

Una larga conversación con Elvira convence para que la joven lo siga amando. Silva ha oído la conversación pero la hospitalidad que ha garantizado a Ernani es sagrada para él. Incluso lo oculta cuándo entra el rey, pués ha reconocido que es un rival con más suerte.
Carlos ordena registrar el castillo y no encuentran al rebelde Ernani y hace secuestrar a Elvira,
Silva quiere batirse con Ernani, pero el secuestro de Elvira es más importante. A manera de pacto de caballeros los rivales deciden liberar primero a Elvira y luego Ernani se quitará la vida cuándo Silva dé una señal con el cuerno.

El último acto se desarrolla en la catedral de Aquisgrán.
Durante la elección del emperador que recae en Carlos, los conjurados se reúnen para matar al nuevo gobernante, pero los descubren y los detienen. Ernani se dá a conocer como duque de Aragón.
El nuevo emperador procede con benevolencia y perdona a Ernani que quiere unirlo para siempre con Elvira, para que vivan felices en el ducado de sus antepasados.
Durante la boda suena de repente el cuerno de Silva, que recuerda a Ernani su antiguo juramento que no hay poder en el mundo que le impida cumplir con su honor de caballero y se clava el puñal ante los ojos de su amada, y ella se quitará la vida inmediatamente después.

I Capuleti e i Montecchi

 Los detalles del bel canto, es un estilo de ópera que floreció en Italia en las primeras décadas del siglo XIX y que asociamos principalmente con los nombres de Rossini, Bellini y Donizetti. Recordaremos que se trata de un estilo que se distinguía por un interés de la perfección técnica por el brillo y su virtuosismo vocal, más por la melodía que por el drama que invadió la totalidad de la música hasta influir, sobre las formas puramente instrumentales.
Mencionamos los tres nombres emblemáticos de éste primo ottocento que es más lo que los une que los separe, pero aún así cada uno hizo un aporte personal.
En la obra de Vincenzo Bellini, lo más interesante es la verdad dramática por lo cuál Bellini, fue celebrado como el autor de Norma- nació en Catania, Sicilia, en 1801 y murió en París en 1835.
I Capuleti e i Montecchi es una "tragedia lírica" en dos actos sobre un libreto de Felice Romani, distinguido poeta que proveyó los libretos de todas las óperas principales de Bellini y de Donizetti. Aunque podría creerse que se trata de la historia de los amantes de Verona tal como la escribió Shakespeare, no es ése el caso: Shakespeare no era conocido en la Italia de ése momento y Romani basó su libreto en una obra teatral creada a partir de una novella del renacentista Matteo Bandello.

En verdad nuestra ópera desciende en línea directa de las mismas fuentes que inspiraron a Shakespeare, y que la historia no es exactamente la de los dos infortunados amantes sino también la de una lucha política entre güelfos (los Capuleto) y gibelinos (los Montesco).
Capuleti es la obra que marca la madurez artística de Bellini y por encargo del teatro "La Fenice de Venecia" y fue estrenada en ése teatro en el carnaval de 1830.
El rol travestido de Romeo, asignado a una mezzosoprano cuándo uno esperaría que correspondiera a un tenor: la explicación es enteramente musical y se comprende si se recuerda que en el "bel canto", el realismo debe ceder su lugar a la belleza de voz sonora femenina.
La otra más anecdótica, se refiere al origen de la obra como reelaboración de una ópera anterior, Zaira, escrita para Parma un año antes y fracasada por completo.
Sobre ésa curiosa base I Capuleti e i Montecchi resultó un éxito espectacular y su carrera en el siglo XIX fue imparable hasta que sufrió el destino común a todo repertorio, con el avance del nuevo lenguaje musical y teatral de Verdi y de Wagner.
I Capuleti e i Montecchi recién revivió en Catania en 1935 y hoy se está restituyendo como  título cada vez más favorito en los grandes teatros europeos.
El 4 de junio de 2016 se estrena en el teatro Avenida I Capuleti e i Montecchi, intervienen en éste primer Capuleti de "Buenos Aires Lírica", Cecilia Pastawski como  Romeo; Rocío Giordano como Giulietta; Santiago Ballerini como Tibaldo; Walter Schwarz como Capellio y Sebastian Angulegui como Lorenzo.
Participa el coro de Buenos Aires Lírica preparado por Juan Casasbellas con gran orquesta bajo la dirección de Jorge Parodi, el maestro argentino que desde hace años reside en New York donde se desempeña en la Juilliard School y en la Manhattan School of Music, que conocimos al frente de nuestra Lucrezia Borgia en 2013.
La producción se debe a Marcelo Perusso, con vestuario de Stella Maris Müller e iluminación de Rubén Conde.

La acción se sitúa en el palacio de los Capuleti en Verona, en el siglo XIII.
En ésta versión de la historia los Capuletos y los Montescos son furiosos rivales políticos: güelfos unos, gibelinos los otros. Capellio, padre de Giulietta, es el líder de los Capuleti mientras que Romeo es el líder de los Montecchi. Giulietta es la prometida de Tebaldo pero ama a Romeo, cosa que sólo lo sabe Lorenzo, el médico de la familia, y Romeo ha matado al hermano de Giulietta.

PRIMER ACTO.

En el palacio: Capellio y Tebaldo advierten a sus seguidores que han rechazado una oferta de paz de un enviado de Romeo. Tebaldo vengará la muerte del hijo de Capellio para proceder con su matrimonio con Giulietta. Capellio rechaza toda idea de paz y Romeo debe aceptar su reto de guerra.
En los aposentos de Giulietta: Lorenzo ha dispuesto que Romeo vaya a ver a Giulietta por una puerta secreta. Romeo intenta convencerla de que escape con él, pero ella se resiste en nombre de la familia y del honor. 

En el palacio: Romeo está disfrazado esperando el apoyo de sus soldados para impedir la boda. Trás el ataque armado de los Montesco, Giulietta ve a Romeo y de nuevo él le pide, sin éxito que se escape. Capellio y Tebaldo los descubren creyendo que Romeo es un enviado de los Montesco, Giulietta intenta protegerlo pero él les dice orgullosamente su nombre. Los Montesco entran a protegerlo y en el tumulto los amantes quedan separados.

SEGUNDO ACTO

En otro lugar del palacio: Giulietta espera noticias de la lucha. Lorenzo le dice que Romeo vive, pero que pronto la llevarán a ella al castillo de Tebaldo. Tiene un plan para ayudarles: la convence para que tome una poción que la hará parecer muerta, y lo organizará todo como para que tanto él como Romeo estén presentes cuando se despierte. 

Capellio vene a ordenarle que se vaya con Tebaldo al amanecer. Ruega a su padre que la perdone antes de morir. Capellio se alarma y sospecha que Lorenzo está implicado, así que hace que lo vigilen. En los subterráneos del palacio. Romeo espera impaciente a Lorenzo. Llega Tebaldo y luchan, pero se ven interrumpidos por un funeral: es el de Giulietta. Cada uno de los rivales, llenos de remordimiento, pide al otro que le dé muerte.

                                                                 

Romeo entra y sus compañeros abren el sepulcro de Giulietta. Romeo se despide de ella y toma veneno. Giulietta se despierta y encuentra a Romeo sorprendido por su muerte simulada e ignorante del plan de Lorenzo. Romeo muere y Giulietta, incapaz de vivir sin él expira sobre su cuerpo. Los Capuleto y los Montesco acusan a Capellio de la tragedia por su dureza de corazón e intransigencia.

Fotos gentileza de Liliana Morsia.

"FAUSTO" de Charles Gounod

Charles Gounod es el más entretenido de los pactos con el diablo y abre la 14º temporada de Buenos Aires Lírica en el Teatro Avenida, con "Faust" y libreto de Michel Carré y Jules Barbier basado en el drama de J.W von Goethe con la dirección musical de Javier Logioia Orbe y la puesta en escena del talentoso régisseur argentino Pablo Maritano.
Es una de las grandes óperas del repertorio clásico que fue estrenada en París en 1859, y narra la leyenda medieval del pacto con el diablo de acuerdo al poema alemán de Johann Wolfgang von Goethe.
Por su popularidad fue la ópera más exitosa de todas hasta el siglo XX a pesar de no incorporar los aspectos filosóficos que dieron fama al Fausto de Goethe (en Alemania se la conoció como “Margarethe”), sigue siendo una de las óperas más apreciadas gracias a su magnífica inspiración melódica y a su fluida dramaturgia.
Ésta versión se integra con la Puesta en Escena de Pablo Maritano.
Elenco: Dario Schmunck (Faust), Marina Silva (Marguerite), Hernán Iturralde (Méphistophélès), Ernesto Bauer (Valentin), Cecilia Pastawski (Siebel), Juan Font (Wagner) y la participación especial de Virginia Correa Dupuy (Marthe).
Escenografía:Enrique Bordolini.
Vestuario:Ramiro Sorrequieta.
Iluminación:Enrique Bordolini.

Faust fue la obra que inauguró el Teatro de la Ópera Metropolitana de Nueva York allá por 1883, en ése antiguo teatro que se encontraba en Broadway en la calle 39, local que fue dejado por la compañía para mudarse al Lincoln Center desde los 1960. Es una obra que han interpretado grandes tenores y bajos desde su estreno en 1859. De los primeros se exige: matices,  notas tanto graves como agudas, y mucha presencia y es un reto para todo bajo que llegue a interpretarlo como el bajo Fedor Chaliapin.

La puesta incluye bailarines y coro que ilustra cada escena que se inicia con la botica de Fausto entre alucinaciones crea al diablo y que está todo en sus sueños.
En la obra de Goethe, Marguerite tiene un papel secundario, pero en la obra de Gounod es básicamente  ella, pués es el personaje por el que los otros personajes se desenvuelven, y vemos su evolución que trasciende con su crescendo vocal y se vuelve  más lirica hacia el dúo con Faust en el tercer acto. Termina los dos últimos actos devastada emocionalmente, habiendo pasado por diversos pecados y estados de histeria.
Muy pocos cantantes logran interpretar tan bien roles tan opuestos como el de Faust en una obra tan compleja y filosófica, que resulta difícil llevar sus temas principales al escenario elegido, siendo el principal reto del director enfocar la atención en los elementos artísticos. 
La leyenda medieval del sabio que vende su alma al diablo sobre el final de su vida, en la mayoría de las veces fue tratado con superficialidad que vá más allá del estudio de la naturaleza y del alma humana, y de aquellas ideas cristianas del bien y del mal para llegar a una confrontación del hombre consigo mismo, con su fé y su conciencia.
En nuestra versión autóctona de Estanislao del Campo de nuestra literatura el aporte en éste tema era trascender la invención diabólica en el Fausto criollo en 1866 en tiempo de la Guerra con el Paraguay para energizar la valentía de los criollos con el personaje de Anastacio " El Pollo" que no distinguía la ficción de la realidad y de los errores imperdonables que habían afectado al ser nacional en sus costumbres criollas. 

La acción se sitúa en Alemania, en el siglo XVI. 

PRIMER ACTO. El anciano doctor Faust se encuentra en su estudio, solo y desesperado, añorando la juventud. Ante la falta de respuesta a sus interrogantes filosóficos invoca al demonio, que acude bajo la forma de un caballero de nombre Méphistophélès. El recién llegado se pone a sus órdenes asegurándole que puede satisfacer todos sus deseos. Pero con una condición: después de su muerte, el alma de Faust habrá de pertenecerle. 
Faust, que solamente quiere recobrar el vigor, la sensualidad y las esperanzas de la juventud, acepta el pacto y bebe la poción que Méphistophélès le ofrece. Transformado en un joven elegante, Faust canta al futuro y a las alegrías que le esperan, y ambos parten en busca de aventuras.

SEGUNDO ACTO. En la plaza del pueblo el soldado Valentin, a punto de ir a la guerra con su regimiento, confía su hermana Marguerite a sus amigos. Méphistophélès aparece y se burla de Marguerite, provocando a Valentin y a los suyos. Valentin ataca pero su espada se quiebra en el aire; los soldados huyen, aterrorizados. Llega Faust, quien queda hechizado por Marguerite, y le ofrece su compañía. Ella lo rechaza, a lo que Méphistophélès asegura a Faust que con su ayuda la conquistará.

TERCER ACTO. Faust y Méphistophélès entran al jardín de la casa de Marguerite. Méphisto hace aparecer un cofre lleno de joyas, que Marguerite se prueba, encantada, frente al espejo. 
Faust y Méphisto se presentan ante Marguerite. Faust inicia su campaña de seducción de Marguerite, al principio sin éxito; finalmente, con ayuda de Méphisto, se abrazan y desaparecen en el interior de la casa. 

CUARTO ACTO. Nueve meses después Marguerite ha dado a luz a un niño de Faust. El amante, sin embargo, la ha abandonado. Valentin regresa de la guerra y se encuentra con su hermana humillada. 
Faust viene dispuesto a pedir perdón a Marguerite, pero solamente se encuentra con Valentin, quién lo reta a duelo. Protegido por Méphisto, Faust hiere de muerte a Valentin, que muere maldiciendo a Marguerite. Ella huye a la iglesia, donde intenta rezar. Méphisto y los suyos se lo impiden.

QUINTO ACTO (Nota: la primera escena corresponde al ballet sobre la Noche de Walpurgis que no se representa en la versión de BAL). Marguerite está en prisión y será ejecutada por haber asesinado a su hijo. La despierta la voz de Faust: ella todavía lo ama. Con ayuda de Méphisto, Faust la libera de las cadenas. 
Recuerda tiempos mejores, pero aún bajo la insistencia de Méphisto ella se niega a escapar con Faust. 
Reza a Dios por la salvación de su alma y rechaza a Faust. “¡Salvada!”, cantan los ángeles, y mientras Faust se hunde en su vergüenza, Marguerite asciende al cielo.

MANGUEIRA: la última en desfilar y la primera en ganarse el trofeo de campeón 2016

Después de 13 años sin títulos, Mangueira es la escola de samba campeona del carnaval de Río 2016 por décima novena vez al obtener en una puntuación muy reñida los 269,8 puntos, le permitió ganar el Estandarte de oro, un premio que otorga el diario O´Globo.

Última escuela en desfilar por la pasarela de Sapucai sobre la madrugada del martes, fue la que éste año honró a Maria Bethania, con la celebración de 50 años de su carrera de cantante y compositora bahiana y la historia representaba a las religiones que marcan el origen y la vida de la cantante.

El San Clemente llegó al desfile en Sapucai al burlarse contando la historia del payaso que mostró cómo el personaje que se hizo popular, destacando nombres importantes en el humor brasileño, como Mazzaropi, Calvo, Dercy Gonçalves y Oscarito. En la última alegoría, un gran payaso de escultura articulada desfilaba en protesta golpeando la olla delante de una foto del Congreso.
En cuarto lugar la escola Portela contó los viajes mundiales y con ello abusó de efectos visuales, como un hombre volaba sobre el agua en una nave alegoría donde los arqueólogos eran tragados por los dinosaurios.

Emperatriz Leopoldinense decidió honrar a Zezé Di Camargo y Luciano en un show lujoso lleno de famosos. El sonido del acordeón de Lucy Ramos animó la escuela que mostró parte de la historia del campesino con.su tierra con una alegoría de música country utilizando guitarras sobre un gran balcón de tenía la alegoría.

La estación primera de Mangueira eligió a Maria Bethania para poner fin a los desfiles del Grupo Especial en Río. El desfile mostró en su inicio la religiosidad de la cantante en su primera vez con el Candomblé y luego en el catolicismo recordó los éxitos registrados por la artista con espectáculos que marcaron su carrera. 

Varias personalidades participaron en el desfile, como Renata Sorrah, Regina Case, Alcyone su gran amiga y uno de los aspectos más destacados en el carro de Bethania Católica fue la presencia de la cantante Beth Carvalho y Caetano Veloso y también la presencia de Bethania desfilando en el último carro alegórico en la que irradiaba la emoción al público y vivoreaba los colores verde y rosa de la escola.

Presenciar el acontecimiento carnavalesco con sus efectos más brillantes, su perfección tecnológica, su arte coreográfico de cada uno de sus 4300 componentes de samba, en medio de una noche de emoción y esplendor inigualable, lo que deja al espectador satisfecho de su catártico sueño tradicional.

Pero por sobre la catarsis que genera toda ésta "mise en escena" espectacular que crea el premio tiene su contracara de otra manera para desfilar en Mangueira: o se es vecino de la favela que da nombre a la escola, cuna del samba más canalla y suburbana de Río, mentidero de poetas y bohemios de la música, otrora inexpugnable fortín de narcotraficantes y almas descarriadas, o desembolsar una suerte de canon de U$S 400 que da derecho al disfraz (o a los lujosos destaques de plumas y piedras semipreciosas que superan los U$S 10.000) que permite degustar la gloria de recorrer durante más de una hora la mítica avenida del samba, propulsado por la inercia de una vorágine de miles de personas y la cadencia rítmica de una batería formada por más de 300 percusionistas, pero ésta opción suele estar reservadas a los forasteros y los habitantes de los barrios más pudientes de Rio.

...Lo que el tiempo se llevó ...!!

*¿Qué cuántos años tengo?*
*¡Qué importa eso!*
¡Tengo la edad que quiero y siento!
La edad en que puedo: Gritar sin miedo lo que pienso...
Hacer lo que deseo, sin miedo al fracaso, o lo desconocido. ..
Pués tengo la experiencia de los años vividos y la fuerza de la convicción de mis deseos.
*¡Qué importa cuántos años tengo!*

¡No quiero pensar en ello!
Pués unos dicen que ya soy viejo,

y otras que estoy en el apogeo.

Pero no es la edad que tengo,

ni lo que la gente dice, sino lo que mi
corazón siente y mi cerebro dicta.
Tengo los años necesarios para gritar lo que pienso, para hacer lo que quiero,
para reconocer yerros viejos,
rectificar caminos y atesorar éxitos.
Ahora no tienen por qué decir:
¡Estás muy joven, no lo lograrás!
¡Estás muy viejo, ya no podrás!
Tengo la edad en que las cosas se miran con mas calma, pero con el interés de seguir creciendo.

Tengo los años en que los sueños se empiezan a acariciar con los dedos, las
ilusiones, se convierten en esperanza.
Tengo los años en que el amor,
a veces es una loca llamarada,
ansiosa de consumirse en el fuego de una pasión deseada.
Y otras es un remanso de paz, como el atardecer en la playa.
*¿Qué cuántos años tengo?

*No necesito con un número marcar, pués mis anhelos alcanzados, mis triunfos
obtenidos, las lágrimas que por el camino derramé al ver mis ilusiones truncadas...
¡valen mucho más que eso!*
*¡Qué importa si cumplo cuarenta--cincuenta ----setenta --ochenta... ......... ..
Pués lo que importa: ¡Es la edad que siento!

Tengo los años que necesito para vivir libre y sin miedos.
Para seguir sin temor por el sendero, pués llevo conmigo la experiencia
adquirida y la fuerza de mis anhelos.
¿Qué cuántos años tengo?
¡Eso a quién le importa!
*Tengo los años necesarios para perder el miedo y hacer lo que quiero y
siento.
Che Viejo !!....¿Te quedó claro ?... sabés ahora cuántos años tengo... !!
 Autor desconocido